Noticias Dreamers

BREVE SINOPSIS

El director Raúl Ruiz nos transporta al año 1918. Gustav Klimt (John Malkovich) yace en su lecho de muerte.

Acompañamos a Klimt a través de sus visiones febriles hasta el pabellón austríaco de la Exposición Internacional de París de 1900, donde recibe una medalla de oro por su obra titulada Filosofía. Allí presenciamos sus encuentros con el mago del cine Méliès, la misteriosa bailarina francesa Lea de Castro y el "Secretario de Estado", una opresiva figura paterna que sigue al artista por toda la película como una sombra.

Los cuadros de Gustav Klimt revelan una expresividad, pasión y sensualidad fascinantes, y, como su propia vida, están consagrados a las mujeres. Muy adelantado a su tiempo, Klimt fue alabado en París pero censurado por su carácter provocativo en su ciudad natal de Viena.



SINOPSIS

La obra de Gustav Klimt es una arrebatadora combinación de sensualidad, expresividad y pasión y, como su propia vida, está dedicada por entero a las mujeres. Fue un artista muy adelantado a su tiempo que obtuvo el reconocimiento en París pero el desprecio en Viena, su ciudad natal, donde se le tachó de escandaloso. Klimt vivió la vida igual que la pintó. Tuvo romances con sus modelos y musas, relaciones de las que nacieron 30 hijos aproximadamente.

En sus cuadros y dibujos, Klimt creó una imagen completamente nueva de la mujer y un nuevo ideal de belleza aún vigente hoy día. La eterna búsqueda de perfección, erotismo y amor del artista se refleja en sus obras y se expresa en esta historia a través de su apasionada relación con la bailarina y actriz francesa Lea de Castro.

La historia arranca en el pabellón austríaco de la Exposición Internacional de París de 1900, donde Klimt es galardonado con una medalla de oro por su obra. Allí conoce al mago del cine Méliès, que le presenta a Lea de Castro. La bailarina encarna a la musa de sus sueños así como a su ideal erótico y sus deseos carnales. También conoce al misterioso "Secretario de Estado", que a lo largo de la película hostiga la inestable cordura del artista. El director Raúl Ruiz muestra el enfrentamiento de Klimt con las autoridades austríacas y con la alta sociedad vienesa, surgido a raíz de las alegorías "escandalosas" del pintor y que desemboca en un dramático incidente en el que Klimt roba del edificio de la Secesión de Viena sus cuadros incautados por el Estado, que finalmente se ve obligado a comprar para evitar el encarcelamiento. Ruiz se sirve de hechos, conversaciones y citas del círculo de amigos de Klimt y otros personajes contemporáneos a él para dotar de autenticidad a la acción con la aparición esporádica de figuras como Schiele, Altenberg, Bahr y Wedekind, que labraron el tejido cultural que envolvía las cafeterías de la Viena del cambio de siglo.

La trama de la película se centra en la pasión de Klimt por Lea de Castro, su lucha por la libertad artística y su eterna pero platónica relación con Emilie Flöge. La amistad íntima que le unió al artista Egon Schiele compone la voz narrativa de la película. La interpretación que Raúl Ruiz hace de la vida de Klimt es una extraordinaria plasmación visual y musical de los hechos históricos. El director indaga en la eterna búsqueda de perfección, erotismo y amor de Klimt; en su incansable exploración de una nueva forma expresiva; en su rechazo del clima social y artístico de la época; en la agitación que vivió Viena con la llegada del siglo XX; y en el declive del Imperio de los Habsburgo.

La creación de Raúl Ruiz es un virtuoso homenaje a un artista y a su vida, con la Belle Époque como sugerente telón de fondo histórico.



BIOGRAFÍA DE KLIMT

Gustav Klimt (1862-1918)

Gustav Klimt, pintor austríaco que fundó la escuela de pintura conocida como la Secesión de Viena, escandalizó al público de principios del siglo XX con sus cuadros poco ortodoxos y de componente erótico.

Nacido en Baumgarten, cerca de Viena, Klimt sintió crecer su interés por el arte gracias a su padre, grabador de oro y plata. El artista recibió su preparación formal en la Escuela de Artes y Oficios de Viena, y en 1883 fundó un estudio independiente especializado en la ejecución de pinturas murales. Sus primeras obras son características de la pintura académica de finales del siglo XIX, como puede apreciarse en murales como el realizado para el Burgtheater de Viena (1888) o el de la escalinata del Museo de Historia del Arte.

En 1897, a la vez que afloraba un estilo más maduro de Klimt, el artista fundó la Secesión de Viena, grupo de pintores que se rebelaron contra el arte académico en favor de un estilo decorativo similar al Art Nouveau. Poco después pintó tres murales alegóricos para el techo del auditorio de la Universidad de Viena, que fueron objeto de airadas críticas: el simbolismo erótico y el pesimismo de estas tres obras originaron tal escándalo que los murales fueron rechazados. Sus posteriores obras, el Friso de Beethoven (Galería Austríaca del Museo Belvedere, Viena, 1902) y los murales del Palacio Stoclet (Bruselas, 1909-1911), se caracterizan por un trazo preciso y lineal, y por el uso decorativo de figuras planas de diversos colores y de láminas doradas. Algunas de las obras más celebradas de Klimt son El beso (Galería Austríaca, 1908) y los retratos que hizo de damas de la alta sociedad vienesa, como el de Fritza Riedler (Galería Austríaca, 1906) y el de Adele Bloch-Bauer (Galería Austríaca, 1907).

En El beso, la obra más famosa de Klimt, unas figuras plasmadas con gran belleza parecen flotar en un ensueño, envueltas en el mosaico abstracto de un manto que sugiere armoniosos contornos corporales. El trazo rítmico y fluido y las formas orgánicas de los incomparables cuadros de Klimt ejercieron una gran influencia en el movimiento Art Nouveau.

En otras obras trató la figura humana sin sombras, ensalzando la exuberante sensualidad de la piel al rodearla de magníficas composiciones planas de rica ornamentación.



DECLARACIONES DEL DIRECTOR

No es tarea fácil plasmar estos pensamientos sobre el papel. Sin embargo, y para mi sorpresa, al escribir estas líneas empecé a sentirme como un médium del espíritu de Karl Kraus ya que, en el transcurso de una siesta, me encontré pidiéndole consejo. Así pues, no es a mí (pues poseo un temperamento más bien comedido) a quien hay que culpar de todo exceso que aparezca en el presente texto.

Esta película no es una biografía lineal de la vida y la época de Gustav Klimt. Es más bien una fantasía o, si lo prefieren, una fantasmagoría, como si fuera uno más de sus cuadros, donde se funden figuras materiales e imaginarias que revolotean en torno a un punto central: el pintor Klimt. Mi intención es servirme de las características estilísticas únicas de la obra de Klimt, la preponderancia de la belleza, el exceso de color, la distorsión espacial y los ángulos complejos, para dotar de vida e iluminar una de las épocas más ricas, contradictorias y extravagantes de la historia moderna.

Esta película se narrará a la manera de Arthur Schnitzler, tal vez no sólo el más vienés de los escritores, sino también uno de los autores de la época más aclamados en todo el mundo. Su escritura, a la que se atribuye la génesis de la estructura narrativa circular, mezcla la realidad con el ensueño, la cordura con la locura. Escandalizó y desconcertó al público de principios del siglo XX, y algunos lectores actuales podrían tener hoy día la misma reacción… pero por algún motivo resulta perfectamente natural. Al fin y al cabo, incluso el vals vienés era chocante en aquel entonces. Y esta película, en muchos sentidos, es un vals. Da vueltas y más vueltas, se acelera, marea y llena de júbilo. De hecho, en todo momento sonaba en mi cabeza La Valse de Ravel, que se acelera de forma desbordante hasta su clímax para después detenerse de forma abrupta e inesperada.

De modo más general, pretendo sugerir que nada es del todo seguro o inmutable. Que no hay certeza en lo que uno ve (lo que se materializa de forma conmovedora el deterioro de la salud mental de Klimt provocado por la sífilis): los escenarios sufren cambios imperceptibles por el movimiento de objetos y paredes, la fuente de luz se traslada, los movimientos del actor siguen una coreografía y la acción se fragmenta. Describir todos estos procesos técnicos llevaría demasiado tiempo, pero añadiré solamente que en mi película basada en la obra de Proust El tiempo recobrado empleé más de sesenta efectos estilísticos y que en ésta creo que podría llegar a alcanzar el doble.

Pasemos ahora a la trama: vemos por primera vez al pintor Klimt en el momento de su muerte recordando un episodio oculto de su vida: su apasionado romance con la mundana bailarina Lea de Castro. En el transcurso de una estancia en París, el pintor conoce a una actriz que afirma ser la falsa Lea pero que promete conducirle hasta la auténtica Lea, a quien él había visto ya en una película de Méliès. A partir de este primer encuentro, diversos episodios se suceden en torno al tema central de la relación con Lea, que en realidad podrían ser dos o tres mujeres distintas. Se trata de una aventura sentimental caracterizada por citas frustradas y un deseo ardiente. Todo ello situado en un telón de fondo que en ocasiones acapara el centro de la atención: el agonizante Imperio de los Habsburgo y la efervescente Viena de fin de siglo, con su repertorio de mentes brillantes, intrigas y tensión sexual.

La película se ambienta en una época de enorme agitación, marcada por el nacimiento de la individualidad artística y personal. No obstante, Klimt no pudo encabezar esta nueva ola sin rechazar todas las restricciones sociales y domésticas, cosa que hizo con sus aventuras románticas y a veces con lo contrario: la normalidad de la vida familiar. Lo trágico, sin embargo, es que las aventuras se convierten en rutina y la vida familiar engendra locura.

Los Cuatro Jinetes del Apocalipsis nunca andan demasiado lejos: debido a la ascensión de Serbia, Viena se ve amenazada por la guerra, la hambruna se extiende y la sífilis y la tuberculosis asolan Europa. ¿Y qué hay del otro jinete, la Muerte? No, la muerte se halla implícita en los otros tres; el cuarto es la pasión y el gozo, que revolotea sobre las figuras de la película. Es un vals: bailas y bailas y bailas dando vueltas y más vueltas y todavía más vueltas.

Espero oír críticas a este guión similares a las que atrajo el arte de Klimt: que supeditaba el detalle al conjunto, el ornamento a la expresión global. Pero esta tendencia es una característica que define la época que retrata la película, un momento en el que la Humanidad se perdió en los detalles (que siempre son lo más importante). Esta película estará repleta de la belleza, el gozo y la decadencia de la época pero también estará templada por la premonición de muerte. Confío en que reflejará el fin de una era.

Sí, en esta película, la muerte es motivo de alegría: para terminar con una cita de Karl Kraus, "sólo lo muerte no miente".

Raúl Ruiz

(Con la colaboración póstuma de Karl Kraus)

Marzo de 2004

RAÚL RUIZ - guionista y director

El cineasta Raúl Ruiz, que goza de reconocimiento internacional desde principios de la década de 1980, ha demostrado ser uno de los directores más apasionantes e innovadores de los últimos años, habiendo aportado mayores dosis de diversión intelectual y experimentación artística que cualquier otro cineasta desde JEAN-LUC GODARD. Abriéndose paso a machetazos por entre el celuloide con sonidos e imágenes bien afilados, Ruiz es un guerrillero que asalta sin concesiones las preconcepciones del arte cinematográfico. Este prolífico creador (con un escalofriante currículo de más de 50 películas realizadas en veinte años) no se adscribe a ningún estilo cinematográfico particular. Ha trabajado en 35mm, 16mm y vídeo, para la gran pantalla y para la televisión europea, en películas de ficción y en documentales.

La carrera de Ruiz empezó en el teatro de vanguardia, en el que, desde 1956 hasta 1962, escribió más de 100 obras. Aunque no dirigió ninguna de estas producciones, hizo sus pinitos en la realización cinematográfica en 1960 y 1964 con dos películas que no llegó a terminar. En 1968, con el estreno de su primera película finalizada, TRES TRISTES TIGRES (1968), Ruiz, junto con MIGUEL LITTIN y ALDO FRANCIA, se situó en la cresta de la ola del cine chileno. Siendo un activista de izquierdas que apoyó el gobierno de Salvador Allende, Ruiz se vio obligado a huir de su país tras el golpe fascista de 1973. Exiliado en París desde entonces, ha encontrado una plataforma para sus ideas en la televisión europea. Su primer gran éxito en este continente llegó con La hipótesis del cuadro robado (L’Hypothèse du tableau volé, 1978), una intrincada película en blanco y negro adaptada de una novela de PIERRE KLOSSOWSKI y construida a la manera de cuadros vivos que narra la enigmática historia de un cuadro del siglo XIX desaparecido.

Ruiz, influenciado por la tradición fabulista que impregna gran parte de la literatura latinoamericana (GABRIEL GARCÍA MÁRQUEZ, JORGE LUIS BORGES y ALFONSO REYES son influencias que ha reconocido), es un poeta de imágenes fantásticas cuya filmografía oscila sin esfuerzo entre los terrenos de la realidad y la imaginación. Las técnicas de este creador de atrevidos juegos intelectuales cuyas reglas no cesan de cambiar son tan variadas como el propio cine: componen un repertorio de extraños ángulos y primeros planos wellesianos, apabullantes puntos de vista subjetivos, deslumbrantes colores y tramas laberínticas que se construyen toma a toma siempre un paso por delante del espectador. Dice mucho de Ruiz la diversidad de sus influencias, tan originales como él mismo: además de adaptar a Klossowski, ha sido inspirado por FRANZ KAFKA para realizar La Colonia Penal (1970), recreación chilena del relato En la colonia penitenciaria. También se ha inspirado en Racine con BÉRÉNICE (1983); en Calderón con MÉMOIRE DES APPARENCES (1986), basada en La vida es sueño; en Shakespeare con RICHARD III (1986); y también en ROBERT LOUIS STEVENSON, cuya ISLA DEL TESORO adaptó al cine en 1985. Dos de sus mayores influencias son ORSON WELLES (cuyo Fraude es un precursor de La hipótesis del cuadro robado) y el cine de Hollywood de serie B (ROGER CORMAN participó como productor ejecutivo en Le Territoire, de 1981). Al igual que Godard (a quien Ruiz cita como influencia temprana y que también bebió del cine de serie B), Ruiz no establece diferencias entre el "arte mayor" de Racine o Calderon y el "arte menor" de Roger Corman. Por desgracia, las películas de Ruiz son difíciles de encontrar, aunque las pocas que se hallan disponibles manifiestan el genio que caracteriza toda su obra.



FILMOGRAFÍA

2003 Ce jour-là
2002 Les âmes fortes
2000 La comedia de la inocencia (La comédie de l’innocence)
2000 Combat d’amour en songe
1999 El tiempo recobrado (Le temps retrouvé)
1998 En brazos de mi asesino (Shattered image)
1996 Généalogies d’un crime

RICARDO ARONOVICH - director de fotografía

Ricardo Aronovich nació en Argentina en 1930. Inspirado desde su infancia por el trabajo documental de su tío, empezó a estudiar fotografía a los 18 años de edad.

Entre 1954 y 1960, influenciado por el primer Nuevo Cine Argentino, Ricardo trabajó en muchos cortometrajes que le valieron diversos premios. En 1963, se trasladó a Brasil para participar en una película dirigida por Ruy Guerra, que había viajado desde Francia para rodar Los fusiles (Os Fuzis). Su siguiente paso en el cine europeo fue con Benito Cereno, película dirigida por Serge Roullet en 1968. Posteriormente, Ruy Guerra pidió a Ricardo que viajara a París para trabajar en Dulces cazadores (Ternos Caçadores, 1969).

Desde entonces ha colaborado con grandes directores como Philippe de Broca, Yves Boisset, Andrzej Zulawski, Alain Resnais, Luc Bondy, Constantin Costa Gavras, Ettore Scola y Patrice Leconte, por nombrar sólo unos pocos.

Ricardo optó a un premio César a la mejor fotografía en 1977 por Providence y en 1984 por La sala de baile (Le Bal). En 1997 obtuvo el premio del Festival Internacional de Cine de La Habana a la mejor fotografía por El Impostor y en 1999 el premio AEC del Festival de Cine Independiente de Ourense en la misma categoría por El tiempo recobrado (Le temps retrouvé).
FILMOGRAFÍA
2004 Yo puta
2002 La Kedada
2002 The Tragedy of Hamlet
2002 Náufragos (Stranded)
1999 El tiempo recobrado (Le Temps retrouvé)
1996 Désiré
1995 Mecánicas celestes (Mécaniques célestes)
1994 Lumière noire
1994 Le Radeau de la Méduse
1994 Le Mangeur de lune
1992 Bolero (Le Batteur du boléro)
1990 The Man Inside
1989 Nunca estuve en Viena
1987 La Famiglia
1986 Les Trottoirs de Saturne
1984 Stress
1983 La sala de baile (Le Bal)
1983 Le Jeune marié
1982 Desaparecido (Missing)
1980 You Better Watch Out
1979 Couleur chair
1979 The Outsider
1979 El Juego del poder (Écoute voir)
1978 El Recurso del método
1977 Je t’aime, tu danses
1976 Sérail

Nacho, 4 de Diciembre de 2006