La revelación de estas navidades es esta nueva película de animación producida por Tim Burton que tiene una pinta fantástica.
UNIVERSAL PICTURES
PRESENTA
EN ASOCIACIÓN CON
RELATIVITY MEDIA
UNA PRODUCCIÓN
JIM LEMLEY, TIM BURTON
y TIMUR BEKMAMBETOV
NÚMERO 9
DIRIGIDA POR SHANE ACKER
REPARTO
Número 1 CHRISTOPHER PLUMMER
Número 2 MARTIN LANDAU
Número 5 JOHN C. REILLY
Número 6 CRISPIN GLOVER
Número 7 JENNIFER CONNELLY
Número 8 FRED TATASCIORE
Número 9 ELIJAH WOOD
Científico ALAN OPPENHEIMER
Dictador TOM KANE
Locutor radio FRED TATASCIORE
Presentadora televisión HELEN WILSON
EQUIPO TÉCNICO
Director SHANE ACKER
Guionista PAMELA PETTLER
Historia SHANE ACKER
Productores JIM LEMLEY, TIM BURTON,
TIMUR BEKMAMBETOV y DANA GINSBURG
Coproductoras JINKO GOTOH y MARCI LEVINE
Productores asociados GRAHAM MOLOY, LILIAN ECHE y
PIERRE URBAIN
Animación producida en STARZ ANIMATION, Toronto
Montador NICK KENWAY
Canciones DANNY ELFMAN
Música DEBORAH LURIE
Casting MINDY MARIN, CSA
Director de animación JOE KSANDER
Diseño de producción ROBERT ST. PIERRE y FRED WARTER
Fotografía (Starz) KEVIN R. ADAMS
Supervisión de efectos visuales (Starz) JEFF BELL
NÚMERO 9
SINOPSIS
La fantasía de animación NÚMERO 9, de Shane Acker, está basada en el cortometraje de igual título, nominado por la Academia, que él mismo dirigió en 2004. El guión de esta película llena de aventuras y acción es de Pamela Pettler (Monster House), y está producida, entre otros, por los realizadores Tim Burton (Bitelchús) y Timur Bekmambetov (Wanted/Se busca).
La historia transcurre en un futuro muy próximo. El invento conocido como la Gran Máquina activa y aporta energía a las máquinas que se han alzado contra la raza humana, diezmando a la población, antes de empezar a apagarse.
El mundo pronto quedará destruido, pero un grupo de pequeños seres intenta salvar lo poco que queda de la civilización. Está compuesto por nueve criaturas a las que un científico infundió vida poco antes de la catástrofe. Entre el grupo, Número 9 (la voz de Elijah Wood) demuestra tener madera de líder y cualidades que quizá les ayuden a sobrevivir e incluso a prosperar. Los demás miembros del grupo son Número 1 (Christopher Plummer), un veterano de la guerra, de carácter dominante y líder del grupo hasta la fecha; Número 2 (Martin Landau), un generoso y ahora frágil inventor; Número 3 y Número 4, gemelos de una gran erudición que se comunican sin palabras y sobre todo entre sí; Número 5 (John C. Reilly), un inquebrantable ingeniero; Número 6 (Crispin Glover), un artista errático atormentado por las visiones; Número 7 (Jennifer Connelly), una valiente guerrera autosuficiente, y Número 8 (Fred Tatasciore), el musculoso y no muy listo guardaespaldas de Número 1.
Con un grupo tan reducido, estas creaciones “stitchpunk” (“residuopunk”, derivado de la corriente “steampunk”) deben hacer acopio de una fuerza desproporcionada a su tamaño para engañar y luchar contra las máquinas que aún funcionan, una de las cuales es una bestia mecanizada. En las tinieblas que preceden al amanecer, Número 9 debe reagrupar y animar a los suyos para hacer frente común al peligro inminente.
Además de exhibir un asombroso estilo de gran brillantez visual, NÚMERO 9 explora con dinamismo las ganas de vivir, la fuerza del grupo, y cómo un ser puede llegar a cambiar el mundo.
Universal Pictures, en asociación con Relativity Media, presenta una producción de Jim Lemley/Tim Burton/Timur Bekmambetov, NÚMERO 9, protagonizada por Elijah Wood, John C. Reilly, Jennifer Connelly, Christopher Plummer, Crispin Glover, Martin Landau, Fred Tatasciore. Casting, Mindy Marin, CSA. Canciones, Danny Elfman. Banda sonora, Deborah Lurie. Montaje, Nick Kenway. Productores asociados, Graham Moloy, Lilian Eche, Pierre Urbain. Animación producida en Starz Animation, Toronto. Coproductores, Jinko Gotoh, Marci Levine. Productores, Jim Lemley, Tim Burton, Timur Bekmambetov, Dana Ginsburg. Una historia de Shane Acker. Guión, Pamela Pettler. Dirigida por Shane Acker. Distribuida por Universal Pictures.
ACERCA DE LA PELÍCULA
“Es un sueño hecho realidad”, dice el director Shane Acker hablando de la oportunidad que se le ha brindado para convertir su corto, premiado por la Academia de Estudiantes, en un largo. “Me había enamorado de ese universo y de sus personajes. Tenía la cabeza llena de ideas, de posibilidades para agrandar ese mundo a medida que los personajes lo descubren”.
Para el director, el estreno de NÚMERO 9, que tendrá lugar en Estados Unidos el 9 de septiembre (9-09-2009), cierra una década dedicada a explorar el mundo que él mismo creó. A través de los años, desde el corto al largometraje, los conceptos básicos han seguido siendo los mismos, añadiendo colaboraciones creativas y sugerencias del público.
Recuerda que, al final del siglo pasado, “pensé en el personaje de Número 9, un inocente dispuesto a arriesgar su vida por los demás e inclinado a usar la inteligencia en vez de la fuerza para derrotar a una bestia”. Y el director añade: “Quería describirle de modo empático, sin diálogos. Así, el corto sería universal, accesible para todos, además de un reto para el público, que debería unir las piezas para comprenderlo. Me pareció que sería una buena experiencia, sobre todo si se hacía en animación”.
Shane Acker sigue diciendo: “Para el diseño del corto me inspiré en el trabajo de varios maestros de la animación stop-motion, Jan Svankmajer, los hermanos Quay, los hermanos Lauenstein. De hecho, mi primera idea era hacer un corto de animación stop-motion”.
Se licenció en Arquitectura en UCLA, donde también estudió Animación. Presentó el corto “9” como película de fin de carrera. “Aprendía trabajando y trabajaba aprendiendo”, recuerda. “Una película de stop-motion con un presupuesto universitario era inasequible. Pero empecé a pensar con qué podía crear esos personajes. Y me serví de lo que tenía a mano, trocitos de esto y de lo otro. Imaginé un grupo de seres nómadas que llevan sus posesiones, objetos encontrados, dentro de sí mismos”.
“Pueden llamarse creaciones ‘stitchpunk’. La primera vez que oí esta palabra fue en boca de un fan del corto, y reconozco que encaja a la perfección con la estética de los personajes, no sólo por lo que son físicamente, sino porque no están diseñados como juguetes, sino como seres que sobreviven en un paisaje asolado. También pensé que el mundo en el que viven debía ser duro, debía tener textura, con restos del pasado y nuevas formas de vida apareciendo poco a poco. Me inspiré en fotografías de ciudades europeas destruidas después de la II Guerra Mundial y en las fantasías de Zdzislaw Beksinski”.
Pero le llevó cuatro años y medio hacer el corto. “Trabajaba cuando me quedaba sin dinero”, recuerda el director. “Me fui a Australia seis meses para trabajar en El retorno del rey (la tercera parte de la premiada trilogía El señor de los anillos, de Peter Jackson). Fue una experiencia asombrosa, aprendí muchísimo”.
Hablando de la historia, Shane Acker dice: “El grupo de Número 9 es una metáfora de una humanidad en desarrollo; son ingeniosos, inventan y se adaptan. Pero la bestia que les persigue está hecha de huesos y piezas de máquinas. Su único deseo es la asimilación, por eso roba el alma de las criaturas”.
“Las dos especies están conectadas por un talismán, que imaginé como una pieza tecnológica de la época en que los humanos poblaban la tierra. La vasija para capturar y contener el alma de un individuo fue dividida en dos; una mitad está en manos de la bestia, y la otra, en manos del grupo de Número 9”, explica el realizador.
El corto “9”, de 11 minutos de duración, terminado a mediados de 2004, impresionó al público de todo el mundo gracias a personajes sorprendentes, conceptos inéditos de ciencia-ficción y secuencias de persecución. En su recorrido por festivales internacionales, Shane Acker se llevaba todos los premios, pero había algo más. Dice: “Era una carga emocional. Me sorprendía la cantidad de mujeres que se acercaban a mí después de ver el corto para decirme lo que sentían por Número 9”.
Como director, fue nominado al Oscar al Mejor Corto de Animación y ganó la Medalla de Oro en los Premios de la Academia Universitaria.
Shane Acker dice: “La nominación al Oscar cambió mi vida. No tenía ni idea de que el corto llegaría tan lejos, fue un gran honor. Me abrió muchas puertas y me ha dado oportunidades para expresarme como artista”.
El corto, incluso antes de la nominación al Oscar, contaba con numerosos defensores, Jim Lemley y Dana Ginsburg entre ellos. “Me cautivó. Era un concepto atemporal, los personajes eran interesantes, algo que sólo tienen las mejores historias de fantasía”, dice la productora.
En el invierno de 2005, Jim Lemley estaba en un rodaje nocturno como uno de los productores ejecutivos del exitoso thriller Vuelo nocturno. A las tres de la mañana decidió aprovechar para ver material que tenía pendiente. Recuerda: “Mi asistente llevaba una semana diciéndome que viera un corto titulado ‘9’. Puse el DVD y empecé a firmar unos documentos. Pero cuando miré la pantalla, ya no le quité ojo. Me quedé boquiabierto. Lo vi varias veces seguidas. Shane había conseguido algo increíble con esos seres”.
Sigue diciendo: “Tres días después me reuní con Shane. Le pregunté de dónde venía el mundo que había creado y me describió su universo. A la semana ya había invertido mi dinero para desarrollar el proyecto”.
Dos directores que habían traspasado fronteras no tardaron en unirse a Jim Lemley para sacar adelante NÚMERO 9.
Tim Burton dice: “Este corto de once minutos forma parte de las imágenes más extraordinarias que he visto. El concepto de Shane está lleno de detalles asombrosos que crean un universo muy bello, tanto visual como emocionalmente”.
Timur Bekmambetov añade: “Como espectador, el corto de Shane me enganchó. Por eso quería saber qué ocurría antes y después. Decidí ayudar a Shane para que pudiera plasmar su visión en una película épica e importante”.
Los cineastas pidieron a la guionista Pamela Pettler, que ha colaborado en varias ocasiones con Tim Burton, que trabajara con Shane Acker para ampliar la historia. Dice: “Nunca dudé que el corto pudiera convertirse en una gran película de aventuras, sobre todo porque la animación es un medio maravilloso. Básicamente, se trata de una historia universal acerca de un mundo donde no existen las fronteras ni las razas. Hay una lucha, pero se lleva a cabo con esperanza y optimismo”.
Shane Acker dice: “Teníamos la oportunidad de explorar el mundo desde la perspectiva de estos seres, pero también de enseñar lo que había ocurrido antes. Para llegar al ‘posapocalipsis’, debe haber un ‘preapocalipsis’. A todos les dijeron: ‘El glorioso futuro es nuestro’, pero algo salió mal”.
“En un largometraje podíamos estudiar más profundamente por qué el mundo acabó así, qué pasó con los seres humanos y hasta dónde llegaba la esperanza. Las creaciones deben estudiar el pasado para descubrir realmente quiénes son, y por qué son, y cómo pueden seguir adelante. Aunque entramos en un mundo de fantasía muy diferente, al mismo tiempo realizamos un viaje emocional con personajes que tienen emociones y comportamientos muy humanos”.
Pamela Pettler empezó a trabajar en el guión a mediados de 2005. Jim Lemley recuerda: “Shane y Pamela trabajaron juntos durante unos seis meses, a veces en casa de uno, otras en casa del otro”.
La guionista dice: “Teníamos enormes tableros con todos los personajes. Shane dibujó unos bocetos preciosos de la bestia. Hicimos una lista de los principales hitos de la historia y un resumen dibujado, además de escrito”.
Sigue diciendo: “Me gusta trabajar con personas que piensan visualmente, como Shane. Para crear el universo de la película, él hacía asociaciones libres y yo les daba forma para que los personajes tuvieran una profundidad emocional y la historia fuera consistente”.
Shane Acker dice: “Parte de la filosofía del diseño, y eso remonta al corto, era no olvidar la definición de Aristóteles de las facetas del hombre. Estas creaciones representan a los seres humanos, con sus defectos y sus cualidades. Es la clave del misterio de su existencia. También son facetas de mí mismo; intento ser como Número 9 en la medida en que sigo a mi cabeza y a mi corazón hacia un ideal, incluso si el viaje representa un gran reto”.
“Pamela aportó una mayor consistencia a los personajes y a la estructura de la historia. Soy de los que quieren incluirlo todo, hasta la última pieza, pero ella lo analizaba, sacaba lo interesante y unía mis locas ideas sin perder el hilo de la historia”, sigue diciendo.
Para el productor Jim Lemley, su colaboración con el realizador se basaba en “saber lo que Shane quería hacer y ayudarle a conseguirlo. Era como construir una casa para que él pudiera crear desde cualquier habitación”.
“Shane podía hablar con Tim y con Timur, dos personas experimentadas que saben lo que significa dirigir una película de fantasía épica. Incluso durante el rodaje de Sweeney Todd: el barbero diabólico de la calle Fleet, Tim siempre estaba cuando le necesitábamos”, recuerda el productor. “A su vez, Timur estaba dirigiendo Wanted/Se busca, pero siempre me preguntaba si podía hacer algo por Shane”.
Shane Acker dice: “Timur me ayudó mucho con la numerología, que tiene mucho que ver con los nombres o números de los personajes. Por su parte, Tim se aseguró de que tuviera el espacio creativo suficiente. Tuve la suerte de poder contar con dos grandes realizadores que me ayudaron a encontrar el núcleo de la película”.
El diseño del largo parte del corto. El diseñador de producción Robert St. Pierre dice: “Uno de los temas del diseño era ‘el poder del tres’, por lo que debíamos usar elementos con esta cifra. Por ejemplo, los vehículos tienes tres o seis ruedas. Estudiamos aplicaciones de máquinas para saber cómo podíamos hacerlas encajar en el contexto”.
“Intentamos ser más ácidos y posapocalípticos que en el corto. La iluminación en NÚMERO 9 es más teatral”, sigue diciendo. “Shane no tiene miedo a usar sombras para acentuar la puesta en escena. Dada la perspectiva de los personajes, la situaciones son aún más dinámicas”.
Shane Acker añade: “Es por su tamaño. Miden unos 20 centímetros. Para ellos, las ruinas de lo que fue nuestro mundo son tremendas”.
El montador Nick Kenway dice: “Queríamos que el público entrara en la película mediante los movimientos de la cámara y los encuadres. El montaje no es obvio ni rápido. Todos los movimientos de la cámara tienen una razón de ser”.
Fue una decisión que se tomó muy al principio, tal como explica el realizador: “La película empieza y acaba en el departamento de montaje. Lo filtramos todo en el montaje para ver cómo quedaba dentro del contexto, y para estar seguros de que los elementos procedentes de diversos departamentos encajaban en la historia”.
Sigue diciendo: “Nick y yo empezamos a dar forma a la película justo después de acabar el storyboard. A continuación empezamos con las maquetas para ver cómo quedaban los personajes dentro de la ambientación. En tercer lugar, empieza la fase de animación e iluminación, donde la textura y los personajes cobran vida. Nos ocupamos de la música y del sonido a la vez. El departamento de montaje une todos los elementos”.
Brian Foster, el supervisor de maquetas, añade: “Montamos la cámara de tal forma que copiara lo que hace un travelling en una película de acción real. Queríamos imprimir mayor realismo al mundo de NÚMERO 9”.
“En la animación digital, la cámara puede colocarse donde se quiere”, sigue diciendo. “Pero decidimos moderarnos porque Shane quería que los movimientos de la cámara emularan un rodaje tradicional”.
El director de fotografía Kevin Adams dice: “Es la película con más escenas de acción en la que he trabajado. Los espectadores que han visto el corto descubrirán que ahora hay más personajes enfrentándose a la bestia”.
“Me esforcé para que nuestros planes se respetaran de forma consistente hasta el final”, explica. “La iluminación y la paleta de colores no debían desviarse del corto que dio a luz a la historia. Mediante la iluminación corregí los colores y las superficies de los personajes. Cuando podíamos añadir un detalle, lo hacíamos. Teníamos archivos de referencia para la chatarra, los trastos, las rocas. Todos trabajamos muy duro, pero estábamos entusiasmados con la idea de hacer algo nuevo. La estética de NÚMERO 9 es más pictórica de lo que creíamos posible”.
El supervisor de animación Charlie Bonifacio dice: “La gama de colores no es nada amplia; sin embargo, hay mucho color, cielos rosados, rojos densos en un paisaje grisáceo, por ejemplo”.
Jeff Bell, el supervisor de efectos visuales, añade: “Conseguimos el nivel de contraste entre las sombras y la luz que Shane deseaba. Reconozco que NÚMERO 9 no se parece a ninguna otra película de animación digital. Los personajes son el núcleo de la historia, pero el telón de fondo es tremendamente rico”.
El director de animación Joe Ksander dice: “Cuando los personajes salen de la oscuridad y aparecen a plena luz, la imagen se carga de fuerza”.
NÚMERO 9 ha sido realizada con tecnología digital, pero en opinión del director Shane Acker “la tecnología no aporta riqueza a las imágenes, sino los artistas gráficos que usan dicha tecnología. Los genios que crearon las herramientas lo hicieron pensando en quién las usaría, facilitándoles el proceso de creación”.
El equipo de NÚMERO 9 trabajó con el mayor estudio de animación de Canadá, Starz Animation Toronto, que acababa de ampliar sus instalaciones con 4.000 metros cuadrados dedicados a la última tecnología en el centro de Toronto. La producción empezó a principios de 2007 y Shane Acker pudo sumergirse en el mundo que había creado años antes.
Incluso con tecnología digital, una parte de la creación de NÚMERO 9 se basó en técnicas clásicas. Joe Ksander explica: “Los personajes se dibujaron sobre papel, se modelaron en plastilina y se diseñaron en el ordenador. Creamos toda una serie de expresiones que almacenamos en el ordenador para poder modificarlas siempre que fuera necesario”.
Shane Acker dice: “Son marionetas virtuales. Están dentro del ordenador. Se captura un movimiento, el ordenador almacena los datos y lo une con otros para producir la animación”.
El director de animación explica: “Las herramientas están dentro del ordenador. El animador controla las expresiones, los gestos, el movimiento de los labios para que coincida con las palabras”.
Esta vez se añadía un importante componente a la narración. Los personajes hablan aunque, como dice la guionista Pamela Pettler, “queríamos que los diálogos fueran mínimos”.
Shane Acker añade: “Descubrimos que era muy difícil contar ciertas cosas, comunicar ciertas emociones sin diálogos. El hecho de que los personajes hablen les da más personalidad”.
Aunque conocidos actores prestan su voz a los personajes, el director tenía la sensación de que “a menudo los personajes de animación carecen de una personalidad muy definida. Quería estar seguro de que las entonaciones serían sutiles, de que los actores hablasen con realismo dramático. Por eso buscamos actores que tuvieran ciertas similitudes con los personajes y que pudieran usar su voz habitual”.
Para doblar al recién nacido héroe, Número 9, Shane Acker pensó inmediatamente en un actor con el que había trabajado hacía unos años en Nueva Zelanda, Elijah Wood de El señor de los anillos: el retorno del rey: “Sabía que para dar voz a un personaje ingenuo, decidido y sin miedo, dispuesto a seguir su instinto, quería a Elijah. No había otro”.
El actor dice: “El corto me fascinó. La animación era extraordinaria, no suelen verse cosas así. Hablé con Shane y tenía muy claro lo que quería. Me divirtió la idea de interpretar a una criatura “stitchpunk” que realiza un viaje de descubrimiento y lo mira todo con ojos inocentes”.
Para la voz del generoso Número 5, todos estaban de acuerdo en que debía ser John C. Reilly. El realizador dice: “El público se identifica con los papeles de John porque tiene esa cualidad de hombre al que todos podemos emular. Nos ponemos en sus zapatos y además, hace caso a su corazón. La voz de John transmite eso y mucho más”.
Elijah Wood añade: “Todo cambia cuando se tiene la posibilidad de interpretar con otro actor en las sesiones de doblaje. John es asombroso, siempre he sido fan suyo”.
El único papel femenino, la rebelde Número 7, concebida por Pamela Pettler, y a la que Shane Acker describe con admiración como “el único personaje realmente fuerte”, recayó en la actriz Jennifer Connelly. “Tengo dos hijos”, dice. “Vi el corto con ellos y les pareció lo mejor que habían visto nunca. Lo vieron una y otra vez. Yo tenía que ser parte de NÚMERO 9”.
Sigue diciendo: “La estética y el diseño me fascinaron. Shane es muy paciente y contestó a todas mis preguntas: ‘¿Cómo se hace esto, cómo funciona?’ Yo nunca había doblado y se esforzó en que me sintiera cómoda”.
Shane Acker era consciente de que la voz del autoritario y a veces manipulador líder del grupo debía pertenecer a un actor que “fuera poderoso, supiera imponerse sin alzar la voz. Hablé con Christopher Plummer, que por suerte aceptó y dio en el clavo desde la primera sesión. Entiende perfectamente al personaje y sus cambios”.
Jim Lemley dice con admiración: “Christopher aporta sabiduría y experiencia al papel. Comunica la majestad de Número 1 y también su vulnerabilidad”.
El papel de Número 6 fue quizá el más difícil de atribuir dado que el ser es una manifestación física de los procesos de adaptación del grupo. Shane Acker dice: “Los dedos de Número 6 están hechos de plumillas y no deja de dibujar. Luego intenta descubrir qué ha dibujado mientras tira y se saca hilos de la cabeza”.
Todo eso representó un auténtico reto para Crispin Glover, el actor que dobla a Número 6: “Mi personaje es muy físico. A menudo le preguntaba a Shane por qué Número 6 hacía algo o decía algo. Preferí interpretarlo desde el trasfondo y no a partir de los diálogos. Sabía que era importante aportar variaciones para que todo encajara en el montaje”.
Martin Landau aceptó participar por su amigo Tim Burton, que le había dirigido en Ed Wood¸ por la que ganó un Oscar. “No suelo prestar mi voz, sólo si realmente me interesa el proyecto”, dice el actor. “Pero NÚMERO 9 me pareció especial. Hice unas sugerencias a Shane, pero no tardé en darme cuenta de que íbamos en la misma dirección”.
El actor explica que pensó que Número 2 “debía ser viejo, lo soy, y tener carácter, también lo tengo. No se ha vuelto loco, pero ve cosas en su cabeza y cree que los demás lo entienden”. Sigue diciendo: “Creo que NÚMERO 9 es una película creativa, vibrante y que, además de entretener, hace pensar”.
Fred Tatasciore, que estudió Animación en UCLA con Shane Acker y se dio a conocer por su talento como doblador en las películas de sus compañeros, fue elegido para la voz de Número 8, “el músculo tras el cerebro de Número 1”, dice el director. “Fred es capaz de comunicar la complejidad de Número 8. No es el más listo, pero cuando es necesario, es el primero en enfrentarse al enemigo”.
El paisaje donde se mueven los personajes, donde intentan descifrar su pasado y forjar su futuro está “lleno de cosas familiares y conocidas de todos”, explica Shane Acker. “Es un poco como si la estética de la Revolución Industrial hubiera seguido adelante durante cientos de años, y nunca se hubiera superado el diseño de las máquinas a vapor”.
Es una tendencia que se ha dado a conocer últimamente a través de la estética “steampunk”, que une lo funcional y el diseño de encargo con reminiscencias de la era victoriana. Según Ruth La Ferla en el New York Times del 8 de mayo de 2008, “es la expresión estética de un mundo de fantasía que viaja por el tiempo… que se inspira en la extravagante era de los dirigibles y las locomotoras a vapor, escafandras de cobre y protosubmarinos”.
Pamela Pettler dice: “Shane tenía en mente los emblemas industriales europeos de mediados del siglo XIX. Hay mucho de eso en NÚMERO 9”.
El diseñador de producción Robert St. Pierre añade: “La ciencia de la alquimia tiene un papel clave en la historia y en el diseño de producción. Julio Verne también fue una inspiración”.
Shane Acker explica: “El mundo de Julio Verne ha influido en la estética ‘steampunk’; esta corriente celebra los mecanismos, idolatra y tiene una fe ciega en la máquina como futuro, prefiere el analógico al digital. En NÚMERO 9, dado que el mundo se ha hecho pedazos, todo se ha convertido en analógico”.
El director de arte Christophe Vacher añade: “Dada la ambientación posapocalíptica de la película, no sólo hubo que crear objetos, sino también envejecerlos, incluso destruirlos”.
“El mundo de NÚMERO 9 está compuesto de residuos, de lo que ha sobrevivido, y algunos objetos son anacrónicos, pasados de moda”, dice el realizador. “Cada miembro del grupo hace gala de lazos muy claros con el pasado y los seres humanos. Por ejemplo, Número 1 afirma su posición de líder colocándose una moneda en la cabeza y envolviéndose en un trozo de terciopelo rojo. La tribu existe, sus miembros y su cultura maduran en un ambiente poshumano”.
El actor Elijah Wood añade: “Los miembros del grupo intentan descubrir quiénes son y de dónde vienen. También intentan superar sus temores”.
Shane Acker descubrió que no era lo mismo dirigir un corto que un largo. Debía supervisar a docenas de personas, mientras que antes trabajaba solo o, como mucho, con dos o tres colaboradores. “Me pasé gran parte del tiempo diciendo: ‘Ya lo hago yo’”, reconoce. “Era natural que tardaran en aclimatarse al mundo que yo había inventado y creado. Les expliqué las reglas, cómo era el mundo, la filosofía de ese mundo, y el equipo se encargó del resto”.
Sigue diciendo: “Cuando se trabaja en animación, no hay distanciamiento, pero al trabajar con un equipo, siempre hay alguien que tiene una idea nueva. Los diseñadores gráficos han aportado muchísimo, jamás habría podido hacerlo solo. Ha sido un auténtico esfuerzo de colaboración”.
Kristin Solid, supervisora de animación, al igual que el actor Fred Tatasciore y el director de animación Joe Ksander había estado en UCLA “al mismo tiempo que Shane. Siempre intercambiábamos ideas e incluso llegué a trabajar en la iluminación del corto “9”, pero lo hizo casi todo él”.
Añade: “Shane es una persona leal y se rodeó de personas en las que tenía plena confianza. La condición es tener talento y poder darle lo que necesita porque tanto él como Joe Ksander sólo se conforman con lo mejor”.
El realizador dice: “Lo bueno de dirigir un largo de animación es que no me preocupé de los problemas tecnológicos. Tenía un equipo con el que podía contar para solucionarlos. Eso me permitió centrarme en la historia y los personajes”.
El coproductor Jinko Gotoh explica: “Todos estamos orgullosos de haber participado en una película que no se parece en nada a lo que se ha hecho en animación hasta ahora. Nuestro equipo era más restringido de lo habitual, por lo que cada uno tenía más responsabilidades. Cada miembro animaba 2,15 metros a la semana, comparado a los habituales 1,50 metros”.
El productor Jim Lemley dice: “En esta película me he dado cuenta de lo mucho que un animador pone de sí mismo. El personaje se construye gracias a sus dotes como artista, sus habilidades y su personalidad. Ellos también interpretan, dirigidos por Shane. Si se combinan estas interpretaciones con el trabajo de doblaje de los actores, los personajes transmitirán emociones humanas universales”.
La grafista Regina Conroy explica que “cada día de trabajo es una experiencia emocional, pasamos por todo lo que pasan los personajes”.
El realizador va más allá: “Los actores se encargan de aportar sutileza a los diálogos, pero la interpretación física depende de los animadores. Rodamos varios vídeos de los actores, incluso cuando estaban sentados alrededor de una mesa. Los animadores usaron estas imágenes como referencia para incorporar los gestos y expresiones de los actores a los personajes”.
El supervisor de animación Charlie Bonifacio dice: “Era realmente interesante ver esos vídeos. Hay un momento en que Christopher Plummer se prepara para hablar y mueve la boca antes de pronunciar una palabra. Lo incorporamos a la boca de Número 1 para que los labios se movieran antes de que entrara la voz de Christopher”.
Joe Ksander reconoce que “además de Elijah Wood, hay algo de Shane Acker en Número 9. Esa enorme sonrisa que invade la cara de Shane también se apodera del rostro de Número 9”.
Charlie Bonifacio añade: “Por ejemplo, los animadores copiaron la forma en que Jennifer Connelly inclina la cabeza, la forma de moverse entre toma y toma”.
Joe Ksander dice: “Shane y yo nos reuníamos cuando el departamento artístico había creado los personajes. Hablábamos de qué detalles debía comunicar a los animadores. Algunos animadores se dejaron la piel para conseguir sacar un ligerísimo tic facial y una sombra que pasa por la cara”.
Sigue diciendo: “Pero no se limita a sentarse delante del ordenador y a usar el programa. También rodamos vídeos de referencia de nosotros mismos interpretando al personaje. Hay que tener en cuenta montones de pequeños detalles cuando se diseña y anima a un personaje. Por ejemplo, estudiar el peso de un bastón de mando en las manos de uno. Todas las mesas de los animadores tienen espejos para que puedan tener una referencia facial inmediata o ver el movimiento de los labios al pronunciar una palabra. Dado que Número 3 y Número 4 no tienen diálogos, las interpretaciones dependían íntegramente de los animadores. Nos inspiramos en los suricatos y en actores del cine mudo”.
La supervisora de animación Kristin Solid dice: “Tiene que caber todo en el espacio temporal de que disponemos para la toma. Había que vernos interpretar el diálogo o trepar como locos por encima de los muebles de oficina apilados para simular un montón de chatarra”.
El supervisor de animación Adam Beck añade: “Cuando se trabaja en una secuencia, se escucha el diálogo, pero también hay que ponerse en la piel del personaje. Tampoco había que olvidar las recomendaciones de Shane. Por ejemplo, una referencia para Número 1 era que debía recordar a un actor shakespeariano. Para Número 2, casi debía ser el abuelo de todos los demás”.
“Aparte de la complejidad que implican las secuencias de acción con máquinas monstruosas”, sigue diciendo el animador, “el mayor reto fue llenar de vida y emociones a esos diminutos seres, pero creo que lo conseguimos”.
Joe Ksander está de acuerdo: “Personalmente, lo que más me enorgullece es ver lo que hemos conseguido aportar a los personajes en la animación”.
Elijah Wood añade: “Estoy encantado de haber formado parte de NÚMERO 9. Los largos de animación van mucho más lejos de lo que la gente cree”.
El productor Jim Lemley acaba diciendo: “NÚMERO 9 conmoverá al público. Es tan entretenida como las mejores aventuras de fantasía, pero el espectador se sentirá parte de un mundo completamente diferente”.
EL REPARTO DE VOCES
ELIJAH WOOD (Número 9)
Saltó a la fama internacional con el papel de Frodo Baggins en la trilogía El señor de los anillos (La comunidad del anillo, Las dos torres y El retorno del rey), de Peter Jackson, por la que compartió el Oscar a la Mejor Interpretación Conjunta con todo el reparto.
Diez años antes había trabajado en películas como Asuntos sucios, de Mike Figgis, y Avalon, de Barry Levinson. No tardó en interpretar papeles protagonistas en Un lugar llamado paraíso, de Mary Agnes Donoghue, con Thora Birch; La fuerza de la ilusión, de Richard Donner; Eternamente joven, de Steve Miner; Las aventuras de Huckleberry Finn, de Stephen Sommers, y El buen hijo, de Joseph Ruben, con Macaulay Culkin.
En televisión hemos podido verle en “Oliver Twist”, de Tony Bill, y en papeles protagonistas en “Day-O”, de Michael Schultz, y “Child in the Night”, de Mike Robe.
En 1994 fue nombrado Joven Estrella del Año en el NATO/ShoWest. A continuación trabajó en Un muchacho llamado Norte, de Rob Reiner (en el papel protagonista); The War/La guerra, de Jon Avnet; Flipper, de Alan Shapiro; la aclamada La tormenta de hielo, de Ang Lee; la taquillera Deep Impact, de Mimi Leder; The Faculty, Spy Kids 3-D: Game Over y Sin City/Ciudad del pecado, las tres de Robert Rodriguez; Black and White, de James Toback; The Bumblebee Flies Anyway, de Martin Duffy; Miércoles de ceniza, de Edward Burns; Todo lo que quiero, de Jeffrey Porter; la animación Las aventuras de Pulgarcito y Pulgarcita, de Glenn Chaika; la premiada ¡Olvídate de mí!, de Michel Gondry, también para Focus Features, y Everything is Illuminated/Todo está iluminado, de Liev Schreiber.
Más recientemente le hemos visto en Hooligans, de Lexi Alexander; el segmento Quartier de la Madeleine, dirigido por Vincenzo Natali, de Paris, je t’aime; Bobby, de Emilio Estevez; Day Zero, de Bryan Gunner Cole, y Los crímenes de Oxford, de Álex de la Iglesia, con John Hurt. Actualmente coproduce el thriller independiente The Home, de Kristoffer Aaron Morgan.
Anteriormente había prestado su voz a Happy Feet, rompiendo el hielo, de George Miller, ganadora del Oscar a la Mejor Película de Animación.
JOHN C. REILLY (Número 5)
Fue nominado a un Oscar y a un Globo de Oro por su papel en la premiada Chicago, de Rob Marshall. El mismo año, la Sociedad de Críticos de Las Vegas le eligió Mejor Actor de Reparto por la película anterior y por su trabajo en Gangs of New York, de Martin Scorsese, y Las horas, de Stephen Daldry.
Más recientemente ha sido nominado a dos Globos de Oro por Dewey Cox: una vida larga y dura, de Jake Kasdan, al Mejor Actor (de un musical o Comedia) y a la Mejor Canción Original (“Walk Hard”). Como coautor de las canciones de la película, fue nominado a un Grammy (“Walk Hard”).
Le hemos visto en la taquillera comedia Hermanos por pelotas, de la que es cocreador de la historia con el guionista e intérprete Will Ferrel, y con el guionista y director Adam McKay. El trío ya tenía otro éxito en su haber, Pasado de vueltas.
Su primera película fue Corazones de hierro, de Brian De Palma, a la que siguieron, entre otras, Nunca fuimos ángeles, de Neil Jordan; Días de trueno, de Tony Scott; El clan de los irlandeses, de Phil Joanou; Sombras y niebla, de Woody Allen; Hoffa, un pulso al poder, de Danny De Vito; ¿A quién ama Gilbert Grape?, de Lasse Hallström; Río salvaje, de Curtis Hanson; Eclipse total/Dolores Claiborne, de Taylor Hackford; Georgia¸ de Ulu Grosbard; La delgada línea roja, de Terrence Malick; Nunca me han besado, de Raja Gosnell; Entre el amor y el juego, de Sam Raimi; La tormenta perfecta, de Wolfgang Petersen; Ejecutivo agresivo, de Peter Segal; Criminal, de Gregory Jacobs; El aviador, de Martin Scorsese; Dark Water/La huella, de Walter Salles; El último show, de Robert Altman; el próximo estreno El circo de los extraños (The Vampire’s Assistant), de Paul Weitz; la aún no estrenada The Extra Man, de Shari Berman y Robert Pulcini; Hard Eight, Sydney; Boogie Nights, y Magnolia, las tres de Paul Thomas Anderson.
Regresó a los escenarios en 2000 con la producción “True West”, de Sam Shepard, dirigida por Matthew Warchus, coprotagonizada junto a Philip Seymour Hoffman, por la que fue nominado a un Tony y a un Premio de la Crítica Exterior.
En 2005 volvió a Broadway con la obra “Un tranvía llamado deseo”, de Tennessee Williams, a la que siguieron “Otelo” y “Las uvas de la ira”. En Los Ángeles protagonizó “El rey se muere”, de Eugene Ionesco, dirigida por Patrick Murphy.
ENNIFER CONNELLY (Número 7)
Ganó un Oscar, un Globo de Oro, un BAFTA, un Premio AFI y el Premio Selección de la Crítica por su interpretación en la oscarizada Una mente maravillosa.
Otras películas suyas son Qué les pasa a los hombres, de Ken Kwapis; Ultimátum a la tierra, de Scott Derrickson; Un cruce en el destino, de Terry George, para Focus Features; Diamante de sangre, de Edward Zwick, con Leonardo DiCaprio y Djimon Hounsou; Juegos secretos/Little Children, de Todd Field; Dark Water/La huella, de Walter Salles; Casa de arena y niebla, de Vadim Perelman; Hulk, de Ang Lee, y Pollock: la vida de un creador, de Ed Harris.
Fue muy aclamada por el papel de drogadicta en Réquiem por un sueño, de Darren Aranofsky, por el que fue nominada a un Premio Espíritu Independiente.
También es conocida por sus papeles en Resucitar un amor/Waking the Dead, de Keith Gordon; El secreto de los Abbott, de Pat O’Connor; Semillas de rencor, de John Singleton; Rocketeer, de Joe Johnston, y Dentro del laberinto, de Jim Henson. Su primera película fue Érase una vez en América, de Sergio Leone.
Próximamente la veremos en Creation, de Jon Amiel, con Paul Bettany.
CHRISTOPHER PLUMMER (Número 1)
Debutó en los escenarios neoyorquinos en 1954 de la mano de la legendaria actriz y directora Eva Le Gallienne. Ha ganado dos Tony, por el musical “Cyrano” y por la obra “Barrymore”, además de ser nominado a otros siete. Cuando era miembro del Royal National Theater, bajo la dirección de Laurence Olivier, y de la Royal Shakespeare Company, bajo la dirección de Peter Hall, ganó el Premio Evening Standard al Mejor Actor.
Su primera película fue Sed de triunfo, de Sidney Lumet. También trabajó en El hombre que pudo reinar, de John Huston; La caída del Imperio Romano, de Anthony Mann; La batalla de Inglaterra, de Guy Hamilton; Waterloo, de Sergei Bondarchuk; Muerte en los pantanos, de Nicholas Ray; La rebelde, de Robert Mulligan; la oscarizada Sonrisas y lágrimas, de Robert Wise, con Julie Andrews; El regreso de la pantera rosa, de Blake Edwards, con Peter Sellers; Testigo silencioso, de Daryl Duke; Asesinato por decreto, de Bob Clark; El algún lugar del tiempo, de Jeannot Szwarc; Star Trek VI: Aquel país desconocido, de Nicholas Meyer; Malcolm X e Inside Man/Plan oculto, de Spike Lee; Eclipse Total/Dolores Claiborne, de Taylor Hackford; Doce monos, y el próximo estreno The Imaginarium of Doctor Paranassus, ambas de Terry Gilliam; Ararat, de Atom Egoyan; La leyenda de Nicholas Nickleby, de Douglas McGrath; La búsqueda/National Treasure, de Jon Turteltaub; Y que le gusten los perros, de Gary David Goldberg; Syriana, de Stephen Gaghan; El nuevo mundo/The New World, de Terrence Malick; Man in the Chair, de Michael Schroeder, y El dilema/The Insider, de Michael Mann, por la que ganó el Premio al Mejor Actor de Reparto de la Sociedad Nacional de Críticos de Cine, de la Sociedad de Críticos de Cine de Boston y de la Asociación de Críticos de Cine de Los Ángeles.
Ha ganado dos Emmy, por prestar su voz y ser el narrador de la serie “Madeline”, y por su interpretación en la miniserie “Traficantes de dinero”, de Boris Sagal. Asimismo, ha sido nominado a un Emmy por la clásica miniserie “El pájaro espino”, y por el telefilm “Hamlet at Elsinore”, de Philip Saville.
Fue el primer actor en ser galardonado con el Premio Jason Robards, en recuerdo de su gran amigo. Ha ganado el Premio Edwin Booth y el Premio Sir John Gielgud.
CRISPIN GLOVER (Número 6)
Debutó como director con la película What Is It?, de la que también fue guionista y productor. El reparto estaba compuesto mayormente por actores con síndrome de Down. A continuación dirigió y produjo la secuela It Is Fine. Everything Is Fine! Actualmente recorre el mundo presentando las dos películas.
Como actor le hemos visto en Bartleby, de Jonathan Parker, y Willard, de Glen Morgan, ambas como protagonista; Los ángeles de Charlie y Los ángeles de Charlie: al límite, de McG; Persiguiendo a Betty, de Neil LaBute; El escándalo de Larry Flint, de Milos Forman; Dead man, de Jim Jarmusch; ¿A quién ama Gilbert Grape?, de Lasse Hallström; Ellas también se deprimen, de Gus Van Sant; The Doors, de Oliver Stone; Corazón salvaje, de David Lynch; Dónde está el corazón, de John Boorman; Instinto sádico, de Tim Hunter; Hombres frente a frente, de James Foley; Regreso al futuro, de Robert Zemeckis, y Adiós a la inocencia, de Richard Benjamin.
Después de encarnar a Grendel en Beowulf, de Robert Zemeckis, actualmente es la Jota de Corazones en Alice in Wonderland, de Tim Burton.
MARTIN LANDAU (Número 2)
Fue galardonado con un Oscar, un Premio del Sindicato de Actores y un Globo de Oro por su inolvidable encarnación de Bela Lugosi en Ed Wood, de Tim Burton, además de ganar el Premio al Mejor Actor de Reparto del Círculo de la Crítica de Cine de Nueva York, de la Sociedad Nacional de Críticos de Cine y de la Asociación de Críticos de Cine de Los Ángeles, entre otras organizaciones.
Ha sido nominado por la Academia en otras dos ocasiones por su trabajo en Delitos y faltas, de Woody Allen, y por Tucker: un hombre y su sueño, de Francis Coppola, por la que ganó un Globo de Oro.
Estudió en el prestigioso Pratt Institute de Nueva York. A los 17 años empezó a trabajar como ilustrador en The New York Daily News. Al cabo de tres años hizo una prueba para ingresar en Actors Studio. De 2.000 solicitantes, sólo fueron aceptados Steve McQueen y él. Tuvo como profesores a los más grandes directores de teatro de la época, Lee Strasberg, Elia Kazan, Harold Clurman, Bobby Lewis y Curt Conway.
Empezó a trabajar en teatro y en televisión. Después de un año en Broadway y de una larga gira por Estados Unidos con el éxito “Middle of the Night”, de Paddy Chayefsky, empezó a trabajar en Hollywood, donde ha dado vida a más de cien personajes.
Entre sus numerosas películas destacaremos Con la muerte en los talones, de Alfred Hitchcock; La historia más grande jamás contada, de George Stevens; La cima de los héroes, de Lewis Milestone; La batalla de las colinas, de John Sturges; Nevada Smith, de Henry Hathaway; Cleopatra, de Joseph L. Mankiewicz; el telefilm “Savage”, de Steven Spielberg; Entre dos mujeres, de Mark Rydell; Sleepy Hollow, de Tim Burton; Ed TV, de Ron Howard; The Majestic, de Frank Darabont; City of Ember/En busca de la luz, de Gil Kenan; Lovely, Still, de Nicholas Fackler, y La pareja aria, de John Daly.
Ha sido nominado a seis Emmy; dos de ellos por su papel en “Sin rastro”, con Anthony LaPaglia; uno por “Entourage/El séquito”, y tres por el papel protagonista en la clásica serie “Misión imposible”.
Actualmente es el director artístico del Actors Studio West, puesto que comparte con el director Mark Rydell. Ha dado clases de interpretación a actores del calibre de James Dean, Warren Oates, Harry Dean Stanton, Anjelica Huston y Jack Nicholson.
FRED TATASCIORE (Número 8 – Locutor de radio)
Nació en Nueva York y creció en Los Ángeles, donde se licenció en Interpretación y Animación.
Actualmente sigue cultivando esas dos facetas trabajando como doblador y animador. Le hemos oído en películas como Encantada: la historia de Giselle, de Kevin Lima; Beowulf, de Robert Zemeckis, y El corral: una fiesta muy bestia, de Steve Oedekerk; en series como “Padre de familia”, “Padre made in USA”, “Robot Chicken”, “El corral”, “Invasor Zim”, “Wolverine y los X-Men” y “Los vengadores”.
También es cómico y ha trabajado en los escenarios de Los Ángeles. Vive en la Costa Oeste con muchos animales.
EL EQUIPO TÉCNICO
SHANE ACKER (Director – Una historia de)
Nació en Wheaton, Illinois, y creció en la Costa Este. Se licenció en Arquitectura (2000) y Animación (2004) en la Universidad de UCLA.
Escribió, dirigió y animó el corto “9”, de once minutos de duración, que terminó mientras estudiaba en UCLA y presentó como película de tesis. Anteriormente había escrito, dirigido y animado los cortos “The Hangnail” (1999), de dos minutos, y “The Astounding Talents of Mr. Grenada” (2003), de un minuto. Trabajó como animador en la oscarizada El señor de los anillos: el retorno del rey, de Peter Jackson, con Elijah Wood.
El corto “9” fue nominado al Oscar al Mejor Corto de Animación en 2006, después de ganar la Medalla de Oro en los Premios de la Academia de Estudiantes en 2005.
“9” fue invitado a más de doce festivales internacionales, Sundance y Cinequest entre ellos. En 2005 ganó el Premio a la Mejor Película de Animación y el Premio Especial de la Selección del Jurado en el Comic-Con de San Diego. Entre otros premios otorgados al corto destacaremos el Premio al Mejor Corto de Animación en el Newport Beach Film Festival; el Premio del Jurado Junior a la Mejor Animación Universitaria en el Festival Internacional de Annecy; el Premio Especial del Jurado a la Excelencia en Animación en el Festival Internacional de Indianápolis; el Premio al Mejor Corto Digital y el Premio del Público en el Festival Internacional de Animación de Melbourne; el Premio del Jurado al Mejor Corto de Animación en el Festival de Cine de Florida; los premios a la Mejor Animación Universitaria y a la Mejor Película Universitaria en el Festival de Cine George Lindsey UNSA; el Primer Premio de Animación 3D del Festival Internacional de Animación Animex, y el Primer Premio en la categoría de Animación No Tradicional de la Academia de Arte y Ciencias de la Televisión.
NÚMERO 9 es el primer largo que dirige.
PAMELA PETTLER (Guionista)
Es una conocida guionista del mundo de la fantasía y de la animación gracias a un peculiar estilo plagado de humor negro y de creatividad visual.
Ha colaborado y trabaja actualmente con conocidos cineastas de la talla de los productores de NÚMERO 9, Tim Burton y Timur Bekmambetov, así como Robert Zemeckis, Ridley Scott, Sam Raimi, Doug Liman y Steven Spielberg.
Con Tim Burton colaboró en la película de animación stop-motion La novia cadáver, nominada al Oscar a la Mejor Película de Animación. Fue la coguionista de Monster House, en 2006, para los productores Robert Zemeckis y Steven Spielberg, por la que fue nominada al Premio Annie al Mejor Guión de Animación, y la película al Oscar a la Mejor Película de Animación.
Actualmente escribe el guión de Monopoly, basado en el juego del mismo nombre, para Ridley Scott y Universal Pictures, y un proyecto aún sin título para Scott Rudin. Sus últimos guiones son Robositter, para Robert Zemeckis; una adaptación de la novela de Terry Pratchett The Wee Free Men, para Sam Raimi, y una adaptación del libro infantil The Twits, de Roald Dahl, para Working Title Films.
JIM LEMLEY (Productor)
Ha producido Wanted/Se busca, el thriller de acción dirigido por Timur Bekmambetov, con James McAvoy, Morgan Freeman y Angelina Jolie, que ha recaudado 341 millones de dólares en todo el mundo. Actualmente se está desarrollando una secuela. Como productor, se ocupa de varios largos que dirigirá Timur Bekmambetov, entre los que destacaremos Moby Dick, para Universal Pictures.
Recientemente ha sido el productor ejecutivo de La escafandra y la mariposa, ganadora de dos Globos de Oro, uno de ellos a la Mejor Película de Habla Extranjera, y nominada a 4 Oscar, entre ellos el de Mejor Director.
Empezó trabajando en Icon Productions, donde se ocupó, entre otras películas, de Maverick, de Richard Donner; Amor inmortal y Ana Karenina, ambas de Bernard Rose; Payback, de Brian Helgeland; 187: muchas mentes peligrosas, de Kevin Reynolds; y la oscarizada Braveheart, dirigida y producida por el fundador de la productora Icon, Mel Gibson. La película Cuando éramos soldados, de Randall Wallace, fue su última colaboración con la productora.
Fue el productor ejecutivo, junto a Ridley y Tony Scott, de Tristán e Isolda, su primera película como independiente y en la que volvió a colaborar con el director Kevin Reynolds. A continuación se ocupó de Vuelo nocturno, de Wes Craven.
TIM BURTON (Productor)
Se ha dado a conocer por la imaginación que derrocha en cada una de sus películas. Empezó a dibujar siendo aún muy pequeño y estudió en el Cal Arts Institute con una beca Disney. Poco tiempo después trabajó en estudios Disney como animador. Debutó como director con el corto de animación “Vincent”, narrado por Vincent Price, que ganó varios premios. A continuación realizó un corto de acción real titulado “Frakenweenie”, que daba otra vuelta de tuerca a la leyenda de Frankenstein.
En 1986 dirigió su primer largo, La gran aventura de Pee-Wee, que se convirtió en un éxito comercial y de crítica. Su segunda película, Bitelchús, con Michael Keaton, Geena Davis, Alec Baldwin y Winona Ryder, ganó el Oscar al Mejor Maquillaje.
Por la taquillera Batman, con Jack Nicholson, Michael Keaton y Kim Basinger, ganó el Premio al Director del Año de la Asociación Nacional de Exhibidores (NATO) y el Oscar a la Mejor Dirección Artística.
A continuación dirigió dos de sus películas más características, Eduardo manostijeras, con Johnny Depp, Winona Ryder y Dianne Wiest, y Batman vuelve, con Michael Keaton, Michelle Pfeiffer y Danny DeVito, que fue la película más taquillera de 1992.
Creó y produjo la película de animación stop motion Pesadilla antes de Navidad, dirigida por Henry Selick, además de escribir el libro infantil del mismo título que se publicó en 1993 cuando se estrenó la película. Como productor también tiene en su haber James y el melocotón gigante, una combinación de acción real y stop motion dirigida por Henry Selick; Caos en alta mar, de Adam Resnick, y Batman Forever, de Joel Schumacher.
Produjo y dirigió Ed Wood, protagonizada por Johnny Depp, así como Mars Attacks!, con Jack Nicholson y Danny DeVito, antes de dirigir Sleepy Hollow, con Johnny Depp y Christina Ricci, ganadora del Oscar a la Mejor Dirección Artística y del BAFTA al Mejor Vestuario y al Mejor Diseño de Producción.
A continuación dirigió El planeta de los simios; Big Fish, nominada al BAFTA, al Globo de Oro y al Premio Selección de la Crítica a la Mejor Película, y Charlie y la fábrica de chocolate. Codirigió con Mike Johnson La novia cadáver, una película stop-motion que también produjo, protagonizada por Johnny Depp y Helena Bonham Carter, nominada a un Oscar a la Mejor Película de Animación.
Volvió a trabajar con Johnny Depp y Helena Bonham Carter en Sweeney Todd: el barbero diabólico de la calle Fleet, basada en el musical de Broadway. La película ganó el Globo de Oro a la Mejor Película y al Mejor Actor (en una película Musical o Comedia), además del Oscar a la Mejor Dirección Artística. Fue nombrado Mejor Director del Año por el Consejo Nacional de Críticos y nominado por la Selección de la Crítica y los Globos de Oro.
Actualmente, como director y productor, se ocupa de Alice in Wonderland, basada en la clásica novela. Mia Wasikowska protagoniza esta combinación de formato motion-capture (captura de movimiento), acción real y 3D.
TIMUR BEKMAMBETOV (Productor)
Ha dirigido hace poco la película Wanted/Se busca, que ha recaudado 431 millones de dólares a nivel internacional, protagonizada por James McAvoy, Morgan Freeman y Angelina Jolie.
Coescribió y codirigió la película más taquillera del cine ruso, Guardianes del día (2006), la secuela de otro explosivo éxito, Guardianes de la noche (2004), un thriller de fantasía que coescribió con Sergei Lukyanenko.
Estudió en el Instituto de Ingeniería Energética de Moscú. En 1987 se licenció en Diseño de Decorados de Cine y Teatro en el Instituto A.N. Ostrovsky de Artes Teatrales de Tashkent.
Después de varios años en el ejército, empezó a trabajar en publicidad. Durante los siguientes 15 años, creó y dirigió premiadas campañas para televisión, que sin duda alguna influyeron en su visión cinematográfica. En 2000 fue nombrado miembro de la Academia Rusa de Publicidad.
Debutó en el cine en 1992, cuando escribió y dirigió, en colaboración con Gennadi Kayumov, Peshavarskiy vals, que ganó el Premio al Mejor Director y al Mejor Reparto en el Festival de Karlovy Vary, República Checa.
En 1999 produjo y dirigió una miniserie de ocho capítulos, “Our ‘90s”. En 2000 dirigió y coprodujo, con Roger Corman, el largometraje Gladiatrix. En 2002 dirigió y coprodujo, con Bakhyt Kilibayev, la película GAZ – Russian Cars. En 2007 dirigió y coescribió (con Eldar Ryazanov) el largo Ironiya sudby. Prodolzhenie (La ironía del destino 2), que batió récords de taquilla en Rusia.
A través de su productora y estudio de efectos visuales, Bazelevs Films, se ha unido a Universal Pictures y a Focus Features International para producir y distribuir películas rodadas en ruso. Actualmente, la película de aventuras Black Lightning, de Alexander Voitinskiy, está en posproducción.
DANA GINSBURG (Productora)
Empezó trabajando como asesora en Orion Pictures, donde supervisó los contratos internacionales durante el gran momento de la productora con Amadeus, Platoon, Bailando con lobos y El silencio de los corderos, dirigidas respectivamente por Milos Forman, Oliver Stone, Kevin Costner y Jonathan Demme, todos premiados por la Academia.
Se unió a Icon Productions como vicepresidenta del departamento legal y empresarial, donde se ocupó de los acuerdos necesarios para películas como Maverick, de Richard Donner; Amor inmortal, de Bernard Rose, y El hombre sin rostro y la oscarizada Braveheart, ambas de Mel Gibson.
A continuación encabezó el departamento legal de DreamWorks Pictures, donde trabajó en películas como Gladiador y American Beauty, dirigidas respectivamente por Ridley Scott y el oscarizado Sam Mendes; las películas de animación Antz, de Eric Darnell y Tim Johnson, y la oscarizada Shrek, de Vicky Jenson.
JINKO GOTOH (Coproductora)
Empezó a ocuparse de la evolución de la animación como forma artística hace 25 años. Se dedica a estudiar métodos de reducción de costes que apoyen el proceso creativo y trabaja como asesora free-lance en la industria de la animación.
Como jefa de producción y productora asociada de la oscarizada Buscando a Nemo, de Andrew Stanton y Lee Unkrich, se ocupó del presupuesto y del plan de rodaje.
Trabajó durante cuatro años en Walt Disney Feature Animation, donde supervisó la transición a la animación digital y su uso en películas como Dinosaurio y Fantasía 2000 (IMAX), ambas de Eric Leighton y Ralph Zondag.
Anteriormente fue la productora digital de Space Jam, de Joe Pytka, que reunía una combinación de acción real, efectos visuales, ambientes virtuales y animación tradicional y digital.
Ha sido vicepresidenta ejecutiva de Butch & Co; presidenta de la productora de publicidad y largometrajes Entertainment Alia, donde fue de las primeras personas en ofrecer la dirección de anuncios a directores de videoclips, y una de las directoras de la agencia de publicidad Dentsu.
Nació en Japón y creció en California. Se licenció en Matemáticas Aplicadas en la Universidad de Columbia y también tiene una licenciatura en Cine.
MARCI LEVINE (Coproductora)
Empezó a trabajar en The Walt Disney Studios, donde fue contable de producción en películas como ¿Qué pasa con Bob?, de Frank Oz; Dadme un respiro, de James Lapine; El capitán Ron, de Tom Eberhardt, y Colmillo blanco, de Randal Kleiser. Después de pasar al departamento de animación, trabajó en El jorobado de Notre Dame, de Gary Trousdale y Kira Wise, y fue nombrada representante de producción en los Estudios de Animación Pixar. Como tal, se ocupó de los acuerdos de coproducción con Pixar, de la aprobación del presupuesto anual y de los planes de producción y financiación de todas las películas. Durante ese tiempo, supervisó películas como Bichos, Toy Story 2: los juguetes vuelven a la carga y Monstruos, S.A.
Después de trabajar durante un tiempo como asesora de varios estudios de animación, fue la productora asociada de Valiant, de Gary Chapman, la película de animación de Vanguard Animation, para la que se construyó especialmente un estudio de animación en Londres.
Recientemente ha trabajado como productora asesora en Illumination Entertainment, de Chris Meledandri, una productora dedicada a hacer películas para toda la familia para Universal Pictures.
NICK KENWAY (Montador)
Trabajó ocho años en Walt Disney Pictures, donde montó películas como Campanilla y Hermano oso 2. Como montador de producción, se ocupó de Peter Pan: regreso al país de Nunca Jamás y El rey león 3: Hakuma Matata.
Antes de dedicarse a la animación, trabajó en la televisión australiana durante tres años, donde montó desde programas científicos, hasta documentales, noticias y anuncios.
Nació en Inglaterra y se trasladó con su familia a Sídney, Australia, donde se licenció en Filosofía y en Cine en la Universidad de New South Wales.
DANNY ELFMAN (Canciones)
Se ha convertido en uno de los compositores más solicitados y admirados de Hollywood.
Ha sido nominado al Oscar en dos ocasiones por sus colaboraciones con Gus Van Sant en Mi nombre es Harvey Milk y El indomable Will Hunting, y otras dos veces por Hombres de negro, de Barry Sonnenfeld, y Big Fish, de Tim Burton, por la que también fue nominado a un Globo de Oro.
Los espectadores de todo el mundo han tenido la ocasión de oír su sonido y estilo únicos en cerca de 60 películas, entre las que destacaremos La gran aventura de Pee-Wee, Bitelchús, Batman, Eduardo Manostijeras y Charlie y la fábrica de chocolate, de Tim Burton; Pesadilla antes de Navidad, de Henry Selick, por la que obtuvo su primera nominación a un Globo de Oro; Spider-Man, de Sam Raimi; Eclipse total/Dolores Claiborne, de Taylor Hackford; Huida a medianoche, de Martin Brest; Sommersby, de Jon Amiel; Dinero para quemar, de los hermanos Hughes, y la premiada Chicago, de Rob Marshall.
Los telespectadores están muy familiarizados con los temas musicales que compuso para “Los Simpson” (por la que fue nominado al Globo de Oro) y “Mujeres desesperadas” (por la que ganó un Globo de Oro).
A los 18 años empezó a componer y a tocar para la compañía teatral francesa Le Grand Magic Circus. Al año siguiente, él y su hermano Richard tocaron y actuaron en las calles de California. A continuación trabajó durante seis años en un “cabaret musical surrealista”, y compuso y tocó durante 17 años con el grupo de rock Oingo Boingo. De esta colaboración surgieron éxitos como “Weird Science” y “Dead Man’s Party”.
Estrenó su primera partitura para ballet, “Rabbit and Rogue”, en junio de 2008 en la Ópera Metropolitana del Lincoln Center de Nueva York. Twyla Tharp se ocupó de la coreografía. El ballet fue un encargo del American Ballet Theatre (ABT).
Además de Mi nombre es Harvey Milk, en 2008 compuso la música de Wanted/Se busca, de Timur Bekmambetov; Hellboy II: el ejército dorado, de Guillermo del Toro, y del documental Standard Operating Procedure, de Errol Morris. Los Premios de Hollywood le otorgaron el galardón al Mejor Compositor del Año por su trabajo en estas cuatro películas.
En 2009 se ha ocupado de las partituras de Notorious, de George Tillman Jr; Terminator Salvation, de McG; The Wolf Man, de Joe Johnston, y también para Focus Features, ha compuesto la música de Destino Woodstock, de Ang Lee.
DEBORAH LURIE (Partitura)
Es una estrella en auge de la música contemporánea. Empezó trabajando como arreglista y productora de artistas como Kelly Clarkson, Hoobastank, Adema, Gabriel Mann y Caleb Kane. Ha realizado arreglos de cuerda para el álbum homónimo de Daughtry, el álbum “Move Along”, de The All-American Rejects, y en trabajos de roqueros duros como Papa Roach y Three Days Grace. Fue la directora musical de espectáculos tan populares como “The Pussycat Dolls y “bare”, por el que ganó el Premio del Círculo de la Crítica de Teatro de Los Ángeles, el Premio de Teatro LA Weekly y el Premio Garland.
Después de orquestar varias partituras para cine, una de sus primeros trabajos como compositora fue “George Lucas enamorado”, de Joe Nussbaum, uno de los cortometrajes más aclamados de los últimos años. Prefiere trabajar con orquestas, y ha compuesto partituras para Mi nombre es Modesty: una aventura de Modesty Blaise, de Scott Spiegel; Una rubia desenfrenada, de Jim Wilson; Héroes imaginarios, de Dan Harris; Fiesta de pijamas y Una novata en un cuento de hadas, ambas de Joe Nussbaum; Locos de amor, de Petter Naess; Desmadre vacacional, de Ryan Shiraki; Una vida por delante, de Lasse Hallström, y el documental IMAX 3D Deep Sea/Océano profundo, que fue su primera colaboración con el compositor Danny Elfman.
Ha compuesto música adicional para las dos secuelas de Spider-Man, de Sam Raimi, y para Wanted/Se busca, de Timur Bekmambetov.
Creció en Palo Alto, California. Estudió Composición Musical en la Universidad del Sur de California.
PRESENTA
EN ASOCIACIÓN CON
RELATIVITY MEDIA
UNA PRODUCCIÓN
JIM LEMLEY, TIM BURTON
y TIMUR BEKMAMBETOV
NÚMERO 9
DIRIGIDA POR SHANE ACKER
REPARTO
Número 1 CHRISTOPHER PLUMMER
Número 2 MARTIN LANDAU
Número 5 JOHN C. REILLY
Número 6 CRISPIN GLOVER
Número 7 JENNIFER CONNELLY
Número 8 FRED TATASCIORE
Número 9 ELIJAH WOOD
Científico ALAN OPPENHEIMER
Dictador TOM KANE
Locutor radio FRED TATASCIORE
Presentadora televisión HELEN WILSON
EQUIPO TÉCNICO
Director SHANE ACKER
Guionista PAMELA PETTLER
Historia SHANE ACKER
Productores JIM LEMLEY, TIM BURTON,
TIMUR BEKMAMBETOV y DANA GINSBURG
Coproductoras JINKO GOTOH y MARCI LEVINE
Productores asociados GRAHAM MOLOY, LILIAN ECHE y
PIERRE URBAIN
Animación producida en STARZ ANIMATION, Toronto
Montador NICK KENWAY
Canciones DANNY ELFMAN
Música DEBORAH LURIE
Casting MINDY MARIN, CSA
Director de animación JOE KSANDER
Diseño de producción ROBERT ST. PIERRE y FRED WARTER
Fotografía (Starz) KEVIN R. ADAMS
Supervisión de efectos visuales (Starz) JEFF BELL
NÚMERO 9
SINOPSIS
La fantasía de animación NÚMERO 9, de Shane Acker, está basada en el cortometraje de igual título, nominado por la Academia, que él mismo dirigió en 2004. El guión de esta película llena de aventuras y acción es de Pamela Pettler (Monster House), y está producida, entre otros, por los realizadores Tim Burton (Bitelchús) y Timur Bekmambetov (Wanted/Se busca).
La historia transcurre en un futuro muy próximo. El invento conocido como la Gran Máquina activa y aporta energía a las máquinas que se han alzado contra la raza humana, diezmando a la población, antes de empezar a apagarse.
El mundo pronto quedará destruido, pero un grupo de pequeños seres intenta salvar lo poco que queda de la civilización. Está compuesto por nueve criaturas a las que un científico infundió vida poco antes de la catástrofe. Entre el grupo, Número 9 (la voz de Elijah Wood) demuestra tener madera de líder y cualidades que quizá les ayuden a sobrevivir e incluso a prosperar. Los demás miembros del grupo son Número 1 (Christopher Plummer), un veterano de la guerra, de carácter dominante y líder del grupo hasta la fecha; Número 2 (Martin Landau), un generoso y ahora frágil inventor; Número 3 y Número 4, gemelos de una gran erudición que se comunican sin palabras y sobre todo entre sí; Número 5 (John C. Reilly), un inquebrantable ingeniero; Número 6 (Crispin Glover), un artista errático atormentado por las visiones; Número 7 (Jennifer Connelly), una valiente guerrera autosuficiente, y Número 8 (Fred Tatasciore), el musculoso y no muy listo guardaespaldas de Número 1.
Con un grupo tan reducido, estas creaciones “stitchpunk” (“residuopunk”, derivado de la corriente “steampunk”) deben hacer acopio de una fuerza desproporcionada a su tamaño para engañar y luchar contra las máquinas que aún funcionan, una de las cuales es una bestia mecanizada. En las tinieblas que preceden al amanecer, Número 9 debe reagrupar y animar a los suyos para hacer frente común al peligro inminente.
Además de exhibir un asombroso estilo de gran brillantez visual, NÚMERO 9 explora con dinamismo las ganas de vivir, la fuerza del grupo, y cómo un ser puede llegar a cambiar el mundo.
Universal Pictures, en asociación con Relativity Media, presenta una producción de Jim Lemley/Tim Burton/Timur Bekmambetov, NÚMERO 9, protagonizada por Elijah Wood, John C. Reilly, Jennifer Connelly, Christopher Plummer, Crispin Glover, Martin Landau, Fred Tatasciore. Casting, Mindy Marin, CSA. Canciones, Danny Elfman. Banda sonora, Deborah Lurie. Montaje, Nick Kenway. Productores asociados, Graham Moloy, Lilian Eche, Pierre Urbain. Animación producida en Starz Animation, Toronto. Coproductores, Jinko Gotoh, Marci Levine. Productores, Jim Lemley, Tim Burton, Timur Bekmambetov, Dana Ginsburg. Una historia de Shane Acker. Guión, Pamela Pettler. Dirigida por Shane Acker. Distribuida por Universal Pictures.
ACERCA DE LA PELÍCULA
“Es un sueño hecho realidad”, dice el director Shane Acker hablando de la oportunidad que se le ha brindado para convertir su corto, premiado por la Academia de Estudiantes, en un largo. “Me había enamorado de ese universo y de sus personajes. Tenía la cabeza llena de ideas, de posibilidades para agrandar ese mundo a medida que los personajes lo descubren”.
Para el director, el estreno de NÚMERO 9, que tendrá lugar en Estados Unidos el 9 de septiembre (9-09-2009), cierra una década dedicada a explorar el mundo que él mismo creó. A través de los años, desde el corto al largometraje, los conceptos básicos han seguido siendo los mismos, añadiendo colaboraciones creativas y sugerencias del público.
Recuerda que, al final del siglo pasado, “pensé en el personaje de Número 9, un inocente dispuesto a arriesgar su vida por los demás e inclinado a usar la inteligencia en vez de la fuerza para derrotar a una bestia”. Y el director añade: “Quería describirle de modo empático, sin diálogos. Así, el corto sería universal, accesible para todos, además de un reto para el público, que debería unir las piezas para comprenderlo. Me pareció que sería una buena experiencia, sobre todo si se hacía en animación”.
Shane Acker sigue diciendo: “Para el diseño del corto me inspiré en el trabajo de varios maestros de la animación stop-motion, Jan Svankmajer, los hermanos Quay, los hermanos Lauenstein. De hecho, mi primera idea era hacer un corto de animación stop-motion”.
Se licenció en Arquitectura en UCLA, donde también estudió Animación. Presentó el corto “9” como película de fin de carrera. “Aprendía trabajando y trabajaba aprendiendo”, recuerda. “Una película de stop-motion con un presupuesto universitario era inasequible. Pero empecé a pensar con qué podía crear esos personajes. Y me serví de lo que tenía a mano, trocitos de esto y de lo otro. Imaginé un grupo de seres nómadas que llevan sus posesiones, objetos encontrados, dentro de sí mismos”.
“Pueden llamarse creaciones ‘stitchpunk’. La primera vez que oí esta palabra fue en boca de un fan del corto, y reconozco que encaja a la perfección con la estética de los personajes, no sólo por lo que son físicamente, sino porque no están diseñados como juguetes, sino como seres que sobreviven en un paisaje asolado. También pensé que el mundo en el que viven debía ser duro, debía tener textura, con restos del pasado y nuevas formas de vida apareciendo poco a poco. Me inspiré en fotografías de ciudades europeas destruidas después de la II Guerra Mundial y en las fantasías de Zdzislaw Beksinski”.
Pero le llevó cuatro años y medio hacer el corto. “Trabajaba cuando me quedaba sin dinero”, recuerda el director. “Me fui a Australia seis meses para trabajar en El retorno del rey (la tercera parte de la premiada trilogía El señor de los anillos, de Peter Jackson). Fue una experiencia asombrosa, aprendí muchísimo”.
Hablando de la historia, Shane Acker dice: “El grupo de Número 9 es una metáfora de una humanidad en desarrollo; son ingeniosos, inventan y se adaptan. Pero la bestia que les persigue está hecha de huesos y piezas de máquinas. Su único deseo es la asimilación, por eso roba el alma de las criaturas”.
“Las dos especies están conectadas por un talismán, que imaginé como una pieza tecnológica de la época en que los humanos poblaban la tierra. La vasija para capturar y contener el alma de un individuo fue dividida en dos; una mitad está en manos de la bestia, y la otra, en manos del grupo de Número 9”, explica el realizador.
El corto “9”, de 11 minutos de duración, terminado a mediados de 2004, impresionó al público de todo el mundo gracias a personajes sorprendentes, conceptos inéditos de ciencia-ficción y secuencias de persecución. En su recorrido por festivales internacionales, Shane Acker se llevaba todos los premios, pero había algo más. Dice: “Era una carga emocional. Me sorprendía la cantidad de mujeres que se acercaban a mí después de ver el corto para decirme lo que sentían por Número 9”.
Como director, fue nominado al Oscar al Mejor Corto de Animación y ganó la Medalla de Oro en los Premios de la Academia Universitaria.
Shane Acker dice: “La nominación al Oscar cambió mi vida. No tenía ni idea de que el corto llegaría tan lejos, fue un gran honor. Me abrió muchas puertas y me ha dado oportunidades para expresarme como artista”.
El corto, incluso antes de la nominación al Oscar, contaba con numerosos defensores, Jim Lemley y Dana Ginsburg entre ellos. “Me cautivó. Era un concepto atemporal, los personajes eran interesantes, algo que sólo tienen las mejores historias de fantasía”, dice la productora.
En el invierno de 2005, Jim Lemley estaba en un rodaje nocturno como uno de los productores ejecutivos del exitoso thriller Vuelo nocturno. A las tres de la mañana decidió aprovechar para ver material que tenía pendiente. Recuerda: “Mi asistente llevaba una semana diciéndome que viera un corto titulado ‘9’. Puse el DVD y empecé a firmar unos documentos. Pero cuando miré la pantalla, ya no le quité ojo. Me quedé boquiabierto. Lo vi varias veces seguidas. Shane había conseguido algo increíble con esos seres”.
Sigue diciendo: “Tres días después me reuní con Shane. Le pregunté de dónde venía el mundo que había creado y me describió su universo. A la semana ya había invertido mi dinero para desarrollar el proyecto”.
Dos directores que habían traspasado fronteras no tardaron en unirse a Jim Lemley para sacar adelante NÚMERO 9.
Tim Burton dice: “Este corto de once minutos forma parte de las imágenes más extraordinarias que he visto. El concepto de Shane está lleno de detalles asombrosos que crean un universo muy bello, tanto visual como emocionalmente”.
Timur Bekmambetov añade: “Como espectador, el corto de Shane me enganchó. Por eso quería saber qué ocurría antes y después. Decidí ayudar a Shane para que pudiera plasmar su visión en una película épica e importante”.
Los cineastas pidieron a la guionista Pamela Pettler, que ha colaborado en varias ocasiones con Tim Burton, que trabajara con Shane Acker para ampliar la historia. Dice: “Nunca dudé que el corto pudiera convertirse en una gran película de aventuras, sobre todo porque la animación es un medio maravilloso. Básicamente, se trata de una historia universal acerca de un mundo donde no existen las fronteras ni las razas. Hay una lucha, pero se lleva a cabo con esperanza y optimismo”.
Shane Acker dice: “Teníamos la oportunidad de explorar el mundo desde la perspectiva de estos seres, pero también de enseñar lo que había ocurrido antes. Para llegar al ‘posapocalipsis’, debe haber un ‘preapocalipsis’. A todos les dijeron: ‘El glorioso futuro es nuestro’, pero algo salió mal”.
“En un largometraje podíamos estudiar más profundamente por qué el mundo acabó así, qué pasó con los seres humanos y hasta dónde llegaba la esperanza. Las creaciones deben estudiar el pasado para descubrir realmente quiénes son, y por qué son, y cómo pueden seguir adelante. Aunque entramos en un mundo de fantasía muy diferente, al mismo tiempo realizamos un viaje emocional con personajes que tienen emociones y comportamientos muy humanos”.
Pamela Pettler empezó a trabajar en el guión a mediados de 2005. Jim Lemley recuerda: “Shane y Pamela trabajaron juntos durante unos seis meses, a veces en casa de uno, otras en casa del otro”.
La guionista dice: “Teníamos enormes tableros con todos los personajes. Shane dibujó unos bocetos preciosos de la bestia. Hicimos una lista de los principales hitos de la historia y un resumen dibujado, además de escrito”.
Sigue diciendo: “Me gusta trabajar con personas que piensan visualmente, como Shane. Para crear el universo de la película, él hacía asociaciones libres y yo les daba forma para que los personajes tuvieran una profundidad emocional y la historia fuera consistente”.
Shane Acker dice: “Parte de la filosofía del diseño, y eso remonta al corto, era no olvidar la definición de Aristóteles de las facetas del hombre. Estas creaciones representan a los seres humanos, con sus defectos y sus cualidades. Es la clave del misterio de su existencia. También son facetas de mí mismo; intento ser como Número 9 en la medida en que sigo a mi cabeza y a mi corazón hacia un ideal, incluso si el viaje representa un gran reto”.
“Pamela aportó una mayor consistencia a los personajes y a la estructura de la historia. Soy de los que quieren incluirlo todo, hasta la última pieza, pero ella lo analizaba, sacaba lo interesante y unía mis locas ideas sin perder el hilo de la historia”, sigue diciendo.
Para el productor Jim Lemley, su colaboración con el realizador se basaba en “saber lo que Shane quería hacer y ayudarle a conseguirlo. Era como construir una casa para que él pudiera crear desde cualquier habitación”.
“Shane podía hablar con Tim y con Timur, dos personas experimentadas que saben lo que significa dirigir una película de fantasía épica. Incluso durante el rodaje de Sweeney Todd: el barbero diabólico de la calle Fleet, Tim siempre estaba cuando le necesitábamos”, recuerda el productor. “A su vez, Timur estaba dirigiendo Wanted/Se busca, pero siempre me preguntaba si podía hacer algo por Shane”.
Shane Acker dice: “Timur me ayudó mucho con la numerología, que tiene mucho que ver con los nombres o números de los personajes. Por su parte, Tim se aseguró de que tuviera el espacio creativo suficiente. Tuve la suerte de poder contar con dos grandes realizadores que me ayudaron a encontrar el núcleo de la película”.
El diseño del largo parte del corto. El diseñador de producción Robert St. Pierre dice: “Uno de los temas del diseño era ‘el poder del tres’, por lo que debíamos usar elementos con esta cifra. Por ejemplo, los vehículos tienes tres o seis ruedas. Estudiamos aplicaciones de máquinas para saber cómo podíamos hacerlas encajar en el contexto”.
“Intentamos ser más ácidos y posapocalípticos que en el corto. La iluminación en NÚMERO 9 es más teatral”, sigue diciendo. “Shane no tiene miedo a usar sombras para acentuar la puesta en escena. Dada la perspectiva de los personajes, la situaciones son aún más dinámicas”.
Shane Acker añade: “Es por su tamaño. Miden unos 20 centímetros. Para ellos, las ruinas de lo que fue nuestro mundo son tremendas”.
El montador Nick Kenway dice: “Queríamos que el público entrara en la película mediante los movimientos de la cámara y los encuadres. El montaje no es obvio ni rápido. Todos los movimientos de la cámara tienen una razón de ser”.
Fue una decisión que se tomó muy al principio, tal como explica el realizador: “La película empieza y acaba en el departamento de montaje. Lo filtramos todo en el montaje para ver cómo quedaba dentro del contexto, y para estar seguros de que los elementos procedentes de diversos departamentos encajaban en la historia”.
Sigue diciendo: “Nick y yo empezamos a dar forma a la película justo después de acabar el storyboard. A continuación empezamos con las maquetas para ver cómo quedaban los personajes dentro de la ambientación. En tercer lugar, empieza la fase de animación e iluminación, donde la textura y los personajes cobran vida. Nos ocupamos de la música y del sonido a la vez. El departamento de montaje une todos los elementos”.
Brian Foster, el supervisor de maquetas, añade: “Montamos la cámara de tal forma que copiara lo que hace un travelling en una película de acción real. Queríamos imprimir mayor realismo al mundo de NÚMERO 9”.
“En la animación digital, la cámara puede colocarse donde se quiere”, sigue diciendo. “Pero decidimos moderarnos porque Shane quería que los movimientos de la cámara emularan un rodaje tradicional”.
El director de fotografía Kevin Adams dice: “Es la película con más escenas de acción en la que he trabajado. Los espectadores que han visto el corto descubrirán que ahora hay más personajes enfrentándose a la bestia”.
“Me esforcé para que nuestros planes se respetaran de forma consistente hasta el final”, explica. “La iluminación y la paleta de colores no debían desviarse del corto que dio a luz a la historia. Mediante la iluminación corregí los colores y las superficies de los personajes. Cuando podíamos añadir un detalle, lo hacíamos. Teníamos archivos de referencia para la chatarra, los trastos, las rocas. Todos trabajamos muy duro, pero estábamos entusiasmados con la idea de hacer algo nuevo. La estética de NÚMERO 9 es más pictórica de lo que creíamos posible”.
El supervisor de animación Charlie Bonifacio dice: “La gama de colores no es nada amplia; sin embargo, hay mucho color, cielos rosados, rojos densos en un paisaje grisáceo, por ejemplo”.
Jeff Bell, el supervisor de efectos visuales, añade: “Conseguimos el nivel de contraste entre las sombras y la luz que Shane deseaba. Reconozco que NÚMERO 9 no se parece a ninguna otra película de animación digital. Los personajes son el núcleo de la historia, pero el telón de fondo es tremendamente rico”.
El director de animación Joe Ksander dice: “Cuando los personajes salen de la oscuridad y aparecen a plena luz, la imagen se carga de fuerza”.
NÚMERO 9 ha sido realizada con tecnología digital, pero en opinión del director Shane Acker “la tecnología no aporta riqueza a las imágenes, sino los artistas gráficos que usan dicha tecnología. Los genios que crearon las herramientas lo hicieron pensando en quién las usaría, facilitándoles el proceso de creación”.
El equipo de NÚMERO 9 trabajó con el mayor estudio de animación de Canadá, Starz Animation Toronto, que acababa de ampliar sus instalaciones con 4.000 metros cuadrados dedicados a la última tecnología en el centro de Toronto. La producción empezó a principios de 2007 y Shane Acker pudo sumergirse en el mundo que había creado años antes.
Incluso con tecnología digital, una parte de la creación de NÚMERO 9 se basó en técnicas clásicas. Joe Ksander explica: “Los personajes se dibujaron sobre papel, se modelaron en plastilina y se diseñaron en el ordenador. Creamos toda una serie de expresiones que almacenamos en el ordenador para poder modificarlas siempre que fuera necesario”.
Shane Acker dice: “Son marionetas virtuales. Están dentro del ordenador. Se captura un movimiento, el ordenador almacena los datos y lo une con otros para producir la animación”.
El director de animación explica: “Las herramientas están dentro del ordenador. El animador controla las expresiones, los gestos, el movimiento de los labios para que coincida con las palabras”.
Esta vez se añadía un importante componente a la narración. Los personajes hablan aunque, como dice la guionista Pamela Pettler, “queríamos que los diálogos fueran mínimos”.
Shane Acker añade: “Descubrimos que era muy difícil contar ciertas cosas, comunicar ciertas emociones sin diálogos. El hecho de que los personajes hablen les da más personalidad”.
Aunque conocidos actores prestan su voz a los personajes, el director tenía la sensación de que “a menudo los personajes de animación carecen de una personalidad muy definida. Quería estar seguro de que las entonaciones serían sutiles, de que los actores hablasen con realismo dramático. Por eso buscamos actores que tuvieran ciertas similitudes con los personajes y que pudieran usar su voz habitual”.
Para doblar al recién nacido héroe, Número 9, Shane Acker pensó inmediatamente en un actor con el que había trabajado hacía unos años en Nueva Zelanda, Elijah Wood de El señor de los anillos: el retorno del rey: “Sabía que para dar voz a un personaje ingenuo, decidido y sin miedo, dispuesto a seguir su instinto, quería a Elijah. No había otro”.
El actor dice: “El corto me fascinó. La animación era extraordinaria, no suelen verse cosas así. Hablé con Shane y tenía muy claro lo que quería. Me divirtió la idea de interpretar a una criatura “stitchpunk” que realiza un viaje de descubrimiento y lo mira todo con ojos inocentes”.
Para la voz del generoso Número 5, todos estaban de acuerdo en que debía ser John C. Reilly. El realizador dice: “El público se identifica con los papeles de John porque tiene esa cualidad de hombre al que todos podemos emular. Nos ponemos en sus zapatos y además, hace caso a su corazón. La voz de John transmite eso y mucho más”.
Elijah Wood añade: “Todo cambia cuando se tiene la posibilidad de interpretar con otro actor en las sesiones de doblaje. John es asombroso, siempre he sido fan suyo”.
El único papel femenino, la rebelde Número 7, concebida por Pamela Pettler, y a la que Shane Acker describe con admiración como “el único personaje realmente fuerte”, recayó en la actriz Jennifer Connelly. “Tengo dos hijos”, dice. “Vi el corto con ellos y les pareció lo mejor que habían visto nunca. Lo vieron una y otra vez. Yo tenía que ser parte de NÚMERO 9”.
Sigue diciendo: “La estética y el diseño me fascinaron. Shane es muy paciente y contestó a todas mis preguntas: ‘¿Cómo se hace esto, cómo funciona?’ Yo nunca había doblado y se esforzó en que me sintiera cómoda”.
Shane Acker era consciente de que la voz del autoritario y a veces manipulador líder del grupo debía pertenecer a un actor que “fuera poderoso, supiera imponerse sin alzar la voz. Hablé con Christopher Plummer, que por suerte aceptó y dio en el clavo desde la primera sesión. Entiende perfectamente al personaje y sus cambios”.
Jim Lemley dice con admiración: “Christopher aporta sabiduría y experiencia al papel. Comunica la majestad de Número 1 y también su vulnerabilidad”.
El papel de Número 6 fue quizá el más difícil de atribuir dado que el ser es una manifestación física de los procesos de adaptación del grupo. Shane Acker dice: “Los dedos de Número 6 están hechos de plumillas y no deja de dibujar. Luego intenta descubrir qué ha dibujado mientras tira y se saca hilos de la cabeza”.
Todo eso representó un auténtico reto para Crispin Glover, el actor que dobla a Número 6: “Mi personaje es muy físico. A menudo le preguntaba a Shane por qué Número 6 hacía algo o decía algo. Preferí interpretarlo desde el trasfondo y no a partir de los diálogos. Sabía que era importante aportar variaciones para que todo encajara en el montaje”.
Martin Landau aceptó participar por su amigo Tim Burton, que le había dirigido en Ed Wood¸ por la que ganó un Oscar. “No suelo prestar mi voz, sólo si realmente me interesa el proyecto”, dice el actor. “Pero NÚMERO 9 me pareció especial. Hice unas sugerencias a Shane, pero no tardé en darme cuenta de que íbamos en la misma dirección”.
El actor explica que pensó que Número 2 “debía ser viejo, lo soy, y tener carácter, también lo tengo. No se ha vuelto loco, pero ve cosas en su cabeza y cree que los demás lo entienden”. Sigue diciendo: “Creo que NÚMERO 9 es una película creativa, vibrante y que, además de entretener, hace pensar”.
Fred Tatasciore, que estudió Animación en UCLA con Shane Acker y se dio a conocer por su talento como doblador en las películas de sus compañeros, fue elegido para la voz de Número 8, “el músculo tras el cerebro de Número 1”, dice el director. “Fred es capaz de comunicar la complejidad de Número 8. No es el más listo, pero cuando es necesario, es el primero en enfrentarse al enemigo”.
El paisaje donde se mueven los personajes, donde intentan descifrar su pasado y forjar su futuro está “lleno de cosas familiares y conocidas de todos”, explica Shane Acker. “Es un poco como si la estética de la Revolución Industrial hubiera seguido adelante durante cientos de años, y nunca se hubiera superado el diseño de las máquinas a vapor”.
Es una tendencia que se ha dado a conocer últimamente a través de la estética “steampunk”, que une lo funcional y el diseño de encargo con reminiscencias de la era victoriana. Según Ruth La Ferla en el New York Times del 8 de mayo de 2008, “es la expresión estética de un mundo de fantasía que viaja por el tiempo… que se inspira en la extravagante era de los dirigibles y las locomotoras a vapor, escafandras de cobre y protosubmarinos”.
Pamela Pettler dice: “Shane tenía en mente los emblemas industriales europeos de mediados del siglo XIX. Hay mucho de eso en NÚMERO 9”.
El diseñador de producción Robert St. Pierre añade: “La ciencia de la alquimia tiene un papel clave en la historia y en el diseño de producción. Julio Verne también fue una inspiración”.
Shane Acker explica: “El mundo de Julio Verne ha influido en la estética ‘steampunk’; esta corriente celebra los mecanismos, idolatra y tiene una fe ciega en la máquina como futuro, prefiere el analógico al digital. En NÚMERO 9, dado que el mundo se ha hecho pedazos, todo se ha convertido en analógico”.
El director de arte Christophe Vacher añade: “Dada la ambientación posapocalíptica de la película, no sólo hubo que crear objetos, sino también envejecerlos, incluso destruirlos”.
“El mundo de NÚMERO 9 está compuesto de residuos, de lo que ha sobrevivido, y algunos objetos son anacrónicos, pasados de moda”, dice el realizador. “Cada miembro del grupo hace gala de lazos muy claros con el pasado y los seres humanos. Por ejemplo, Número 1 afirma su posición de líder colocándose una moneda en la cabeza y envolviéndose en un trozo de terciopelo rojo. La tribu existe, sus miembros y su cultura maduran en un ambiente poshumano”.
El actor Elijah Wood añade: “Los miembros del grupo intentan descubrir quiénes son y de dónde vienen. También intentan superar sus temores”.
Shane Acker descubrió que no era lo mismo dirigir un corto que un largo. Debía supervisar a docenas de personas, mientras que antes trabajaba solo o, como mucho, con dos o tres colaboradores. “Me pasé gran parte del tiempo diciendo: ‘Ya lo hago yo’”, reconoce. “Era natural que tardaran en aclimatarse al mundo que yo había inventado y creado. Les expliqué las reglas, cómo era el mundo, la filosofía de ese mundo, y el equipo se encargó del resto”.
Sigue diciendo: “Cuando se trabaja en animación, no hay distanciamiento, pero al trabajar con un equipo, siempre hay alguien que tiene una idea nueva. Los diseñadores gráficos han aportado muchísimo, jamás habría podido hacerlo solo. Ha sido un auténtico esfuerzo de colaboración”.
Kristin Solid, supervisora de animación, al igual que el actor Fred Tatasciore y el director de animación Joe Ksander había estado en UCLA “al mismo tiempo que Shane. Siempre intercambiábamos ideas e incluso llegué a trabajar en la iluminación del corto “9”, pero lo hizo casi todo él”.
Añade: “Shane es una persona leal y se rodeó de personas en las que tenía plena confianza. La condición es tener talento y poder darle lo que necesita porque tanto él como Joe Ksander sólo se conforman con lo mejor”.
El realizador dice: “Lo bueno de dirigir un largo de animación es que no me preocupé de los problemas tecnológicos. Tenía un equipo con el que podía contar para solucionarlos. Eso me permitió centrarme en la historia y los personajes”.
El coproductor Jinko Gotoh explica: “Todos estamos orgullosos de haber participado en una película que no se parece en nada a lo que se ha hecho en animación hasta ahora. Nuestro equipo era más restringido de lo habitual, por lo que cada uno tenía más responsabilidades. Cada miembro animaba 2,15 metros a la semana, comparado a los habituales 1,50 metros”.
El productor Jim Lemley dice: “En esta película me he dado cuenta de lo mucho que un animador pone de sí mismo. El personaje se construye gracias a sus dotes como artista, sus habilidades y su personalidad. Ellos también interpretan, dirigidos por Shane. Si se combinan estas interpretaciones con el trabajo de doblaje de los actores, los personajes transmitirán emociones humanas universales”.
La grafista Regina Conroy explica que “cada día de trabajo es una experiencia emocional, pasamos por todo lo que pasan los personajes”.
El realizador va más allá: “Los actores se encargan de aportar sutileza a los diálogos, pero la interpretación física depende de los animadores. Rodamos varios vídeos de los actores, incluso cuando estaban sentados alrededor de una mesa. Los animadores usaron estas imágenes como referencia para incorporar los gestos y expresiones de los actores a los personajes”.
El supervisor de animación Charlie Bonifacio dice: “Era realmente interesante ver esos vídeos. Hay un momento en que Christopher Plummer se prepara para hablar y mueve la boca antes de pronunciar una palabra. Lo incorporamos a la boca de Número 1 para que los labios se movieran antes de que entrara la voz de Christopher”.
Joe Ksander reconoce que “además de Elijah Wood, hay algo de Shane Acker en Número 9. Esa enorme sonrisa que invade la cara de Shane también se apodera del rostro de Número 9”.
Charlie Bonifacio añade: “Por ejemplo, los animadores copiaron la forma en que Jennifer Connelly inclina la cabeza, la forma de moverse entre toma y toma”.
Joe Ksander dice: “Shane y yo nos reuníamos cuando el departamento artístico había creado los personajes. Hablábamos de qué detalles debía comunicar a los animadores. Algunos animadores se dejaron la piel para conseguir sacar un ligerísimo tic facial y una sombra que pasa por la cara”.
Sigue diciendo: “Pero no se limita a sentarse delante del ordenador y a usar el programa. También rodamos vídeos de referencia de nosotros mismos interpretando al personaje. Hay que tener en cuenta montones de pequeños detalles cuando se diseña y anima a un personaje. Por ejemplo, estudiar el peso de un bastón de mando en las manos de uno. Todas las mesas de los animadores tienen espejos para que puedan tener una referencia facial inmediata o ver el movimiento de los labios al pronunciar una palabra. Dado que Número 3 y Número 4 no tienen diálogos, las interpretaciones dependían íntegramente de los animadores. Nos inspiramos en los suricatos y en actores del cine mudo”.
La supervisora de animación Kristin Solid dice: “Tiene que caber todo en el espacio temporal de que disponemos para la toma. Había que vernos interpretar el diálogo o trepar como locos por encima de los muebles de oficina apilados para simular un montón de chatarra”.
El supervisor de animación Adam Beck añade: “Cuando se trabaja en una secuencia, se escucha el diálogo, pero también hay que ponerse en la piel del personaje. Tampoco había que olvidar las recomendaciones de Shane. Por ejemplo, una referencia para Número 1 era que debía recordar a un actor shakespeariano. Para Número 2, casi debía ser el abuelo de todos los demás”.
“Aparte de la complejidad que implican las secuencias de acción con máquinas monstruosas”, sigue diciendo el animador, “el mayor reto fue llenar de vida y emociones a esos diminutos seres, pero creo que lo conseguimos”.
Joe Ksander está de acuerdo: “Personalmente, lo que más me enorgullece es ver lo que hemos conseguido aportar a los personajes en la animación”.
Elijah Wood añade: “Estoy encantado de haber formado parte de NÚMERO 9. Los largos de animación van mucho más lejos de lo que la gente cree”.
El productor Jim Lemley acaba diciendo: “NÚMERO 9 conmoverá al público. Es tan entretenida como las mejores aventuras de fantasía, pero el espectador se sentirá parte de un mundo completamente diferente”.
EL REPARTO DE VOCES
ELIJAH WOOD (Número 9)
Saltó a la fama internacional con el papel de Frodo Baggins en la trilogía El señor de los anillos (La comunidad del anillo, Las dos torres y El retorno del rey), de Peter Jackson, por la que compartió el Oscar a la Mejor Interpretación Conjunta con todo el reparto.
Diez años antes había trabajado en películas como Asuntos sucios, de Mike Figgis, y Avalon, de Barry Levinson. No tardó en interpretar papeles protagonistas en Un lugar llamado paraíso, de Mary Agnes Donoghue, con Thora Birch; La fuerza de la ilusión, de Richard Donner; Eternamente joven, de Steve Miner; Las aventuras de Huckleberry Finn, de Stephen Sommers, y El buen hijo, de Joseph Ruben, con Macaulay Culkin.
En televisión hemos podido verle en “Oliver Twist”, de Tony Bill, y en papeles protagonistas en “Day-O”, de Michael Schultz, y “Child in the Night”, de Mike Robe.
En 1994 fue nombrado Joven Estrella del Año en el NATO/ShoWest. A continuación trabajó en Un muchacho llamado Norte, de Rob Reiner (en el papel protagonista); The War/La guerra, de Jon Avnet; Flipper, de Alan Shapiro; la aclamada La tormenta de hielo, de Ang Lee; la taquillera Deep Impact, de Mimi Leder; The Faculty, Spy Kids 3-D: Game Over y Sin City/Ciudad del pecado, las tres de Robert Rodriguez; Black and White, de James Toback; The Bumblebee Flies Anyway, de Martin Duffy; Miércoles de ceniza, de Edward Burns; Todo lo que quiero, de Jeffrey Porter; la animación Las aventuras de Pulgarcito y Pulgarcita, de Glenn Chaika; la premiada ¡Olvídate de mí!, de Michel Gondry, también para Focus Features, y Everything is Illuminated/Todo está iluminado, de Liev Schreiber.
Más recientemente le hemos visto en Hooligans, de Lexi Alexander; el segmento Quartier de la Madeleine, dirigido por Vincenzo Natali, de Paris, je t’aime; Bobby, de Emilio Estevez; Day Zero, de Bryan Gunner Cole, y Los crímenes de Oxford, de Álex de la Iglesia, con John Hurt. Actualmente coproduce el thriller independiente The Home, de Kristoffer Aaron Morgan.
Anteriormente había prestado su voz a Happy Feet, rompiendo el hielo, de George Miller, ganadora del Oscar a la Mejor Película de Animación.
JOHN C. REILLY (Número 5)
Fue nominado a un Oscar y a un Globo de Oro por su papel en la premiada Chicago, de Rob Marshall. El mismo año, la Sociedad de Críticos de Las Vegas le eligió Mejor Actor de Reparto por la película anterior y por su trabajo en Gangs of New York, de Martin Scorsese, y Las horas, de Stephen Daldry.
Más recientemente ha sido nominado a dos Globos de Oro por Dewey Cox: una vida larga y dura, de Jake Kasdan, al Mejor Actor (de un musical o Comedia) y a la Mejor Canción Original (“Walk Hard”). Como coautor de las canciones de la película, fue nominado a un Grammy (“Walk Hard”).
Le hemos visto en la taquillera comedia Hermanos por pelotas, de la que es cocreador de la historia con el guionista e intérprete Will Ferrel, y con el guionista y director Adam McKay. El trío ya tenía otro éxito en su haber, Pasado de vueltas.
Su primera película fue Corazones de hierro, de Brian De Palma, a la que siguieron, entre otras, Nunca fuimos ángeles, de Neil Jordan; Días de trueno, de Tony Scott; El clan de los irlandeses, de Phil Joanou; Sombras y niebla, de Woody Allen; Hoffa, un pulso al poder, de Danny De Vito; ¿A quién ama Gilbert Grape?, de Lasse Hallström; Río salvaje, de Curtis Hanson; Eclipse total/Dolores Claiborne, de Taylor Hackford; Georgia¸ de Ulu Grosbard; La delgada línea roja, de Terrence Malick; Nunca me han besado, de Raja Gosnell; Entre el amor y el juego, de Sam Raimi; La tormenta perfecta, de Wolfgang Petersen; Ejecutivo agresivo, de Peter Segal; Criminal, de Gregory Jacobs; El aviador, de Martin Scorsese; Dark Water/La huella, de Walter Salles; El último show, de Robert Altman; el próximo estreno El circo de los extraños (The Vampire’s Assistant), de Paul Weitz; la aún no estrenada The Extra Man, de Shari Berman y Robert Pulcini; Hard Eight, Sydney; Boogie Nights, y Magnolia, las tres de Paul Thomas Anderson.
Regresó a los escenarios en 2000 con la producción “True West”, de Sam Shepard, dirigida por Matthew Warchus, coprotagonizada junto a Philip Seymour Hoffman, por la que fue nominado a un Tony y a un Premio de la Crítica Exterior.
En 2005 volvió a Broadway con la obra “Un tranvía llamado deseo”, de Tennessee Williams, a la que siguieron “Otelo” y “Las uvas de la ira”. En Los Ángeles protagonizó “El rey se muere”, de Eugene Ionesco, dirigida por Patrick Murphy.
ENNIFER CONNELLY (Número 7)
Ganó un Oscar, un Globo de Oro, un BAFTA, un Premio AFI y el Premio Selección de la Crítica por su interpretación en la oscarizada Una mente maravillosa.
Otras películas suyas son Qué les pasa a los hombres, de Ken Kwapis; Ultimátum a la tierra, de Scott Derrickson; Un cruce en el destino, de Terry George, para Focus Features; Diamante de sangre, de Edward Zwick, con Leonardo DiCaprio y Djimon Hounsou; Juegos secretos/Little Children, de Todd Field; Dark Water/La huella, de Walter Salles; Casa de arena y niebla, de Vadim Perelman; Hulk, de Ang Lee, y Pollock: la vida de un creador, de Ed Harris.
Fue muy aclamada por el papel de drogadicta en Réquiem por un sueño, de Darren Aranofsky, por el que fue nominada a un Premio Espíritu Independiente.
También es conocida por sus papeles en Resucitar un amor/Waking the Dead, de Keith Gordon; El secreto de los Abbott, de Pat O’Connor; Semillas de rencor, de John Singleton; Rocketeer, de Joe Johnston, y Dentro del laberinto, de Jim Henson. Su primera película fue Érase una vez en América, de Sergio Leone.
Próximamente la veremos en Creation, de Jon Amiel, con Paul Bettany.
CHRISTOPHER PLUMMER (Número 1)
Debutó en los escenarios neoyorquinos en 1954 de la mano de la legendaria actriz y directora Eva Le Gallienne. Ha ganado dos Tony, por el musical “Cyrano” y por la obra “Barrymore”, además de ser nominado a otros siete. Cuando era miembro del Royal National Theater, bajo la dirección de Laurence Olivier, y de la Royal Shakespeare Company, bajo la dirección de Peter Hall, ganó el Premio Evening Standard al Mejor Actor.
Su primera película fue Sed de triunfo, de Sidney Lumet. También trabajó en El hombre que pudo reinar, de John Huston; La caída del Imperio Romano, de Anthony Mann; La batalla de Inglaterra, de Guy Hamilton; Waterloo, de Sergei Bondarchuk; Muerte en los pantanos, de Nicholas Ray; La rebelde, de Robert Mulligan; la oscarizada Sonrisas y lágrimas, de Robert Wise, con Julie Andrews; El regreso de la pantera rosa, de Blake Edwards, con Peter Sellers; Testigo silencioso, de Daryl Duke; Asesinato por decreto, de Bob Clark; El algún lugar del tiempo, de Jeannot Szwarc; Star Trek VI: Aquel país desconocido, de Nicholas Meyer; Malcolm X e Inside Man/Plan oculto, de Spike Lee; Eclipse Total/Dolores Claiborne, de Taylor Hackford; Doce monos, y el próximo estreno The Imaginarium of Doctor Paranassus, ambas de Terry Gilliam; Ararat, de Atom Egoyan; La leyenda de Nicholas Nickleby, de Douglas McGrath; La búsqueda/National Treasure, de Jon Turteltaub; Y que le gusten los perros, de Gary David Goldberg; Syriana, de Stephen Gaghan; El nuevo mundo/The New World, de Terrence Malick; Man in the Chair, de Michael Schroeder, y El dilema/The Insider, de Michael Mann, por la que ganó el Premio al Mejor Actor de Reparto de la Sociedad Nacional de Críticos de Cine, de la Sociedad de Críticos de Cine de Boston y de la Asociación de Críticos de Cine de Los Ángeles.
Ha ganado dos Emmy, por prestar su voz y ser el narrador de la serie “Madeline”, y por su interpretación en la miniserie “Traficantes de dinero”, de Boris Sagal. Asimismo, ha sido nominado a un Emmy por la clásica miniserie “El pájaro espino”, y por el telefilm “Hamlet at Elsinore”, de Philip Saville.
Fue el primer actor en ser galardonado con el Premio Jason Robards, en recuerdo de su gran amigo. Ha ganado el Premio Edwin Booth y el Premio Sir John Gielgud.
CRISPIN GLOVER (Número 6)
Debutó como director con la película What Is It?, de la que también fue guionista y productor. El reparto estaba compuesto mayormente por actores con síndrome de Down. A continuación dirigió y produjo la secuela It Is Fine. Everything Is Fine! Actualmente recorre el mundo presentando las dos películas.
Como actor le hemos visto en Bartleby, de Jonathan Parker, y Willard, de Glen Morgan, ambas como protagonista; Los ángeles de Charlie y Los ángeles de Charlie: al límite, de McG; Persiguiendo a Betty, de Neil LaBute; El escándalo de Larry Flint, de Milos Forman; Dead man, de Jim Jarmusch; ¿A quién ama Gilbert Grape?, de Lasse Hallström; Ellas también se deprimen, de Gus Van Sant; The Doors, de Oliver Stone; Corazón salvaje, de David Lynch; Dónde está el corazón, de John Boorman; Instinto sádico, de Tim Hunter; Hombres frente a frente, de James Foley; Regreso al futuro, de Robert Zemeckis, y Adiós a la inocencia, de Richard Benjamin.
Después de encarnar a Grendel en Beowulf, de Robert Zemeckis, actualmente es la Jota de Corazones en Alice in Wonderland, de Tim Burton.
MARTIN LANDAU (Número 2)
Fue galardonado con un Oscar, un Premio del Sindicato de Actores y un Globo de Oro por su inolvidable encarnación de Bela Lugosi en Ed Wood, de Tim Burton, además de ganar el Premio al Mejor Actor de Reparto del Círculo de la Crítica de Cine de Nueva York, de la Sociedad Nacional de Críticos de Cine y de la Asociación de Críticos de Cine de Los Ángeles, entre otras organizaciones.
Ha sido nominado por la Academia en otras dos ocasiones por su trabajo en Delitos y faltas, de Woody Allen, y por Tucker: un hombre y su sueño, de Francis Coppola, por la que ganó un Globo de Oro.
Estudió en el prestigioso Pratt Institute de Nueva York. A los 17 años empezó a trabajar como ilustrador en The New York Daily News. Al cabo de tres años hizo una prueba para ingresar en Actors Studio. De 2.000 solicitantes, sólo fueron aceptados Steve McQueen y él. Tuvo como profesores a los más grandes directores de teatro de la época, Lee Strasberg, Elia Kazan, Harold Clurman, Bobby Lewis y Curt Conway.
Empezó a trabajar en teatro y en televisión. Después de un año en Broadway y de una larga gira por Estados Unidos con el éxito “Middle of the Night”, de Paddy Chayefsky, empezó a trabajar en Hollywood, donde ha dado vida a más de cien personajes.
Entre sus numerosas películas destacaremos Con la muerte en los talones, de Alfred Hitchcock; La historia más grande jamás contada, de George Stevens; La cima de los héroes, de Lewis Milestone; La batalla de las colinas, de John Sturges; Nevada Smith, de Henry Hathaway; Cleopatra, de Joseph L. Mankiewicz; el telefilm “Savage”, de Steven Spielberg; Entre dos mujeres, de Mark Rydell; Sleepy Hollow, de Tim Burton; Ed TV, de Ron Howard; The Majestic, de Frank Darabont; City of Ember/En busca de la luz, de Gil Kenan; Lovely, Still, de Nicholas Fackler, y La pareja aria, de John Daly.
Ha sido nominado a seis Emmy; dos de ellos por su papel en “Sin rastro”, con Anthony LaPaglia; uno por “Entourage/El séquito”, y tres por el papel protagonista en la clásica serie “Misión imposible”.
Actualmente es el director artístico del Actors Studio West, puesto que comparte con el director Mark Rydell. Ha dado clases de interpretación a actores del calibre de James Dean, Warren Oates, Harry Dean Stanton, Anjelica Huston y Jack Nicholson.
FRED TATASCIORE (Número 8 – Locutor de radio)
Nació en Nueva York y creció en Los Ángeles, donde se licenció en Interpretación y Animación.
Actualmente sigue cultivando esas dos facetas trabajando como doblador y animador. Le hemos oído en películas como Encantada: la historia de Giselle, de Kevin Lima; Beowulf, de Robert Zemeckis, y El corral: una fiesta muy bestia, de Steve Oedekerk; en series como “Padre de familia”, “Padre made in USA”, “Robot Chicken”, “El corral”, “Invasor Zim”, “Wolverine y los X-Men” y “Los vengadores”.
También es cómico y ha trabajado en los escenarios de Los Ángeles. Vive en la Costa Oeste con muchos animales.
EL EQUIPO TÉCNICO
SHANE ACKER (Director – Una historia de)
Nació en Wheaton, Illinois, y creció en la Costa Este. Se licenció en Arquitectura (2000) y Animación (2004) en la Universidad de UCLA.
Escribió, dirigió y animó el corto “9”, de once minutos de duración, que terminó mientras estudiaba en UCLA y presentó como película de tesis. Anteriormente había escrito, dirigido y animado los cortos “The Hangnail” (1999), de dos minutos, y “The Astounding Talents of Mr. Grenada” (2003), de un minuto. Trabajó como animador en la oscarizada El señor de los anillos: el retorno del rey, de Peter Jackson, con Elijah Wood.
El corto “9” fue nominado al Oscar al Mejor Corto de Animación en 2006, después de ganar la Medalla de Oro en los Premios de la Academia de Estudiantes en 2005.
“9” fue invitado a más de doce festivales internacionales, Sundance y Cinequest entre ellos. En 2005 ganó el Premio a la Mejor Película de Animación y el Premio Especial de la Selección del Jurado en el Comic-Con de San Diego. Entre otros premios otorgados al corto destacaremos el Premio al Mejor Corto de Animación en el Newport Beach Film Festival; el Premio del Jurado Junior a la Mejor Animación Universitaria en el Festival Internacional de Annecy; el Premio Especial del Jurado a la Excelencia en Animación en el Festival Internacional de Indianápolis; el Premio al Mejor Corto Digital y el Premio del Público en el Festival Internacional de Animación de Melbourne; el Premio del Jurado al Mejor Corto de Animación en el Festival de Cine de Florida; los premios a la Mejor Animación Universitaria y a la Mejor Película Universitaria en el Festival de Cine George Lindsey UNSA; el Primer Premio de Animación 3D del Festival Internacional de Animación Animex, y el Primer Premio en la categoría de Animación No Tradicional de la Academia de Arte y Ciencias de la Televisión.
NÚMERO 9 es el primer largo que dirige.
PAMELA PETTLER (Guionista)
Es una conocida guionista del mundo de la fantasía y de la animación gracias a un peculiar estilo plagado de humor negro y de creatividad visual.
Ha colaborado y trabaja actualmente con conocidos cineastas de la talla de los productores de NÚMERO 9, Tim Burton y Timur Bekmambetov, así como Robert Zemeckis, Ridley Scott, Sam Raimi, Doug Liman y Steven Spielberg.
Con Tim Burton colaboró en la película de animación stop-motion La novia cadáver, nominada al Oscar a la Mejor Película de Animación. Fue la coguionista de Monster House, en 2006, para los productores Robert Zemeckis y Steven Spielberg, por la que fue nominada al Premio Annie al Mejor Guión de Animación, y la película al Oscar a la Mejor Película de Animación.
Actualmente escribe el guión de Monopoly, basado en el juego del mismo nombre, para Ridley Scott y Universal Pictures, y un proyecto aún sin título para Scott Rudin. Sus últimos guiones son Robositter, para Robert Zemeckis; una adaptación de la novela de Terry Pratchett The Wee Free Men, para Sam Raimi, y una adaptación del libro infantil The Twits, de Roald Dahl, para Working Title Films.
JIM LEMLEY (Productor)
Ha producido Wanted/Se busca, el thriller de acción dirigido por Timur Bekmambetov, con James McAvoy, Morgan Freeman y Angelina Jolie, que ha recaudado 341 millones de dólares en todo el mundo. Actualmente se está desarrollando una secuela. Como productor, se ocupa de varios largos que dirigirá Timur Bekmambetov, entre los que destacaremos Moby Dick, para Universal Pictures.
Recientemente ha sido el productor ejecutivo de La escafandra y la mariposa, ganadora de dos Globos de Oro, uno de ellos a la Mejor Película de Habla Extranjera, y nominada a 4 Oscar, entre ellos el de Mejor Director.
Empezó trabajando en Icon Productions, donde se ocupó, entre otras películas, de Maverick, de Richard Donner; Amor inmortal y Ana Karenina, ambas de Bernard Rose; Payback, de Brian Helgeland; 187: muchas mentes peligrosas, de Kevin Reynolds; y la oscarizada Braveheart, dirigida y producida por el fundador de la productora Icon, Mel Gibson. La película Cuando éramos soldados, de Randall Wallace, fue su última colaboración con la productora.
Fue el productor ejecutivo, junto a Ridley y Tony Scott, de Tristán e Isolda, su primera película como independiente y en la que volvió a colaborar con el director Kevin Reynolds. A continuación se ocupó de Vuelo nocturno, de Wes Craven.
TIM BURTON (Productor)
Se ha dado a conocer por la imaginación que derrocha en cada una de sus películas. Empezó a dibujar siendo aún muy pequeño y estudió en el Cal Arts Institute con una beca Disney. Poco tiempo después trabajó en estudios Disney como animador. Debutó como director con el corto de animación “Vincent”, narrado por Vincent Price, que ganó varios premios. A continuación realizó un corto de acción real titulado “Frakenweenie”, que daba otra vuelta de tuerca a la leyenda de Frankenstein.
En 1986 dirigió su primer largo, La gran aventura de Pee-Wee, que se convirtió en un éxito comercial y de crítica. Su segunda película, Bitelchús, con Michael Keaton, Geena Davis, Alec Baldwin y Winona Ryder, ganó el Oscar al Mejor Maquillaje.
Por la taquillera Batman, con Jack Nicholson, Michael Keaton y Kim Basinger, ganó el Premio al Director del Año de la Asociación Nacional de Exhibidores (NATO) y el Oscar a la Mejor Dirección Artística.
A continuación dirigió dos de sus películas más características, Eduardo manostijeras, con Johnny Depp, Winona Ryder y Dianne Wiest, y Batman vuelve, con Michael Keaton, Michelle Pfeiffer y Danny DeVito, que fue la película más taquillera de 1992.
Creó y produjo la película de animación stop motion Pesadilla antes de Navidad, dirigida por Henry Selick, además de escribir el libro infantil del mismo título que se publicó en 1993 cuando se estrenó la película. Como productor también tiene en su haber James y el melocotón gigante, una combinación de acción real y stop motion dirigida por Henry Selick; Caos en alta mar, de Adam Resnick, y Batman Forever, de Joel Schumacher.
Produjo y dirigió Ed Wood, protagonizada por Johnny Depp, así como Mars Attacks!, con Jack Nicholson y Danny DeVito, antes de dirigir Sleepy Hollow, con Johnny Depp y Christina Ricci, ganadora del Oscar a la Mejor Dirección Artística y del BAFTA al Mejor Vestuario y al Mejor Diseño de Producción.
A continuación dirigió El planeta de los simios; Big Fish, nominada al BAFTA, al Globo de Oro y al Premio Selección de la Crítica a la Mejor Película, y Charlie y la fábrica de chocolate. Codirigió con Mike Johnson La novia cadáver, una película stop-motion que también produjo, protagonizada por Johnny Depp y Helena Bonham Carter, nominada a un Oscar a la Mejor Película de Animación.
Volvió a trabajar con Johnny Depp y Helena Bonham Carter en Sweeney Todd: el barbero diabólico de la calle Fleet, basada en el musical de Broadway. La película ganó el Globo de Oro a la Mejor Película y al Mejor Actor (en una película Musical o Comedia), además del Oscar a la Mejor Dirección Artística. Fue nombrado Mejor Director del Año por el Consejo Nacional de Críticos y nominado por la Selección de la Crítica y los Globos de Oro.
Actualmente, como director y productor, se ocupa de Alice in Wonderland, basada en la clásica novela. Mia Wasikowska protagoniza esta combinación de formato motion-capture (captura de movimiento), acción real y 3D.
TIMUR BEKMAMBETOV (Productor)
Ha dirigido hace poco la película Wanted/Se busca, que ha recaudado 431 millones de dólares a nivel internacional, protagonizada por James McAvoy, Morgan Freeman y Angelina Jolie.
Coescribió y codirigió la película más taquillera del cine ruso, Guardianes del día (2006), la secuela de otro explosivo éxito, Guardianes de la noche (2004), un thriller de fantasía que coescribió con Sergei Lukyanenko.
Estudió en el Instituto de Ingeniería Energética de Moscú. En 1987 se licenció en Diseño de Decorados de Cine y Teatro en el Instituto A.N. Ostrovsky de Artes Teatrales de Tashkent.
Después de varios años en el ejército, empezó a trabajar en publicidad. Durante los siguientes 15 años, creó y dirigió premiadas campañas para televisión, que sin duda alguna influyeron en su visión cinematográfica. En 2000 fue nombrado miembro de la Academia Rusa de Publicidad.
Debutó en el cine en 1992, cuando escribió y dirigió, en colaboración con Gennadi Kayumov, Peshavarskiy vals, que ganó el Premio al Mejor Director y al Mejor Reparto en el Festival de Karlovy Vary, República Checa.
En 1999 produjo y dirigió una miniserie de ocho capítulos, “Our ‘90s”. En 2000 dirigió y coprodujo, con Roger Corman, el largometraje Gladiatrix. En 2002 dirigió y coprodujo, con Bakhyt Kilibayev, la película GAZ – Russian Cars. En 2007 dirigió y coescribió (con Eldar Ryazanov) el largo Ironiya sudby. Prodolzhenie (La ironía del destino 2), que batió récords de taquilla en Rusia.
A través de su productora y estudio de efectos visuales, Bazelevs Films, se ha unido a Universal Pictures y a Focus Features International para producir y distribuir películas rodadas en ruso. Actualmente, la película de aventuras Black Lightning, de Alexander Voitinskiy, está en posproducción.
DANA GINSBURG (Productora)
Empezó trabajando como asesora en Orion Pictures, donde supervisó los contratos internacionales durante el gran momento de la productora con Amadeus, Platoon, Bailando con lobos y El silencio de los corderos, dirigidas respectivamente por Milos Forman, Oliver Stone, Kevin Costner y Jonathan Demme, todos premiados por la Academia.
Se unió a Icon Productions como vicepresidenta del departamento legal y empresarial, donde se ocupó de los acuerdos necesarios para películas como Maverick, de Richard Donner; Amor inmortal, de Bernard Rose, y El hombre sin rostro y la oscarizada Braveheart, ambas de Mel Gibson.
A continuación encabezó el departamento legal de DreamWorks Pictures, donde trabajó en películas como Gladiador y American Beauty, dirigidas respectivamente por Ridley Scott y el oscarizado Sam Mendes; las películas de animación Antz, de Eric Darnell y Tim Johnson, y la oscarizada Shrek, de Vicky Jenson.
JINKO GOTOH (Coproductora)
Empezó a ocuparse de la evolución de la animación como forma artística hace 25 años. Se dedica a estudiar métodos de reducción de costes que apoyen el proceso creativo y trabaja como asesora free-lance en la industria de la animación.
Como jefa de producción y productora asociada de la oscarizada Buscando a Nemo, de Andrew Stanton y Lee Unkrich, se ocupó del presupuesto y del plan de rodaje.
Trabajó durante cuatro años en Walt Disney Feature Animation, donde supervisó la transición a la animación digital y su uso en películas como Dinosaurio y Fantasía 2000 (IMAX), ambas de Eric Leighton y Ralph Zondag.
Anteriormente fue la productora digital de Space Jam, de Joe Pytka, que reunía una combinación de acción real, efectos visuales, ambientes virtuales y animación tradicional y digital.
Ha sido vicepresidenta ejecutiva de Butch & Co; presidenta de la productora de publicidad y largometrajes Entertainment Alia, donde fue de las primeras personas en ofrecer la dirección de anuncios a directores de videoclips, y una de las directoras de la agencia de publicidad Dentsu.
Nació en Japón y creció en California. Se licenció en Matemáticas Aplicadas en la Universidad de Columbia y también tiene una licenciatura en Cine.
MARCI LEVINE (Coproductora)
Empezó a trabajar en The Walt Disney Studios, donde fue contable de producción en películas como ¿Qué pasa con Bob?, de Frank Oz; Dadme un respiro, de James Lapine; El capitán Ron, de Tom Eberhardt, y Colmillo blanco, de Randal Kleiser. Después de pasar al departamento de animación, trabajó en El jorobado de Notre Dame, de Gary Trousdale y Kira Wise, y fue nombrada representante de producción en los Estudios de Animación Pixar. Como tal, se ocupó de los acuerdos de coproducción con Pixar, de la aprobación del presupuesto anual y de los planes de producción y financiación de todas las películas. Durante ese tiempo, supervisó películas como Bichos, Toy Story 2: los juguetes vuelven a la carga y Monstruos, S.A.
Después de trabajar durante un tiempo como asesora de varios estudios de animación, fue la productora asociada de Valiant, de Gary Chapman, la película de animación de Vanguard Animation, para la que se construyó especialmente un estudio de animación en Londres.
Recientemente ha trabajado como productora asesora en Illumination Entertainment, de Chris Meledandri, una productora dedicada a hacer películas para toda la familia para Universal Pictures.
NICK KENWAY (Montador)
Trabajó ocho años en Walt Disney Pictures, donde montó películas como Campanilla y Hermano oso 2. Como montador de producción, se ocupó de Peter Pan: regreso al país de Nunca Jamás y El rey león 3: Hakuma Matata.
Antes de dedicarse a la animación, trabajó en la televisión australiana durante tres años, donde montó desde programas científicos, hasta documentales, noticias y anuncios.
Nació en Inglaterra y se trasladó con su familia a Sídney, Australia, donde se licenció en Filosofía y en Cine en la Universidad de New South Wales.
DANNY ELFMAN (Canciones)
Se ha convertido en uno de los compositores más solicitados y admirados de Hollywood.
Ha sido nominado al Oscar en dos ocasiones por sus colaboraciones con Gus Van Sant en Mi nombre es Harvey Milk y El indomable Will Hunting, y otras dos veces por Hombres de negro, de Barry Sonnenfeld, y Big Fish, de Tim Burton, por la que también fue nominado a un Globo de Oro.
Los espectadores de todo el mundo han tenido la ocasión de oír su sonido y estilo únicos en cerca de 60 películas, entre las que destacaremos La gran aventura de Pee-Wee, Bitelchús, Batman, Eduardo Manostijeras y Charlie y la fábrica de chocolate, de Tim Burton; Pesadilla antes de Navidad, de Henry Selick, por la que obtuvo su primera nominación a un Globo de Oro; Spider-Man, de Sam Raimi; Eclipse total/Dolores Claiborne, de Taylor Hackford; Huida a medianoche, de Martin Brest; Sommersby, de Jon Amiel; Dinero para quemar, de los hermanos Hughes, y la premiada Chicago, de Rob Marshall.
Los telespectadores están muy familiarizados con los temas musicales que compuso para “Los Simpson” (por la que fue nominado al Globo de Oro) y “Mujeres desesperadas” (por la que ganó un Globo de Oro).
A los 18 años empezó a componer y a tocar para la compañía teatral francesa Le Grand Magic Circus. Al año siguiente, él y su hermano Richard tocaron y actuaron en las calles de California. A continuación trabajó durante seis años en un “cabaret musical surrealista”, y compuso y tocó durante 17 años con el grupo de rock Oingo Boingo. De esta colaboración surgieron éxitos como “Weird Science” y “Dead Man’s Party”.
Estrenó su primera partitura para ballet, “Rabbit and Rogue”, en junio de 2008 en la Ópera Metropolitana del Lincoln Center de Nueva York. Twyla Tharp se ocupó de la coreografía. El ballet fue un encargo del American Ballet Theatre (ABT).
Además de Mi nombre es Harvey Milk, en 2008 compuso la música de Wanted/Se busca, de Timur Bekmambetov; Hellboy II: el ejército dorado, de Guillermo del Toro, y del documental Standard Operating Procedure, de Errol Morris. Los Premios de Hollywood le otorgaron el galardón al Mejor Compositor del Año por su trabajo en estas cuatro películas.
En 2009 se ha ocupado de las partituras de Notorious, de George Tillman Jr; Terminator Salvation, de McG; The Wolf Man, de Joe Johnston, y también para Focus Features, ha compuesto la música de Destino Woodstock, de Ang Lee.
DEBORAH LURIE (Partitura)
Es una estrella en auge de la música contemporánea. Empezó trabajando como arreglista y productora de artistas como Kelly Clarkson, Hoobastank, Adema, Gabriel Mann y Caleb Kane. Ha realizado arreglos de cuerda para el álbum homónimo de Daughtry, el álbum “Move Along”, de The All-American Rejects, y en trabajos de roqueros duros como Papa Roach y Three Days Grace. Fue la directora musical de espectáculos tan populares como “The Pussycat Dolls y “bare”, por el que ganó el Premio del Círculo de la Crítica de Teatro de Los Ángeles, el Premio de Teatro LA Weekly y el Premio Garland.
Después de orquestar varias partituras para cine, una de sus primeros trabajos como compositora fue “George Lucas enamorado”, de Joe Nussbaum, uno de los cortometrajes más aclamados de los últimos años. Prefiere trabajar con orquestas, y ha compuesto partituras para Mi nombre es Modesty: una aventura de Modesty Blaise, de Scott Spiegel; Una rubia desenfrenada, de Jim Wilson; Héroes imaginarios, de Dan Harris; Fiesta de pijamas y Una novata en un cuento de hadas, ambas de Joe Nussbaum; Locos de amor, de Petter Naess; Desmadre vacacional, de Ryan Shiraki; Una vida por delante, de Lasse Hallström, y el documental IMAX 3D Deep Sea/Océano profundo, que fue su primera colaboración con el compositor Danny Elfman.
Ha compuesto música adicional para las dos secuelas de Spider-Man, de Sam Raimi, y para Wanted/Se busca, de Timur Bekmambetov.
Creció en Palo Alto, California. Estudió Composición Musical en la Universidad del Sur de California.
Tráiler
|
