Advance Dreamers

Todos los detalles de la nueva de M. NIGHT SHYAMALAN

El mundo está envuelto en las llamas de la guerra, y nadie tiene el poder para detener la inevitable destrucción… hasta ahora.
Durante casi un siglo, la Nación del Fuego ha llevado a cabo su mortífera campaña para dominar en todo el mundo a sus habitantes, las tribus del Aire, el Agua y la Tierra. Sólo le ofrecen una alternativa a las tribus que sucumben ante su poder: la rendición total, o la completa aniquilación.
Mientras los aldeanos intentan resistir en vano, siguen a los pocos elegidos que pueden controlar el elemento de su nación y hacer que obedezca sus órdenes. Sin embargo, los guerreros del Fuego, apoyados por enormes ejércitos y armas de destrucción masiva, ya han eliminado a todos los maestros del Aire del planeta, y ahora centran su atención sobre la Nación del Agua, acuartelada en su fortaleza norteña.
Un día, la joven maestra del agua Katara (NICOLA PELTZ) está fuera practicando sus técnicas con su hermano Sokka (JACKSON RATHBONE) cuando se encuentran con un joven llamado Aang (NOAH RINGER). Pero, al hacerse patentes los poderes de Aang como maestro del Aire, Katara y Sokka se dan cuenta de que han encontrado algo más que al último maestro del Aire. Al ser el Airbender de las profecías (el único que puede controlar a los cuatro elementos), el joven maestro del Aire es la única arma que puede repeler el ataque de la Nación del Fuego y restaurar finalmente el equilibrio del mundo desgarrado por la guerra. Pero, ¿podrá él llegar a dominar sus técnicas de control y convertirse en el héroe que necesita ser antes de que sea demasiado tarde?
Maestro de la narración, el director/productor/escritor nominado al Óscar M. NIGHT SHYAMALAN (“El sexto sentido”, “Señales”, “El protegido”) lleva a la gran pantalla la célebre serie animada “Avatar: The Last Airbender”, creando un mundo épico y desmesurado que explota con espectaculares efectos especiales, una acción fenomenal y emocionantes aventuras.



La película cuenta con un reparto joven y con talento, que incluye (junto a Noah Ringer, Nicola Peltz y Jackson Rathbone) a DEV PATEL (“Slumdog Millionaire”) como el vengativo príncipe Zuko de la Nación del Fuego, SHAUN TOUB (“Iron Man”) como Iroh, el fiel tío de Zuko que ayuda al príncipe en su misión, AASIF MANDVI (“Spiderman 2”) como el comandante Zhao de la Nación del Fuego, un militar sin conciencia, y CLIFF CURTIS (“La jungla 4.0”) como el Señor del Fuego Ozai, quien rechazará a quienquiera que sea (incluso de su propia sangre) que se interponga en su camino.
“Airbender: El último guerrero” está basada en la serie “Avatar: The Last Airbender”, creada por MICHAEL DANTE DiMARTINO y BRYAN KONIETZKO, quienes también ejercen de productores ejecutivos. Produciendo junto con Shyamalan están SAM MERCER (“El sexto sentido,” “El protegido,” “El bosque”) y FRANK MARSHALL (la saga de “Bourne”, la de “Indiana Jones”), con los productores ejecutivos KATHLEEN KENNEDY (“Indiana Jones y el Reino de la Calavera de Cristal” “La guerra de los mundos”) y SCOTT AVERSANO (“Killers”, “Escuela de rock”).






Uniéndose al equipo creativo de Shyamalan están el oscarizado director de fotografía ANDREW LESNIE, ACS, ASC (la trilogía de “El Señor de los Anillos”), el director artístico PHILIP MESSINA (la saga de George Clooney “Ocean’s”), el oscarizado editor CONRAD BUFF, A.C.E. (“Titanic”) y la diseñadora de vestuario JUDIANNA MAKOVSKY (“Harry Potter y la Piedra Filosofal”). Ejerciendo de coproductor está JOSE L. RODRIGUEZ (“El incidente”). Completando la producción están el compositor varias veces nominado al Óscar JAMES NEWTON HOWARD (“El caballero oscuro”), junto con los magos de los efectos visuales y la animación de INDUSTRIAL LIGHT & MAGIC (“Avatar”).



Acerca de la producción
     
En 2005, Nickelodeon empezó a emitir una serie animada original llamada “Avatar: The Last Airbender”, cuyos coautores son Michael Dante DiMartino y Bryan Konietzko. La serie tuvo un gran eco en un amplio sector de la audiencia. Pronto, la fiebre de “Avatar” se había extendido hasta convertirse en un fenómeno internacional (la serie se emite en más de 120 países). Pronto llamó la atención de uno de los mejores narradores de Hollywood: M. Night Shyamalan. El realizador, dos veces nominado al Óscar, comenta: “‘Avatar: The Last Airbender’ me cayó del cielo. Me impactó como una epifanía”.
A las hijas de Shyamalan les encantaba la serie, sobre todo el personaje de la joven maestra del Agua Katara. Intrigado por su inusitada pasión de fans, Shyamalan decidió ponerse con ellas a ver la serie de televisión, y entonces él también se enganchó.
Estaba claro que había potencial cinematográfico en la serie. No obstante, adaptar las alrededor de 30 horas de la serie en un largometraje no iba a ser tarea fácil, e incluía la incursión del cineasta en un género que aún no había explorado en sus trabajos anteriores. “Desde el momento en que escribí las primeras palabras del guión, supe que, para hacer una película con esta complejidad, hay que trabajar mucho en ello. Michael Dante DiMartino y Bryan Konietzko, que crearon la serie de ‘Avatar’, pasaron seis años elaborando su mitología”.
“Ha sido muy revelador y muy instructivo para mí hacer algo con esta escala, intentando mantener a la vez un nivel de perfección”, continúa Shyamalan. “Todos los días del rodaje estaba muerto de miedo, pues podía llegar a ser muy abrumador, y había muchas incógnitas. Esta película es dos veces y media mayor que cualquier cosa que haya hecho antes”.
Dado que los realizadores de “Airbender: El último guerrero” son fans incondicionales de la serie original, tienen un objetivo final que esperan alcanzar. “Queríamos crear una película que no solamente cumpliera las expectativas de los fans, sino que también llegara hasta un público mundial en la forma en la que sólo un largometraje de acción real puede hacerlo”, dice Shyamalan.



DiMartino y Konietzko, los creadores de “Airbender”, fueron sumamente útiles en el desarrollo del guión para Shyamalan, ayudando a reducir las múltiples historias al tamaño de un largometraje. “No te puedes imaginar lo reconfortante que era tenerlos al otro lado del teléfono o del correo electrónico cada vez que me atascaba. Su mitología de “Avatar” está tan bien elaborada que tenían una respuesta y una historia de fondo para todas mis preguntas”.
Shyamalan había especulado durante muchos años con la idea de hacer una película tipo saga, pero nunca encontró el material para ello. Pero “Airbender: El último guerrero” parecía tener todos los elementos que habían fascinado al cineasta desde que era niño, cuando vio por primera vez “La Guerra de las Galaxias”: una fantasía épica, imbuida de una espiritualidad inherente, y con el protagonismo de las artes marciales en su núcleo.
Dice el productor Frank Marshall, quien colaboró con Shyamalan en “El sexto sentido” y “Señales”: “Night tiene un estilo fílmico característico y una manera única de contar una historia. Tiene la capacidad de conmover al público en un sentido muy amplio. En esta película, amplía aún más su talento y su gama, lo cual es una perspectiva increíblemente emocionante”.
Añade el productor Sam Mercer: “Night se había interesado por otras sagas cinematográficas y se las habían ofrecido a lo largo de su carrera, pero hasta “Airbender: El último guerrero” no había encontrado ninguna que pudiera hacer suya de una forma orgánica, desde las primeras palabras que escribiera”.
Shyamalan explica que el estilo donde se encuentra cómodo es dentro del género del thriller, y admite: “Es bueno cambiar completamente y enseñarme algo nuevo a mí mismo, y hacer algo totalmente diferente”.
“Airbender: El último guerrero” se basa en el Libro Uno de la serie de “Avatar”, que se centra alrededor del elemento del agua. La película sigue a Aang, el Avatar, quien emprende una misión para dominar los cuatro elementos y salvar al mundo. Al igual que en la serie de televisión, “Airbender: El último guerrero” viaja del Polo Sur al Polo Norte.



Para comenzar a elaborar una historia así, Shyamalan contó con un colaborador de siempre, el dibujante de guiones gráficos Brick Mason, y los dos juntos realizaron la película en viñetas durante todo un año antes de comenzar con la fotografía principal. Una vez que se les hubo unido el director de fotografía Andrew Lesnie (quien se incorporó a tiempo para darle un último repaso al guión gráfico), la película pasó a la fase de pre-visualización, trabajando con Pablo Helman, supervisor de efectos visuales de Industrial Light & Magic. En ese punto, se renderizaron escena por escena unos animatics en tiempo real, creando una guía que permitía a los realizadores ver versiones animadas y montadas de las secuencias (más de un tercio de la película se bosquejó en pre-visualización antes de comenzar el rodaje). Más tarde, poder ver pre-visualizaciones en el plató resultó ser una valiosísima guía, y verlas en iPhones era mucho más fácil que apiñarse frente a un monitor.


Convocando a todos los guerreros
Shyamalan fue igual de previsor a la hora de hacer el casting para la película. Comenta: “Para el reparto, busqué una gama de actores con toda clase de dotes interpretativas diferentes. No se puede elegir solamente un tipo de actores”. Los realizadores también poblaron conscientemente a las cuatro naciones con diferentes etnias.
El epicentro de ese mundo es Aang, el Avatar, y la búsqueda del joven intérprete adecuado duró seis meses y abarcó un amplio territorio. Cuando los realizadores recibieron un DVD de un joven campeón de artes marciales de Dallas, Texas, la buena fortuna y el destino coincidieron.
Noah Ringer había empezado a practicar taekwondo, el arte marcial y deporte nacional de Corea del Sur, a la edad de 10 años, y sus técnicas posteriormente le hicieron ganar diversos honores, entre ellos el título de Campeón Estatal de Texas de la Asociación Norteamericana de Taekwondo. Desde el principio, Noah empezó a afeitarse la cabeza para mantenerse fresco mientras entrenaba. Cuando sus amigos y su instructor, todos fans de la serie animada, observaron lo mucho que se parecía al héroe de la televisión, empezaron a llamar a Noah con el apodo de “Avatar”. Intrigado, empezó a ver la serie en DVD, y se sintió muy identificado con las trepidantes secuencias de acción de artes marciales.
Cuando se anunció que Paramount estaba llevando a cabo un casting internacional para el reparto de “Airbender: El último guerrero”, Noah (animado por su instructor de taekwondo) grabó una prueba en un DVD, pintándose incluso la característica flecha azul de su personaje en su cabeza ya afeitada.
“Noah es Aang. No hay que darle más vueltas. Desde el momento en que vimos su prueba en video, pudimos ver la sinceridad en sus grandes ojos castaños”, dice Shyamalan. “Está entregado a su oficio y se preocupa mucho y quiere trabajar más cada día. Su disciplina es insólita en un hombre tan joven”.



Añade el productor Frank Marshall: “Desde el principio, Noah tenía una cualidad como muy zen, y eso es exactamente lo que buscábamos para este personaje”.
Al tener que combinar la interpretación y su dominio de las artes marciales, Noah dice: “Night me ayudó mucho a sentir el foco y a trasladar ese poder y esa energía a mi interpretación, algo me ayudará siempre el resto de mi vida”.
En toda historia emocionante del ‘bien contra el mal’, todo el mundo sabe que hay que contar con un gran villano. Así que era clave encontrar a alguien a la altura de Ringer para el papel del príncipe Zuko…
Recién salido del aparentemente inesperado éxito de la oscarizada “Slumdog millionaire”, su protagonista, Dev Patel, estaba buscando un papel lo más diferente posible de Jamal, su personaje en “Slumdog”. Mientras publicitaba esa película independiente, Patel envió un video para el papel del príncipe, y más tarde recibió ‘la llamada’ de Shyamalan, ofreciéndole el papel.
Dice Shyamalan: “En realidad, la vulnerabilidad es la armadura de Zuko. Lo más encantador de Dev Patel es su vulnerabilidad. Dev era un hombre-niño cuando le dimos el papel, la combinación perfecta de ira y compasión”.
Interviene Patel (quien vio “Airbender” en los ratos libres durante el rodaje de “Slumdog”): “El príncipe Zuko se debate entre su pasión y su lucha por recuperar su honor ante los ojos de su padre. Siempre me encantó la historia, porque tiene mucha lecciones que enseñar, y siempre he sido un gran fan de Bruce Lee, así que por supuesto me encantó todo el tema de las artes marciales de la serie de animación”.
Cuando Ringer y Patel se conocieron el primer día de rodaje, se forjó un respeto mutuo al instante. Según Patel: “Vi a ese chico de 12 años llegar a aquel inmenso plató, y quedé sorprendido al ver que era sencillamente inquebrantable. Su formación en artes de marciales le había dado realmente la firmeza y determinación suficientes para acometerlo, sin importarle el desafío”.



Al igual de que Ringer, la joven actriz Nicola Peltz también había decidido presentarse al casting para un papel en la próxima película de Shyamalan, y la llamaron para que leyera el papel de la guerrera del Agua Katara, y más tarde le ofrecieron el papel. Peltz se había familiarizado mucho con el personaje, habiendo visto asiduamente la serie con sus dos hermanos gemelos más pequeños.
Igual que las hijas de Shyamalan, las chicas de todo el mundo admiran a Katara y su fuerza como mujer joven. Dice Peltz: “Es un estupendo modelo de referencia para las chicas. Cualquier cosa que se proponga, la hará, es muy fuerte física y mentalmente”.
Con sus padres ausentes, Sokka, el hermano mayor de Katara, acepta gustosamente el papel de protector. Aunque Sokka no tiene poderes de control sobre los elementos, aún así posee el espíritu de un verdadero guerrero. Siempre que Katara se vea amenazada, se pondrá instantáneamente en acción con su bumerang o con una lanza. Para el papel fue elegido Jackson Rathbone, famoso por “Crepúsculo”, quien le aporta una corporeidad meditabunda al papel.
Dice Shyamalan: “En la película hice a Sokka con más fundamento, así que, aunque hay humor, él no es el alivio cómico. Eso le dio a Jackson una gama mayor con la que interpretar, y durante el transcurso de la película, realmente se puede ver crecer a Sokka”.
Además del viaje que emprenden él y su hermana, el personaje de Sokka experimenta también un viaje emocional al conocer a la princesa Yue, interpretada por Seychelle Gabriel, y enamorarse de ella. Dice Rathbone: “En cierto modo, Sokka es un aldeano de la Tribu del Agua del Sur, y va a la gran ciudad de la Tribu del Agua del Norte, en donde conoce a esa bella y sofisticada princesa. Su relación le enseña muchas cosas, y él crece mucho”.
El viaje del príncipe Zuko está motivado por los deberes de su familia. Después de ser avergonzado en combate, Zuko ha sido condenado al ostracismo por su padre, el Señor del Fuego Ozai (interpretado por Cliff Curtis). Zuko está decidido a recuperar la estima y el amor de su padre. Zuko es ayudado por su tío Iroh (interpretado por Shaun Toub), un ex-general veterano de muchas guerras, que ejerce de mentor y confidente del joven príncipe.



La Nación del Fuego manda y está dirigida por la fuerza militar, así que no es de extrañar que, a nivel personal, rija la misma filosofía de “quien tiene el poder tiene la razón”. El deber de los fuertes es apartar a los débiles y tomar el control. Considerándose a sí mismo mejor jefe que Zuko, el comandante Zhao (interpretado por Aasif Mandvi) está decidido a ocupar el puesto del príncipe caído en desgracia, y hará cualquier cosa con tal de ganarse el favor del Señor del Fuego.
Para completar el reparto con los miembros de las cuatro naciones, se hicieron convocatorias de castings por toda la Costa Este de EEUU buscando actores a los que se requería que dominasen una serie de técnicas de diversas disciplinas: artes marciales, formación militar, baile, gimnasia. Se hicieron convocatorias para actores de todos los grupos de edad, incluidos niños (desde los seis hasta los quince años).
Los hombres que parecían de Oriente Medio, hindúes, mediterráneos e italianos, fueron fichados como soldados de la Nación del Fuego. Una mezcla de hombres, mujeres y niños con rasgos coreanos, mongoles, japoneses y africanos fueron contratados como los ciudadanos del Reino de la Tierra que viven bajo el dominio de la Nación del Fuego. De igual modo, cientos de hombres, mujeres y niños con rasgos anglosajones fueron contratados como los aldeanos de las Tribus del Agua del Norte y del Sur.
En total, se emplearon más de 6.000 actores para construir el mundo de “Airbender: El último guerrero”.





Dominando el arte del control
Una vez que a Noah Ringer le dieron el papel de Aang, sólo tenía alrededor de un mes para entrenarse, es decir, como actor. Se quedó sorprendido al ver cuánto tienen en común la disciplina de la interpretación y la práctica de las artes marciales. Observa Ringer: “En taekwondo, escuchas a tu instructor y luego respondes. Lo mismo haces en la interpretación con tu director”.
Ringer se entrenó con el departamento de especialistas durante un par de meses antes de comenzar el rodaje, incorporando sus movimientos de artes marciales en complicadas y coreografiadas secuencias de lucha. Dice Shyamalan: “Noah tiene una forma de añadirle poesía a sus movimientos sin perder, al mismo tiempo, su ‘sensibilidad Aang’. En el plató, teníamos que pellizcarnos para creer que no sólo era su primera película, sino la primera vez que actuaba. Yo le desafiaba cada día para ver la integridad de su interpretación, y él me venía con ideas e interpretaciones de su propia cosecha. Tiene un instinto competitivo que le hace querer ser el mejor en cualquier cosa que haga”.
Nicola Peltz había jugado al hockey sobre hielo durante muchos años, y estaba pensando dedicarse profesionalmente a ello antes de tomar la decisión de dedicarse a actuar. Sus dotes atléticas le vinieron muy bien a la hora de entrenarse para el papel de Katara, lo cual incluía un régimen de entrenamiento en artes marciales que comenzó cinco meses antes de que empezara el rodaje.
Dice esta oriunda de Nueva York: “Empecé a entrenar por mi cuenta en Brooklyn y aprendí kung-fu, que es un estilo de arte marcial que consiste en utilizar la fuerza contra la fuerza. Luego, un par de meses antes de que empezáramos el rodaje, fui a Filadelfia y empecé a practicar taichi, y luego a elaborar la coreografía de las escenas de lucha junto a Noah y Jackson”.
Nicola centró la mayor parte de su entrenamiento en el taichi chuan, un arte marcial con un estilo más suave y lento y unos movimientos fluidos. El taichi utiliza la energía interna para proporcionar calma y claridad mental, y es el estilo elegido por la Tribu del Agua para controlar su elemento.





Cuatro ‘naciones’ cinematográficas unen sus fuerzas: artes marciales, escenas con dobles, efectos visuales y efectos especiales
Shyamalan ha sido siempre un gran fan de las artes marciales y de las películas de artes marciales. “Soy un fanático de las artes marciales. Soy uno de esos que tienen una estatua de Bruce Lee en el despacho y que han visto ‘Operación dragón’ decenas y decenas de veces”.
Aunque los protagonistas Noah Ringer y Dev Patel tienen sendos cinturones negros de taekwondo, el estilo de arte marcial de Corea, iban a tener que trabajar para transformar sus movimientos, para que coincidiesen con los que se necesitaban para la película. El mundo de “Airbender: El último guerrero” utiliza el arte marcial chino conocido como wushu, que incorpora varios estilos de lucha.
En la serie original de animación, se utilizaban cuatro estilos de wushu para diferenciar los cuatro tipos de control de los elementos: baguazhang para el control del aire, taichi para el control del agua, hung ga para el control de la tierra, y kung-fu shaolin del norte para el control del fuego. La película utiliza los mismos estilos, y los actores y sus dobles pasaron meses entrenándose antes de empezar el rodaje. El director incluso le hizo ver a Aang la película de Bruce Lee “Operación dragón” como referencia.
Hay miles de clases de wushu diferentes, y es la forma en la que se ejecutan los movimientos la que determina el estilo. Se podría establecer un paralelismo con cantar. Hay muchos estilos (rock, pop, jazz) que se consideran como cantar, pero es la forma en la que se canta la canción la que determina de qué estilo es.
Patel recuerda: “Cuando yo era pequeño, tenía una increíble cantidad de energía en el colegio, y siempre me estaba metiendo en líos. Así que mis padres me apuntaron a clases de arte dramático, y también a algunas clases en una academia de taekwondo. Practiqué artes marciales durante ocho años, y al final me convertí en cinturón negro de kárate. ¿Quién iba a decir que algún día iba a poner en práctica mis habilidades?” El joven actor recuerda un cartel en la pared de la academia de artes marciales donde entrenaba: Las artes marciales no son sólo lucha, son una manera de vivir.



Si es que ya no lo eran, ciertamente se convirtieron en una manera de vivir para muchos de los miembros del reparto y el equipo de “Airbender: El último guerrero”… al menos durante unos cuantos meses.
Y con independencia de lo expertos en artes marciales que fueran los miembros del reparto, aún así tenían que recurrir al equipo de dobles. Cuando la acción resultaba ser demasiado fuerte para los actores principales, acudían en su ayuda los 61 miembros del equipo de especialistas, así como un amplio equipo de dobles, actores, y un entrenador de wushu. Además, más de 90 de los extras contratados ya tenían experiencia en artes marciales, y fueron posteriormente entrenados por el equipo de especialistas.
Habberstad y su equipo ensayaron las secuencias de lucha durante cuatro meses antes del rodaje. Las luchas escenificadas eran más bien como bailes: coreografiadas hasta el menor movimiento, tendrían que ser interpretadas con un ritmo y una precisión exactos. Dice Jeff Habberstad: “Estuvimos en el escenario haciendo trabajo de base, y luego pasamos a utilizar cables. Nunca antes habíamos hecho algo así, y reunimos a los mejores dobles del sector. No podíamos hacer concesiones en cuanto a la calidad o la estética. Todo tenía que ser perfecto, y perfectamente seguro”.
Incluso con todos los actores clave realizando un entrenamiento en artes marciales, las escenas más peliagudas y complicadas requerían utilizar dobles. Cada actor tenía un doble, excepto Noah Ringer… que tenía dos.
Las expertas especialistas Karine Mauffrey y Jade Quon trabajaron incansablemente para crear las secuencias de lucha con control del aire y del agua aparentemente sin esfuerzo por parte de Aang. Karine, acróbata durante cuatro años en el Cirque du Soleil, le aportó estilo y gracia a los movimientos de Aang. Jade, experta en artes marciales y gimnasia, se encargó con fuerza de los grandes movimientos de Aang y del trabajo con el cable (un arnés especial permitía a Jade dar vueltas y girar simultáneamente en el cable).
El equipo de especialistas utilizó un programa informático llamado Navigator, que pre-programaba el trabajo con el cable midiendo los detalles en una cuadrícula, y mostraba la velocidad del desplazamiento en una gráfica. Manejado por dos técnicos, esta precisa exactitud se activaba pulsando una tecla, ofreciéndoles la posibilidad de replicar perfectamente la escena infinidad de veces. Si hacía falta algún ajuste, el ordenador también lo podía hacer. Esta increíble combinación de tecnologías dio a los especialistas la capacidad de ‘volar’ suspendidos de un cable de acero de poco más de medio centímetro de ancho.




Dice Shyamalan: “Hay varios momentos álgidos en la película en los que Aang sorprende a sus enemigos y combate contra ellos sin ningún esfuerzo. Incluso aunque sabemos que su lucha interior es fuerte, sigue siendo capaz de mantener a raya a sus atacantes utilizando su visión periférica, y queda casi como un movimiento de ballet. Hay momentos clave en la película en los que espero que cada niño y cada adulto de entre el público se digan a sí mismos: ‘¡Ojalá yo pudiera hacer eso!’
Realmente fue cosa de uno para todos y todos para uno el llevar a cabo las complejas escenas de lucha: cada director de departamento tenía que trabajar en equipo con los otros para realizar algunas de las labores más complejas. “Fue un descubrimiento afortunado durante el rodaje de la acción más potente”, dice Shyamalan. “Todo el mundo se nutría de los demás hasta que conseguíamos el resultado que nos dejaba satisfechos”.
Otro departamento igualmente importante para la magia en pantalla era la sección de efectos visuales, dirigida por el supervisor de efectos visuales Pablo Helman. Su equipo de Industrial Light & Magic resultaría ser clave a la hora de crear el mundo de fantasía de “Airbender: El último guerrero”, comenzando por la pre-visualización animada creada meses antes del rodaje.
Y meses después, cuando las cámaras dejaron de grabar, comenzó de nuevo el trabajo de ILM. La agenda de posproducción incluía seis meses para introducir todos los planos con efectos visuales, y otros cinco meses para perfeccionar todos los detalles del inmenso lienzo de Shyamalan.
Explica Helman: “Tuvimos un período bastante largo de investigación y desarrollo para determinar exactamente lo que sería en ‘control de los elementos’, y qué aspecto tendría. Lo que sabíamos era que, para que funcionara, tenía que ser orgánico. Tenía que parecer creíble, pero también tenía que tener la capacidad de meterte en un mundo de fantasía en donde podía suceder cualquier cosa, tenía que tener emoción”.
Añade Shyamalan: “Queremos que todo el mundo crea que el control de los elementos es real. Ese control debe ser una extensión de las cualidades humanas, una capacidad que se controla con el chi, y el chi puede manipular el elemento”.



Pero harían falta los efectos visuales para hacer muchas más cosas que ‘controlar’: se necesitarían para hacer un ‘maquillado en profundidad’ en la creación, embellecimiento y ampliación de los entornos. Shyamalan admite: “Las imágenes generadas por ordenador eran para mí un fastidio, y ahora, tras utilizarlas en esta película, comprendo que son una herramienta narrativa emocional”.
“Airbender: El último guerrero” marcó también la diferencia con el proceso de rodaje habitual de Shyamalan. En sus películas anteriores, no entró en la sala de montaje a editar hasta que la película estuvo terminada. Pero en “Airbender: El último guerrero”, comenzó a montar durante la producción. Entonces, podía enviar las escenas montadas a ILM para que comenzaran su trabajo por ordenador.
Siempre que fue posible, se construyeron platós para el rodaje en lugar de basarse en el uso de la pantalla verde. Dice Helman: “En efectos visuales siempre preferimos poner algo para que el actor actúe y reaccione ante ello. Entonces partimos desde ahí”.
ILM hizo mucho más que crear y ampliar los entornos. También se les pidió que crearan unas criaturas asombrosas que sólo podían existir en un universo en el que un puñado de personas pueden controlar los elementos. Entre esos seres están Appa, un bisonte con seis patas, que mide 5 metros de alto y 4 de ancho, y que vuela por los aires con un movimiento inspirado en los manatíes y los ornitorrincos; Kimo, el rinoceronte de la Nación del Fuego, un animal de combate, con una longitud de más de 10 metros (contando la cola) y de casi 6 metros de alto; el lémur murciélago Momo, al que le encanta la fruta, y el Espíritu del Dragón, que se aparece para guiar a Aang en su peligroso viaje. Todas esas criaturas, sin excepción, cobraron vida en el plató. A veces no eran más que un punto en el que los actores se podían centrar, estableciendo un sitio donde mirar, o una simple silla donde se podían sentar y simular que ‘cabalgaban’ sobre el animal.
Para el trabajo de crear efectos durante el rodaje real, Shyamalan recurrió al equipo de efectos especiales, dirigido por Steve Cremin, quien ha colaborado con Shyamalan en todas sus películas anteriores.
Una de las principales tareas de Cremin era crear fuego, lo cual parece bastante fácil pero, al ser el arma predominante de la Nación del Fuego, el fuego en el guión de Shyamalan tiene que hacer muchas cosas. Cremin utilizó principalmente tubos de gas (cuyo aparejamiento es muy complejo), pero además creó escombros ardientes, llameantes bolas de fuego, antorchas y, por supuesto, humo. Casi todos los tipos de fuego aparecen en la secuencia en la que Aang y Zuko se encuentran cara a cara. Dentro de un plató circular, los actores y los especialistas iban atados a cables para subirse por las paredes entre las explosiones (que se producían gracias a unos botes llenos de petardos, unidos con cables a un detonador fuera de la vista de la cámara).
De hecho, siempre que Zuko mantiene un combate cuerpo a cuerpo, está rodeado por un círculo de fuego. Para conseguir el principio del control del fuego, se montó un cable a través del plató y se le prendió fuego. Dice Patel: “Es un subidón de adrenalina, esa bola de fuego pasando justo junto a mi cara. En la lucha con Aang, yo hacía una patada con giro, y tan pronto como extendía la pierna, uno de los tipos de los efectos especiales pulsaba una tecla, haciendo que pareciera que una llama salía de mi pierna. Luego lo enfocaba sobre uno de los botes y lo hacía estallar en pedazos. Destrucción y fuego, todo en uno”.
Pero, al igual que a Aang, a Cremin le pidieron que controlase algo más que el fuego: utilizando de todo, desde sistemas hidráulicos hasta mangueras de aire, pasando por el agua en todas sus formas, ¡por no decir las rocas en movimiento!, el equipo de efectos especiales podía además proporcionar un control instantáneo del aire, la tierra y el agua, ¡ofreciéndoles a los actores y los dobles bastantes cosas ante las cuales reaccionar!





El diseño de “Airbender: El último guerrero”
La transformación del diseño de la serie de “Airbender: El último guerrero” en un largometraje comenzó en noviembre de 2007, cuando los productores ejecutivos (y coautores de la serie) DiMartino y Konietzko entregaron todas sus viñetas y dibujos de la serie al director artístico Philip Messina. Buscando expandir ese mundo desde la pequeña hasta la gran pantalla, Messina y su departamento artístico comenzaron a buscar referencias. Buscando en toda clase de cosas, desde revistas de viajes e historia hasta revistas de sociología, pasando por libros dedicados a lenguas muertas, empezaron a compilar lentamente un manual de sus propias ilustraciones originales. Desde China al norte de África pasando por la India, e incluso por la época medieval, Messina no descartó nada que pudiera inspirarle durante el proceso de diseño. Más tarde, el trabajo conceptual original de Messina para cada escenario ejerció como referencia principal durante toda la producción.
Messina, que trabajó como director artístico con Shyamalan en “El sexto sentido”, dice: “Tenía que pensar cómo eran los integrantes de cada nación. Desde los extintos Nómadas del Aire pasando por la grandiosidad de la Tribu del Agua del Norte, en contraste con los Aldeanos de la Tierra, que eran más orgánicos, hasta la industrializada Nación del Fuego. El diseño de las naciones fue como el de las cuatro piezas de un rompecabezas. Cada vez que cambiaba una de ellas, otra se veía afectada. Quería hacerlas conjuntadas entre ellas, y hacer que parecieran coherentes, y a la vez sumamente distintas”.
Un año antes del rodaje, Messina estaba listo para trabajar con un departamento entero, artístico y de construcción, de más de 250 artesanos. El director artístico colaboró estrechamente con la diseñadora de vestuario Judianna Makovsky, la encargada de peluquería y maquillaje Ivana Primorac y el director de fotografía Andrew Lesnie. Juntos, decidieron coordinar todas las decisiones del diseño, desde un botón hasta una peluca, pasando por determinados planos, para que ningún detalle fuera pasado por alto.





Cuatro naciones, muchos mundos
Probablemente el mayor reto de diseño estribaba en la fortaleza de la Tribu del Agua del Norte (T.A.N.). La impresionante estructura (que tenía que parecer como si estuviera hecha enteramente de hielo) es el escenario del último tercio de la película, en donde tiene lugar el sitio de la fortaleza por parte de los soldados de la Nación del Fuego (utilizando a más de 400 figurantes en las secuencias de combate). Dice Messina: “El plató de la T.A.N. fue el más difícil de diseñar. Básicamente, es un entorno que se encuentra en uno de los casquetes polares. Uno tiene que empezar por preguntarse: ‘¿Cómo vive esa gente?’ Asumimos la idea de que eran uno con su entorno, y de que vivían en ese clima extremo por decisión propia”.
Messina diseñó el plató de la T.A.N. con muchas influencias islámicas, hindúes y turcas en mente. Utilizando más de 200 trabajadores, la construcción del enorme plató tardó casi cuatro meses en completarse, y se fue elevando lentamente desde el suelo de un hangar para aviones del tamaño de dos campos de fútbol juntos. Para reforzar la sensación de estar labrado en hielo, el plató fue cubierto con miles de litros de un polímero teñido de gris y azul, recubierto todo con nieve hecha de sulfato de magnesio.
Para los escenarios crudos y naturales de la aldea de la Tierra, una cantera de rocas proporcionó el entorno perfecto para construir los platós de exteriores. Los diseñadores adaptaron los colores del suelo, las rocas y los alrededores a su paleta. Se construyeron unas tiendas primitivas con los troncos de un bosque cercano, y el pueblo adquirió el aspecto de un campamento nómada beduino.
Mientras inspeccionaban la cantera en busca del escenario para la prisión de la aldea de la Tierra, a Messina le sorprendió agradablemente encontrar un equipamiento industrial preexistente justo en el medio de ese espacio. “En lugar de luchar contra ello, pensamos que podríamos incorporarlo a nuestro plató. La enorme torre y la maquinaria de la cinta transportadora parecían pertenecer al mundo arcaico e industrializado de la Nación del Fuego”. Un par de puertas empotradas de acero y una pasarela después, la dificultad para el diseño se transformó en un recurso.
El diseño de la ambiciosa Nación del Fuego (envueltos en furiosos rojos y ominosos negros) es único y diferente a la estética de las otras naciones… y por una razón muy concreta. Dice Messina: “Mike y Bryan, los coautores de “Airbender”, me recordaron que la Nación del Fuego empezó como un pueblo tribal, al igual que los otros. Resultaba demasiado fácil encasillarles como los tipos malos. Pero, a medida que el imperio fue creciendo gracias a la industrialización, también creció su poder”. El diseño resultante de Messina recuerda a la Norteamérica del principio de la industrialización, mezclado con elementos de la cultura japonesa antigua.
Probablemente el mejor ejemplo de ello sea el Comedor de la Nación del Fuego, en donde el príncipe Zuko es humillado delante de sus compañeros de armas de la tribu. El salón se construyó en el interior de una antigua planta eléctrica. Cerrada desde hace más de 25 años, la planta le ofrecía a Messina un sinfín de cañerías a la vista y de paredes desconchadas. El director artístico vio imágenes de Japón en la época de los shoguns y de China bajo el dominio comunista, y las incorporó al diseño del comedor.
Cuando empieza la película, los Nómadas del Aire ya han sucumbido ante la campaña militar de la Nación del Fuego, así que Messina ya sabía que los escenarios de esa antaño poderosa nación estarían en su mayor parte en ruinas. Recurrió a los antiguos templos de Camboya para muchas de las referencias que inspiraron el diseño del Templo del Aire del Norte. El Templo es escenario de un enfrentamiento entre Aang, el Espíritu Azul y un escuadrón de soldados de la Nación del Fuego. El Templo se construyó en unos estudios de sonido del norte de Filadelfia, y aunque parece estar hecho totalmente de piedra, se añadió caucho a la estructura para proporcionar a los especialistas un sitio más blando sobre el que caer.



Estaba claro que cuatro naciones, que habitaban en climas diferentes, no podían llevar la misma ropa, así que la diseñadora de vestuario Judianna Makovsky y su equipo crearon una estética distinta para cada nación. En total, para “Airbender: El último guerrero” se diseñaron y elaboraron más de 1.800 trajes y armaduras y unos 50 pares de botas y zapatos. Makovsky extrajo de la serie de “Avatar” las gamas de colores, las formas y los diseños, y los trasladó al mundo real.
Las cuatro civilizaciones resultantes quedaron finalmente como una mezcla de diversas etnias y culturas, evitando la especificación cultural. Cada una tenía una gama diferencial de diseño y colores. Los aldeanos de la Tribu del Agua del Sur iban vestidos con apagados tonos azules, marrones y grises, con toscos rebordes de piel de imitación. La más sofisticada Tribu del Agua del Norte aparece envuelta en vibrantes azules, púrpuras y grises, utilizando tejidos más ricos con rebordes de piel de aspecto lujoso. Los presos de la Nación de la Tierra llevan amplios ropajes con toques de color y diseño de los antiguos vestidos coreanos y chinos. Y los soldados de la Nación del Fuego van vestidos de rojos, negros y dorados, con sus arneses y escudos que recuerdan a los guerreros de las culturas de Japón, Rusia y Mongolia.
Además de los cientos de maquillajes y pelucas creados y elaborados por la producción, dos “estéticas” características requirieron una colaboración especial entre Shyamalan, Makovsky y la diseñadora de peluquería y maquillaje Ivana Primorac. Para la cicatriz facial del príncipe Zuko, el equipo empleó un maquillaje protésico para crear una quemadura cicatrizada, que parece como si las llamas hubieran lamido el rostro del príncipe. El diseño básico fue posteriormente estilizado hasta que casi parecía, según Makovsky, “las llamas del lateral de un coche tuneado”. La característica flecha azul que adorna la frente de Aang fue creada por un artista del tatuaje de Nueva York y está hecha de puntos, casi como un encaje. Teniendo presente que la marca no distrajera ni resultara apabullante (y para evitar cualquier símbolo o grafía reconocibles), Primorac y el artista del tatuaje desarrollaron un alfabeto entero creado a partir de una amalgama de muchas cosas, desde la caligrafía de los indios americanos, la tailandesa y la japonesa, hasta los símbolos de la alquimia y del Mandala tibetano. El equipo obtuvo al final la flecha definitiva, que fue dibujada con una plantilla utilizando maquillaje verde azulado. Ese color se parece al de la tinta de un tatuaje que hubiera experimentado el paso del tiempo.
Independientemente de cuántos maestros del Fuego pudieran tener en primera línea, los soldados de la Nación del Fuego iban a seguir necesitando armamento. Para ello, Messina trabajó con el encargado de utilería. Idearon diseños para diversas espadas, lanzas y alabardas (antiguas hachas de combate) basadas en armamentos y armaduras de la época antigua y medieval.





En exteriores: partida hacia Groenlandia
A pesar de su bucólico nombre, la mayor parte de Groenlandia es un paisaje congelado. Con el inicio de la fotografía principal, la producción partió hacia la diminuta y ya inspeccionada población de Ilulissat, en Groenlandia (literalmente, el nombre del pueblo significa “iceberg”). Allí se filmarían todas las escenas de Katara, Sokka y la aldea de la Tribu del Agua del Sur.
Llegar hasta el punto de ir a filmar a Groenlandia demuestra definitivamente el compromiso de los realizadores con la autenticidad. Al lugar sólo se puede acceder en avioneta, y las temperaturas durante el rodaje a menudo caían bastante por debajo de cero. Aún así, al poder captar las impresionantes vistas de las colinas cubiertas de nieve recortándose sobre radiantes cielos azules y un mar cuajado de icebergs, todos los esfuerzos merecieron la pena.
Dice el productor Sam Mercer: “Nos parecía muy importante que el principio de la película pareciese el comienzo muy real de un viaje. Vinimos a Groenlandia porque no hay ningún otro lugar así en el mundo. Es un paisaje único con icebergs, agua y glaciares, todo en el mismo lugar”.
El productor Frank Marshall (quien ya había filmado anteriormente aquí) dice: “Una de las mejores cosas de esta localización para los actores es que se encuentran entre los elementos de verdad, así que sus interpretaciones son auténticas. Son capaces de reaccionar de una forma natural y normal ante el hecho de estar en temperaturas bajísimas. Cuando necesitamos una localización que exigía hielo, icebergs y ningún árbol, supimos exactamente adónde ir”.
Puesto que nada podía dejarse al azar, se repasaron detenidamente todos los detalles. Continúa Mercer: “Después de las dificultades para transportar nuestro equipo por barco en enormes contenedores desde EEUU, elaboramos una larga lista de comprobaciones para todos los departamentos que lo cubría todo, desde cómo mantener caliente a la gente mientras trabajaba, hasta cómo evitar que las cámaras se congelaran”.
Así que los realizadores, los actores y el equipo (a quienes se pidió que “llevaran un poco de paciencia” en la maleta) se aventuraron hasta Ilulissat para los nueve primeros días de rodaje de “Airbender: El último guerrero”. Todo el elenco, el equipo técnico y la maquinaria fueron transportados en helicóptero hasta remotas localizaciones en los alrededores de Ilulissat. Para aprovechar al máximo la localización, se rodaron escenas en múltiples lugares, desde la superficie de un lago helado hasta tambaleándose sobre un casquete de hielo.
La localización principal mientras estuvieron rodando en Groenlandia fue la Aldea de la Tribu del Agua del Sur, construida sobre el agreste fondo de icebergs que flotan en la Bahía Disco. La construcción comenzó dos meses antes de la fotografía principal, y el director artístico Messina recuerda: “Ninguno de nosotros había construido nunca algo así en un entorno extremo. Las brochas se congelaban antes de aplicar el primer brochazo”. En total, el equipo sumaba unas 150 personas, y estaba compuesto por trabajadores de EEUU, Groenlandia y Dinamarca.



La aldea estaba formada por 11 estructuras tipo iglú de tamaño natural, que habían sido modeladas en fibra de vidrio en Filadelfia, transportadas por piezas y ensambladas sobre el terreno. El plató se decoró con pieles de animales, cacharros, tambores hechos a mano, pescado y redes facilitadas por los lugareños. Se incorporaron unas antiguas canoas de madera, cortesía del museo local de Ilulissat. Irónicamente, en los descansos entre las tomas, los iglús cubiertos de nieve servían para calentar a los actores, gracias a la presencia de radiadores portátiles en su interior.
El plató se construyó en una finca estatal protegida por el Patrimonio Mundial de la UNESCO, lo cual implicaba ciertas normas y obligaciones que había que acatar. Por ejemplo, al departamento artístico no se le permitía tocar el suelo con ninguno de sus materiales de construcción, así que todas las estructuras estaban ancladas a la gruesa capa helada que había sobre el suelo.
Además de la aldea donde viven Katara y Sokka, el rodaje se realizó también frente al extraño globo helado donde la pareja descubre a Aang. Ese plató se construyó mayormente con nieve reforzada con poliestileno.
Se podría esperar alguna carencia tecnológica en un lugar tan remoto, pero no fue ese el caso. Justo antes de la llegada del equipo de filmación a Ilulissat, Tele-Post de Groenlandia instaló un cable de Internet de alta velocidad que recorría miles de kilómetros bajo el mar. Esa tecnología era capaz de transmitir escenas ya rodadas (que entonces eran procesadas en Copenhague), y enviarlas de vuelta por el cable de Internet hasta los ordenadores de los realizadores. Entonces se podían ver diariamente las escenas en las confortables oficinas de la producción en el Hotel Ártico.
La necesidad es la madre del ingenio, y todos los departamentos tuvieron que adaptar sus costumbres habituales para que encajasen en aquel clima extremo. Ivana Primorac adoptó la costumbre local de secarse en el exterior, pese a las temperaturas bastante por debajo de cero, pues las pelucas mojadas se helaban enseguida, y cuando se les quitaba el hielo, debajo aparecía la peluca seca. Había que tomar precauciones adicionales al aplicar piezas de pelo (que a menudo se humedecen a causa del contacto con la piel): había que secarlas todas completamente antes de ponerlas, para evitar que la pieza se helara y se pegara a la cabeza del actor. Se hicieron moldes de las manos de los actores, y se les pusieron las fundas de látex como guantes para aumentar la calidez. Se fabricó y se pintó una gorra color piel para Noah Ringer, para proteger su cabeza afeitada durante los planos largos. A los actores les pusieron capas extra de ropa interior de seda, y los trajes se reforzaron con materiales polares de alto rendimiento. Los zapatos se fabricaron con suelas acolchadas y plataformas, para evitar que los pies de los actores entraran en contacto directo con el hielo.
Pese a las dificultades de rodar en un sitio tan exigente, el equipo de efectos visuales de Pablo Helman también descubrió ocasiones para la aventura. El valeroso equipo pasó varios días a bordo de una gran embarcación de pesca, filmando planos de fondo de enormes icebergs. Según Helman: “Los icebergs pueden volverse del revés sin previo aviso. Al departamento de efectos visuales le encantó cada minuto de la aventura”. También había una unidad aérea que filmaba los interminables paisajes desde el elevado punto de vista de un helicóptero.
Concluye Shyamalan: “El paisaje de Groenlandia nunca es el mismo. Está constantemente moviéndose y cambiando. Espero que hayamos captado algo de esa singularidad”.



Precisamente es ese paisaje (junto con las incontables horas de trabajo empleadas en construir el mundo de “Airbender: El último guerrero”) lo que resultará mágico para el público. Explica Dev Patel: “La película tiene la auténtica estética de la evasión, de esa en la que puedes simplemente ir al cine y que te lleven a un mundo diferente durante un par de horas. Hemos creado esa tierra de cuento de hadas con todas esas naciones diferentes, con todas esas criaturas fantásticas, y con gente manipulando todos esos elementos. Para mí, eso es una experiencia muy emocionante”.

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Al crear el viaje de Aang, Shyamalan no sólo le ofrecía una odisea al eventual espectador, sino también un viaje de una naturaleza más personal. Dice el realizador: “’Airbender: El último guerrero’ está hecha con la intención de ser una película de verano entretenida y repleta de acción, pero en el fondo, trata de ciertos temas serios, como la dominación de una raza sobre otra, y el equilibrio, y la conexión con el planeta, y todas esas cosas que me interesan y que ya se han visto en mis otras películas. Todo este proceso ha sido una experiencia que me ha hecho crecer mucho, no sólo como director sino como ser humano, porque soy un obseso total del control, y cuando se tienen tantos matices en una película como los que tenemos en ésta, tienes que admitir que no puedes controlar cada aspecto de una escena. Hacer eso me hizo retroceder un poco y convertirme de nuevo en un estudiante. Y siempre que te puedas convertir de nuevo en un estudiante, ésa es la forma de hacerlo”.
Concluye Shyamalan: “Esta película es sólo el principio, pues se trata en realidad de una historia uniforme y larga. Aang tiene que dominar los cuatro elementos y, finalmente, alcanzar la serenidad. Nació ya con uno de ellos, el Aire, pero aún tiene que controlar el Agua, la Tierra y finalmente el Fuego, y eso cerrará nuestra trilogía. Con todo, sentí claramente que era importante hacer esta película”.
Paramount Pictures y Nickelodeon Movies Presentan Una Producción Blinding Edge Pictures / Kennedy/Marshall Company de Una Película de M. Night Shyamalan: “Airbender: El ultimo guerrero,” protagonizada por Noah Ringer, Dev Patel, Nicola Peltz, Jackson Rathbone, Shaun Toub, Aasif Mandvi y Cliff Curtis. Los efectos visuales y la animación son de Industrial Light & Magic. La música es de James Newton Howard. El coproductor es Jose L. Rodriguez. La diseñadora de vestuario es Judianna Makovsky. Ha sido montada por Conrad Buff, A.C.E. El director artístico es Philip Messina; el director de fotografía es Andrew Lesnie, ACS, ASC. Los productores ejecutivos son Kathleen Kennedy, Scott Aversano, Michael Dante DiMartino y Bryan Konietzko. “Airbender: El ultimo guerrero” está producida por Sam Mercer y Frank Marshall, y está basada en la serie “Avatar: The Last Airbender,” creada por Michael Dante DiMartino y Bryan Konietzko. La película está escrita, producida y dirigida por M. Night Shyamalan. TheLastAirbenderMovie.com





Acerca del reparto

Justo dos años después de que NOAH RINGER (Aang) comenzara a aprender taekwondo con 10 años de edad, consiguió su anhelado Cinturón Negro de Primer Dan en la Asociación Norteamericana de Taekwondo (A.T.A. en sus siglas inglesas). Noah ostenta actualmente el título de campeón estatal de Texas en su grupo de edad en cuatro categorías diferentes: Formas Tradicionales, Armas Tradicionales, Formas extremas de la A.T.A. y Armas Extremas de la A.T.A. Noah elabora sus propias rutinas Extremas-A.T.A., coreografiando sus movimientos, y eligiendo su propia música.
Ante la insistencia de su instructor de taekwondo, Eric Pechacek de la Carrollton ATA Black Belt Academy, Noah se presentó a la convocatoria del casting grabando un DVD para los realizadores de “Airbender: El último guerrero”, y se lo envió por correo a Paramount. Aunque no había actuado nunca, el talento natural de Noah para las artes marciales y su encantadora personalidad le valieron el papel protagonista de Aang. Afortunadamente, Noah no es ajeno a la interpretación, pues ha competido en más de 23 torneos de taekwondo por todo Estados Unidos. En febrero de 2008, Noah recibió el premio de “Competidor del Año” de la A.T.A. en la región de Texas, confirmando aún más su voluntad de alcanzar la excelencia en su especialidad.
Noah nunca había visto la serie animada de Nickelodeon “Avatar”, hasta que su instructor de taekwondo le prestó un DVD de la primera temporada. Noah y su madre se engancharon a la serie, y uno tras otro, consiguieron y vieron todos los DVDs de la trilogía entera. Cuando a Noah le dieron el papel, su instructor le compró un regalo, el conjunto completo de la serie de “Avatar”, para que se lo llevara a las localizaciones de Filadelfia y Groenlandia.
Además de su pasión por las artes marciales y por enseñar taekwondo, a Noah también le gusta el tenis, el ping-pong, el golf, el baloncesto y el esquí. En su tiempo libre, a Noah le gusta divertirse con sus amigos, y es un ávido lector. Noah, de trece años de edad, nació y se crió en Dallas, Texas, en donde vive actualmente con sus padres, dos perros pastores australianos y dos hámsteres.
Lo siguiente que va a hacer Ringer es un papel en el western de ciencia-ficción “Cowboys and aliens”.





DEV PATEL (Príncipe Zuko) hizo las delicias del público como Jamal, el desvalido protagonista de la película de enorme éxito “Slumdog millionaire”, que obtuvo ocho Óscars, incluido el de mejor película. “Slumdog millionaire” era la segunda interpretación de Patel: el público británico le conocía de la serie de culto de Channel 4 “Skins”, donde fue elegido para interpretar el papel de Anwar en una convocatoria de casting en la que participaron cientos de personas.
Además de su talento como actor, Patel es cinturón negro de taekwondo, y fue medalla de bronce en los campeonatos del mundo de 2004.
Dev tiene su hogar en Londres, Inglaterra.

Las grandes dotes interpretativas de NICOLA PELTZ (Katara) (así como su innato talento para los deportes) le consiguieron un papel en la novena película de M. Night Shyamalan, “Airbender: El último guerrero”. La experiencia de Peltz como jugadora de un equipo femenino de hockey, combinada con su amor por los deportes extremos, hacían de ella la elección perfecta para el papel de la Guerrera del Agua Katara, en el que las artes marciales son fundamentales.
Nicola realizó su debut cinematográfico en “Un vecino con pocas luces”, con Danny DeVito y Matthew Broderick.
Oriunda de Nueva York, protagonizó en teatro junto a Jeff Daniels y Alison Pill la producción ganadora de un premio Olivier de “Blackbird” en el Manhattan Theater Club. La obra fue dirigida por Joe Mantello (“Wicked”, “Assasins”), varias veces ganador de un premio Tonny.

JACKSON RATHBONE (Sokka) nació en Singapur y, a causa del trabajo de su padre, tuvo la suerte de vivir en diversos países por todo el mundo. De niño, vivó en sitios como Medan y Yakarta (Indonesia), Londres, Connecticut, California, Noruega y Texas, en donde finalmente se estableció su familia. Rathbone se unió inmediatamente al teatro público local, y fue aceptado dentro del programa de actores jóvenes, The Pickwick Players. Además de actuar, estuvo involucrado en muchas actividades extraescolares, entre ellas el baloncesto, atletismo en pista, fútbol, béisbol y el pasatiempo favorito de Texas, el rugby. Incluso fundó una banda y un negocio de discoteca móvil (después de la interpretación, la música es la mayor pasión de Rathbone). Después de compaginar tantas actividades, Jackson decidió quedarse con las que más le gustaban, la interpretación y la música.
Rathbone se mudó al noroeste de Michigan para asistir en otoño a la prestigiosa Interlochen Arts Academy en la asignatura de teatro. Llegó a apreciar el teatro clásico y se prodigó en obras de Shakespeare. El verano de su segundo año, actuó en el Southwest Shakespeare Festival en el papel de Ferdinand en “La tempestad”.
Tras graduarse en Interlochen, con planes para asistir a la Royal Scottish Academy en el otoño, decidió probar en Los Ángeles y la industria cinematográfica en verano, y firmó un contrato con Patch Mackenzie de la agencia Cutler Management, quien le envió a aprender interpretación cinematográfica con Jeremiah Comey. Resumiendo, consiguió un papel recurrente en “Disney 411”, entrevistando a estrellas del Disney Channel, y firmó un contrato con la agencia Paradigm.
Resuelto a emprender una carrera en el cine, Rathbone decidió quedarse en Los Ángeles en vez de asistir a la Royal Scottish Academy. Enseguida consiguió varios anuncios de televisión, junto con importantes papeles en televisión, en el telefilm de Hallmark “Close to home” y en las series “The O. C.” y “La guerra en casa”, entre otras. A continuación trabajó en largometrajes, en las películas independientes “Molding Clay” y “Pray for morning”. A continuación consiguió un papel fijo en la serie de ABC Family “Beautiful people”, y fue capaz de continuar con su actividad musical a través de Internet mientras filmaba en Toronto.
Rathbone fue elegido “Macizo” del mes por la revista Girl’s Life, y salió en Popstar y ELLE Girl. Aunque normalmente le dan papeles de protagonista, a Jackson también le gusta el reto de los personajes secundarios, como los que interpretó en los largometrajes “El gran Stan: El matón de la prisión” y “Senior skip day”.
Después de haber terminado el papel de Jasper Hale en la película de enorme éxito “Crepúsculo”, junto con el del protagonista de la película de terror “Dread”, apareció como artista invitado en las series “The cleaner” y “Mentes criminales”. Últimamente, ha aparecido en “Eclipse”, la tercera parte de la saga de “Crepúsculo”, de nuevo en el papel de Jasper. Próximamente, aparecerá en el drama “Truckstop”.
Jackson también ha fundado una productora, PatchMo Entertainment, junto con su manager, y su primer estreno se titula “Girlfriend”.
En su tiempo libre, Jackson escribe música. Ha tocado en The Gardenia en Hollywood y con su banda, 100 Monkeys, en clubs como The Mint y The Viper Room en sitios como Los Ángeles, San Francisco, Chicago, Vancouver y por todo EEUU. Jackson comparte un apartamento en Los Ángeles con el actor Ben Graupner, miembro de su banda y antiguo compañero de Interlochen.




SHAUN TOUB (Tío Iroh) apareció recientemente junto a Robert Downey Jr. en el gran éxito de taquilla de Paramount Pictures/Marvel Entertainment “Iron Man”, dirigida por Jon Favreau, interpretando al fiel amigo y científico YinSen, que le salva la vida a Tony Stark.
Toub posee una carrera polifacética. Su impresionante interpretación de Farhad en la oscarizada película de Paul Haggis “Crash” le valió un premio SAG al conjunto del reparto, un premio Satellite al conjunto del reparto, el premio Critics Choice, el premio del Hollywood Film Festival al conjunto del mejor reparto del año, el premio Artistic Freedom y el premio Vision. Recientemente, ha impresionado al público interpretando a Rahim Khan en “Cometas en el cielo,” dirigida por Marc Forster, que fue nominada al Globo de Oro a la mejor película, así como el papel de Joaquim, junto a Keisha Castle-Hughes, en la película “Natividad”, aclamada por la crítica.
Famoso por ser un actor versátil, Toub ha trabajado mano a mano con consumados actores, entre ellos Tom Hanks en “La guerra de Charlie Wilson”, Sandra Bullock en “Crash” y John Travolta en “Alarma nuclear”. Como actor cómico, brilló con fuerza en la película de Michael Bay “Dos policías rebeldes” junto a Will Smith y Martin Lawrence.
Sus otros títulos de crédito incluyen “Executive Decission”, “Maryam” y “Hot shots 2”. Además, Toub también ha trabajado en HBO, tanto en la película de Mick Jackson “Fuego sobre Bagdad,” protagonizada por Michael Keaton y Helena Bonham Carter, como en la controvertida “Path to Paradise: The Untold Story of the World Trade Center Bombing,” junto a Marcia Gay Harden. A menudo aparece en miniseries de televisión, últimamente en la serie de ABC nominada al Emmy ““The Path to 9/11”. Ha recibido diversos premios por varias de sus apariciones en más de 100 episodios de televisión, entre ellos “Seinfeld”, “Los Soprano”, “Urgencias”, “Dame un respiro”, “Nash Bridges”, “JAG” y ”Matrimonio con hijos”.
La variada carrera del actor ha abarcada más de 20 años de notables interpretaciones. Toub se crió en Manchester, Inglaterra. A los 14 años de edad se mudó a Suiza, y tras permanecer allí dos años, cruzó el atlántico para ir a Nashua, New Hampshire, para terminar su último año de universidad. Tras completar su educación en la USC, irrumpió en la escena de Hollywood con un memorable papel en la entrañable serie de televisión “Hunter”.
Toub está muy orgulloso de su ascendencia persa y es un activo miembro de esa comunidad. Mediante diversas obras benéficas y compromisos públicos, anima a la sociedad a acercarse al arte, pues el arte mejora la vida cotidiana.

AASIF MANDVI (Comandante Zhao) recibió en 1999 el premio OBIE por su espectáculo en solitario “Sakina’s restaurant”, aclamado por la crítica. Algunos de sus otros títulos de crédito en los escenarios neoyorquinos incluyen la reposición en 2002 en Broadway de “Oklahoma!”, “Guantanamo: Honor Bound to Defend Freedom”, “Homebody/Kabul”, “Suburbia”, “Trudy Blue” y “Speak Truth to Power”.
La considerable lista de títulos de crédito cinematográficos y televisivos de Mandvi incluye: el éxito mundial “La propuesta”, junto a Sandra Bullock y Ryan Reynolds, la comedia de DreamWorks “Ghost Town”, con Ricky Gervais, “The Understudy”, “Tú la letra y yo la música”, con Hugh Grant, la exitosa secuela “Spiderman 2”, “El color del crimen”, “Estado de sitio”, “Una terapia peligrosa”, la serie de HBO “Sexo en Nueva York”, “Sleeper Cell”, “Los Soprano”, “The Bedford Diaries”, “Oz”, “CSI: Crime Scene Investigation”, numerosos papeles como estrella invitada en las cuatro temporadas de “Ley y orden”, y “Tanner on Tanner”, dirigida por Robert Altman. Aasif apareció también en papeles recurrentes en las series “Jericó” y “Urgencias”. Mandvi fue coautor y protagonista del largometraje cómico “Today´s special”. Continúa con su racha como corresponsal favorito del programa de Comedy Central “The Daily Show with Jon Stewart”.
Lo próximo que va a hacer Mandvi es la adaptación cinematográfica a cargo de Focus Feature de la popular novela “It’s Kind of a Funny Story,” y una comedia, “Untitled Comedy”, compuesta por un conjunto de cortometrajes protagonizados por actores como Naomi Watts, Gerard Butler, Sam Rockwell, Anna Faris, Kate Winslet y Hugh Jackman.




CLIFF CURTIS (Señor del Fuego Ozai) es uno de los actores con mayor éxito de Nueva Zelanda, habiendo trabajado con directores tan célebres como Martin Scorsese, Michael Mann, David O. Russell, Danny Boyle, Frank Darabont, Jane Campion, Antoine Fuqua, Darren Aronofsky, Wayne Kramer, Roland Emmerich y Niki Caro.
Probablemente Curtis sea más conocido por su papel junto a la actriz nominada al Óscar Keisha Castle-Hughes en “Whale Rider”, y su papel protagonista fijo en la exitosa serie de NBC “Trauma”. Entre sus títulos de crédito se encuentran proyectos tan variados como la película de Weinstein Company “Territorio prohibido”, junto a Harrison Ford y Sean Penn, el largometraje de Warner Bros. Pictures “10.000 B.C.”, “La jungla 4.0” junto a Bruce Willis, la oscarizada “Día de entrenamiento”, con Denzel Washington y Ethan Hawke, la ganadora del Óscar “El dilema”, con Al Pacino y Russell Crowe, y su primera película, la oscarizada “El piano,” con Holly Hunter, Anna Paquin y Harvey Keitel.
Entre las otras películas de Curtis están “Blow”, con Johnny Depp y dirigida por Ted Demme, “Tres reyes”, dirigida por David O. Russell y con George Clooney, Mark Wahlberg y Ice Cube, “El jurado”, con John Cusack, Dustin Hoffman y Gene Hackman, “Al límite”, dirigida por Martin Scorsese y con Nicolas Cage, “Virus”, con Jamie Lee Curtis y Donald Sutherland, la película de Ivan Reitman “Seis días y siete noches”, con Harrison Ford, “River Queen”, con Samantha Morton y Kiefer Sutherland, “La fuente de la vida”, dirigida por Darren Aronofsky y con Hugh Jackman y Rachel Weisz, “Sunshine”, dirigida por Danny Boyle y con Cillian Murphy y Chris Evans, “Fracture”, dirigida por Gregory Hoblit y con Anthony Hopkins y Ryan Gosling, y “PUSH” junto a Dakota Fanning y Chris Evans.
Curtis recibió un premio New Zealand Film Award al mejor actor secundario por su papel en “Desperate Remedies” el mismo año que recibió una nominación al premio New Zealand Film Award al mejor actor secundario en “Once Were Warriors”, dirigida por Lee Tamahori. También protagonizó la película de South Pacific Pictures “Jubilee”, que le valió un premio adicional al mejor actor. Su actuación en “Overnight” también le valió una nominación al premio New Zealand Television Award al mejor actor. Su trabajo en la televisión de EEUU incluye la miniserie para USA Network del director Stephen Hopkins “Traffic”, nominada al Emmy.
Además de sus muchos títulos de crédito cinematográficos, Curtis ha trabajado a menudo en el teatro en Nueva Zelanda. Curtis se formó en la New Zealand Drama School antes de asistir a la prestigiosa Teatro Dmitri Scoula de Suiza. Sus títulos de crédito teatrales incluyen “Macbeth”, “El jardín de los cerezos,” “Las alegres comadres de Windsor”, “Happy End”, “El violinista en el tejado”, “El hombre de La Mancha” y “Porgy and Bess”.
Más recientemente, Curtis ha finalizado la fotografía principal en la película de DreamWorks “A Thousand Words”, también protagonizada por Eddie Murphy y dirigida por Brian Robbins.





Acerca de los realizadores

     M. NIGHT SHYAMALAN (Escritor / Productor / Director) dirige con “Airbender: El último guerrero” su noveno largometraje, tras “Praying with Anger”, “Wide Awake”, “El sexto sentido”, “El protegido”, “Señales”, “El bosque”, “La joven del agua” y “El incidente”.
El astronómico éxito de su escalofriante thriller psicológico “El sexto sentido” catapultó a Shyamalan a la estratosfera de ser uno de los jóvenes realizadores más solicitados de Hollywood. “El sexto sentido” se ha convertido en una de las películas con mayor recaudación de todos los tiempos, y continúa batiendo récords en DVD. La película recibió un total de seis nominaciones a los Óscars, incluida la de mejor película, y dos para Shyamalan al mejor director y al mejor guión original. Además, la película recibió tres premios People’s Choice a la mejor película, mejor película dramática y mejor actor para su protagonista, Bruce Willis. Shyamalan volvió a formar equipo con Willis en “El protegido”, protagonizada también por Samuel Jackson.
Tras “El protegido”, Shyamalan tuvo también un gran éxito internacional con el thriller sobrenatural “Señales”, protagonizada por Mel Gibson y Joaquin Phoenix. A continuación hizo “El bosque”, aclamada por la crítica, “La joven del agua” y “El incidente”.
Shyamalan comenzó a hacer películas a la edad de diez años en Filadelfia, su ciudad natal. Con 16 años de edad, ya había realizado su 45º cortometraje. A los 17, se plantó ante sus padres, ambos médicos, rodeados por las fotos de los otros 12 doctores de la familia, y les informó de que, aunque se había graduado cum laude y había recibido varias becas académicas para asistir a prestigiosos programas de estudios médicos, había decidido por el contrario asistir a la New York University Tisch School of the Arts para estudiar cinematografía. Durante su último año en NYU, escribió un emotivo guión basado en experiencias personales titulado “Praying with anger”, acerca de un estudiante de intercambio de EEUU que vuelve a la India y descubre que es un extraño en su propia tierra. En 1992, con el dinero para hacer su primera película de bajo presupuesto, Shyamalan rodó la historia en la India, y fue el guionista, productor, director y protagonista del film. La película fue seleccionada para ser proyectada por la prestigiosa First Look Series de la New York Foundation of the Arts, y en julio de 1993 fue nombrada mejor película de debut del año por el American Film Institute de Los Ángeles.
Al año siguiente, Shyamalan escribió otro guión espiritual, “Labor of Love”, cuyos derechos vendió a 20th Century Fox. En junio de 1995, Columbia Pictures le encargó que escribiera la adaptación a la gran pantalla de “Stuart Little”, basada en el entrañable clásico infantil homónimo de E.B. White.
Su segundo largometraje, “Wide Awake”, estaba protagonizado por Rosie O’Donnell, Denis Leary, Dana Delaney y Robert Loggia y se estrenó en 1997. Rodada enteramente en Filadelfia, la película cuenta la estrecha relación entre un muchacho de una escuela católica y su abuelo.
Shyamalan fundó su propia productora, Blinding Edge Pictures, que está radicada en las afueras de Filadelfia, donde reside actualmente con su esposa y sus tres hijas.

El premiado realizador MICHAEL DANTE DiMARTINO (Creador de la Serie / Productor Ejecutivo) comenzó su formación en la Rhode Island School of Design, donde se graduó en 1996 con un título en Bellas Artes en el campo del cine y la animación. Sus títulos de crédito como director incluyen las series de animación emitidas en prime-time “El rey de la colina”, “Padre de familia” y “Mission Hill”. DiMartino escribió, animó y dirigió el cortometraje de animación “Atomic love”, que se proyectó en 2003 en los festivales de cine de Sundance y de Los Ángeles. El corto se emitió también en el Nicktoons Film Festival en Nicktoons.
En 2002, DiMartino formó equipo con su amigo, el también escritor Bryan Konietzko, para crear la serie animada de Nickelodeon, “Avatar: The Last Airbender”. DiMartino ejerció de productor ejecutivo y montador de la historia en la serie, que se emitió durante tres temporadas en Nickelodeon, de 2004 a 2008. “Avatar” ha obtenido muchos premios, entre ellos un premio Genesis, varios premios Annie y un premio Peabody en 2008.
DiMartino reside en Los Ángeles, California con su perro, Truman.

BRYAN KONIETZKO (Creador de la Serie / Productor Ejecutivo) es un artista multidisciplinar, escritor y músico. Se graduó con honores en el departamento de ilustración de la Rhode Island School of Design. Su amigo y compañero de la RISD, Michael Dante DiMartino, le ayudó a introducirse en el mundo de la animación en TV. Konietzko trabajó junto a DiMartino en Film Roman Studios en las series “Padre de familia”, “Misión Hill” y “El rey de la colina”. En 2000 se unió a Nickelodeon para trabajar en la serie “Invasor Zim” como dibujante de guiones gráficos. Se convirtió en el director artístico en la segunda temporada de la serie, y pasó algún tiempo en Corea del Sur formando a los equipos de animación de allí.
Después de “Zim”, Bryan fue fichado por el encargado de desarrollo de Nickelodeon para crear una serie original. De nuevo volvió a formar equipo con su amigo Michael DiMartino, y juntos crearon “Avatar: The Last Airbender”, completando la idea tan sólo dos semanas después de concebirla. Además de compartir las labores de productor ejecutivo con Michael, Bryan trabajó como director artístico de la premiada serie, dibujando a los personajes principales y utilizando su experiencia como pintor de paisajes para crear la escala épica de su mundo de fantasía.
Durante los seis años de producción de “Avatar”, Bryan lanzó tres discos de música electrónica bajo el seudónimo musical de Ginormous. Su cuarto álbum, la banda sonora para una pieza de baile contemporáneo de la compañía Oni Dance de Los Ángeles, se estrenó en la primavera de 2010. Bryan es muy aficionado a fotografiar paisajes, mostrando sus fotos hechas en Canadá, Islandia, Francia y Japón en bryankonietzko.com. Vive en Los Ángeles con su novia, Lisa, y su perro Gunther.

“Airbender: El último guerrero” es la séptima colaboración de SAM MERCER (Productor) con M. Night Shyamalan, habiendo colaborado previamente con él en “El sexto sentido”, “El protegido”, “Señales”, “El bosque”, “La joven del agua” y “El incidente”. Otros títulos de crédito recientes de Mercer como productor incluyen la película de Sam Mendes “Jarhead, el infierno espera”, la película de Stephen Sommers “Van Helsing” y el largometraje de Susanne Bier “Cosas que perdimos en el fuego”, protagonizada por Halle Berry y Benicio Del Toro.
Mercer inició su andadura en el mundo del cine como encargado autónomo de producción de unidad y localización en películas como “Las brujas de Eastwick”, “Peggy Sue se casó”, “Stripes”, “Chicas en pie de guerra” y “Maestro en fugas”. También ejerció de productor asociado/encargado de unidad en la emisora filial de PBS KCET-TV de Los Ángeles, donde recibió un premio Daytime Emmy® por su emisión en directo de la producción a cargo de la ópera de San Francisco de “La Gioconda”.
Luego se unió a Walt Disney Company como ejecutivo de producción, supervisando películas como “Buenos días, Vietnam”, “Tres fugitivos” y “El club de los poetas muertos”. En unos pocos años, Mercer fue ascendido a vicepresidente de producción de largometrajes de Hollywood Pictures, y fue responsable de estrenos como “El dilema”, “El club de la buenas estrella”, “Nacida ayer”, “Rebeldes del swing”, “La mano que mece la cuna” y “Aracnofobia”.
La primera incursión de Mercer en la producción fue el exitoso largometraje “Congo”, dirigida por Frank Marshall, la cual produjo junto a Kathleen Kennedy, con quien volvería a colaborar en “Airbender: El último guerrero”. Sus otros títulos de crédito incluyen la película de Peter Hyams “The Relic”, que produjo junto a Gale Anne Hurd. También productor ejecutivo de la película de Brian De Palma “Misión a Marte”.
Mercer está graduado por la Groton School y el Occidental College. Actualmente reside en Venice, California.

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“En busca del arca perdida” significó el comienzo de la histórica colaboración de FRANK MARSHALL (Productor) con Steven Spielberg, George Lucas y Kathleen Kennedy, una asociación que abarca “Indiana Jones y el templo maldito”, “Indiana Jones y la última cruzada” e “Indiana Jones y el reino de la calavera de cristal”.
Con más de 50 películas en su haber como visionario productor que ha contribuido a modelar la cinematografía norteamericana, Marshall es también un aclamado director y un activo participante en el servicio público y los deportes. Los títulos de crédito de Marshall incluyen algunas de las películas más perdurables y de mayor éxito de todos los tiempos, entre ellas “Poltergeist”, “Gremlins”, “Los Goonies”, “El color púrpura”, “Fievel y el nuevo mundo”, “El imperio del sol”, “¿Quién engañó a Roger Rabbit?”, “En busca del valle encantado”, la trilogía de “Regreso al futuro”, “El sexto sentido”, “Seabiscuit, más allá de la leyenda” y la trilogía de “Bourne”.
Sus películas han sido nominadas a numerosos Óscars, incluyendo las nominadas a mejor película “En busca del arca perdida” (1982), “El color púrpura” (1985), “El sexto sentido” (1999), “Seabiscuit, más allá de la leyenda” (2003) y, en 2008, la película aclamada por la crítica “El curioso caso de Benjamín Button”, que fue nominada a 13 Óscars, incluido el de mejor película.
Como director, Marshall dirigió el gran éxito de taquilla “Bajo cero”, así como el thriller “Aracnofobia”, un conmovedor drama inspirado en un caso real, “Alive”, el éxito de aventuras de 1995 “Congo”, y un episodio de la premiada miniserie de televisión de HBO “De la Tierra a la Luna”, ganadora del premio Emmy.
Marshall comenzó su carrera cinematográfica como ayudante de Peter Bogdanovich en el clásico de culto de ese director “El héroe anda suelto”. Luego, Bogdanovich le pidió que fuera productor de exteriores para “La última película” y “¿Qué me pasa, doctor?”, antes de ascender a productor ejecutivo en las siguientes cinco películas del director, incluidas “Luna de papel” y “Nickelodeon”.
Su larga y fructífera colaboración con Steven Spielberg y Kennedy comenzó en 1982 con “En busca del arca perdida”. Tras la producción de “E.T., el extraterrestre” (en la que ejerció de supervisor de producción) y “Poltergeist” (la cual produjo) en 1981, los tres fundaron la influyente productora Amblin Entertainment. Durante su estancia en Amblin, Marshall produjo películas como “Fandango” de Kevin Reynolds, “El joven Sherlock Holmes” de Barry Levinson, “Gremlins” de Joe Dante, la trilogía de Robert Zemeckis de “Regreso al futuro” y “Quién engañó a Roger Rabbit?”, y las películas de Spielberg “Para siempre”, “Garfio” y “El imperio del sol”, así como su debut como director, “Aracnofobia”.
Maradi dejó Amblin en el otoño de 1991 y fundó la Kennedy/Marshall Company con Kathleen Kennedy. Las producciones de esa empresa incluyen películas tan diversas como “La llave mágica”, dirigida por Frank Oz, “Mientras nieva sobre los cedros”, dirigida por Scott Hicks, ”Mi mapa del mundo”, protagonizada por Sigourney Weaver y Julianne Moore, “El sexto sentido”, protagonizada por Bruce Willis y Haley Joel Osment, “Olympic Glory”, el primer largometraje de gran formato oficial de los Juegos Olímpicos, la película de M. Night Shyamalan “Señales”, “Seabiscuit, más allá de la leyenda”, la dramática historia real basada en el best-seller de Laura Hillenbrand y dirigida por Gary Ross, y las tres súper taquilleras películas de la saga de “Bourne” protagonizadas por Matt Damon en el papel homónimo (“El caso Bourne”, dirigida por Doug Liman, “El mito de Bourne” y “El ultimátum de Bourne”, dirigidas ambas por Paul Greengrass).
Oriundo de Los Ángeles e hijo del compositor Jack Marshall, Marshall hizo cross y carrera en pista mientras estudiaba en la UCLA, y jugó tres años en el equipo de fútbol. Combinando su pasión por la música y los deportes, Marshall y el campeón de EEUU de la milla en pista Steve Scott fundaron el Rock ‘N’ Roll Maratón, que debutó en 1998 en San Diego como el mayor maratón inaugural de la historia. Durante más de una década, Marshall fue miembro del Comité Olímpico de EEUU. En 2005, recibió el Olympic Shield, y posteriormente, Marshall fue admitido en el Paseo Olímpico de la Fama de EEUU. Actualmente, es miembro de la junta directiva de Athletes for Hope, USA Gymnastics y The Governor’s Council on Physical Fitness, así como miembro fundador de la MLA Partner Schools y miembro de la UCLA Foundation Board of Governors. Ha recibido los premios American Academy of Achievement, el UCLA Alumni Professional Achievement y el California Mentor Initiative’s Leadership. Él y Kennedy recibieron en 2008 el premio David O. Selznick de la Asociación Norteamericana de Productores por el conjunto de su carrera.

La seis veces nominada al Óscar KATHLEEN KENNEDY (Productora Ejecutiva) es una de las productoras y ejecutivas más respetadas actualmente en la industria cinematográfica. Como testimonio de su posición en el mundillo cinematográfico, recientemente fue reelegida vicepresidenta de la Academia de las Artes y las Ciencias Cinematográficas de Hollywood. Entre sus títulos de crédito se encuentran tres de las películas más taquilleras de la historia del cine: “E.T. el extraterrestre,” “Jurassic Park” y “El sexto sentido”.
Kennedy dirige The Kennedy/Marshall Company, que fundó en 1992 con el director y productor Frank Marshall. La productora estrenó recientemente “El curioso caso de Benjamín Button”, un cuento épico sobre el amor, las alegrías de la vida y lo triste de la muerte, y las cosas que perduran más allá del tiempo, dirigida por David Fincher, escrita por el ganador de un Óscar Eric Roth y protagonizada por Brad Pitt y Cate Blanchett. La película fue nominada a cinco Globos de Oro y 13 Óscars, incluido el de mejor película. Ese mismo año, The Kennedy/Marshall Company produjo “Las crónicas de Spiderwick”, basada en la popular serie de libros infantiles acerca del mundo invisible de las hadas.
Más recientemente, Kennedy fue productora ejecutiva (con George Lucas) de “Indiana Jones y el reino de la calavera de cristal”, la cuarta parte de la saga de Indiana Jones series, dirigida por Steven Spielberg y producida por Frank Marshall.
Kennedy está produciendo actualmente “Las aventuras de Tintín”, basada en el icónico personaje creado por George Remi, más conocido por su seudónimo de Hergé. Los oscarizados directores Steven Spielberg y Peter Jackson utilizarán tecnología punta para llevar el mundo de Tintín a la gran pantalla.
Bajo el sello de The Kennedy/Marshall, la empresa ha producido películas como “El sexto sentido” (seis nominaciones al Óscar, incluido el de mejor película), “Seabiscuit, más allá de la leyenda” (siete nominaciones al Óscar, incluido el de mejor película), “Mientras nieva sobre los cedros” y la serie de “El caso Bourne”. “El mito de Bourne” y “El ultimátum de Bourne”, que reinventaron entre todas el thriller de espías. Con el estreno en 2007 de “El ultimátum de Bourne”, la saga se convirtió en la única trilogía que mostró una constante e impresionante tendencia al alza tanto en las taquillas como en las ventas en DVD. También en 2007, The Kennedy/Marshall Company produjo los éxitos independientes “Persépolis” (nominada al Óscar al mejor largometraje de animación) y “La escafandra y la mariposa”.
Kennedy lanzó su carrera como productora mediante una fructífera colaboración con Steven Spielberg, que comenzó cuando ella fue su ayudante de producción en “1941”. A continuación se convirtió en su productora asociada en “En busca del arca perdida”, productora asociada en “Poltergeist” y productora de “E.T.”. Mientras “E.T.” se convertía en un fenómeno internacional, Spielberg, Kennedy y Marshall ya estaban produciendo “Indiana Jones y el templo maldito”, que ella y Marshall produjeron junto con Lucas.
En 1982, Kennedy fue cofundadora de Amblin Entertainment junto con Spielberg y Marshall. Estando en Amblin, produjo dos de las sagas de mayor éxito de la historia del cine: las películas de “Jurassic Park” y la trilogía de “Regreso al futuro”. Además, Kennedy fue productora o productora ejecutiva de una serie de éxitos de crítica y público, entre ellos “Twister”, “Balto”, “Los puentes de Madison”, “Los Picapiedra”, “La lista de Schindler”, “Rex, un dinosaurio en Nueva York”, “¡Qué ruina de función!”, “Garfio”, “Fievel va al Oeste”, “El cabo del miedo”, “Gremlins 2”, “Joe contra el volcán”, “Para siempre”, “Gremlins”, “En busca del valle encantado”, “¿Quién engañó a Roger Rabbit?”, “Nuestros maravillosos aliados”, “El imperio del sol”, “El chip prodigioso”, “Fievel y el nuevo mundo”, “Esta casa es una ruina”, “El color púrpura”, “El joven Sherlock Holmes, “Los Goonies”, y el debut como director de Frank Marshall en 1990, “Aracnofobia”. Sus otras colaboraciones con Spielberg incluyen “Munich”, “La guerra de los mundos” y “A.I. Inteligencia Artificial”.
Kennedy preside el Comité Ejecutivo de la Sección de Productores de la Academia de Ciencia Cinematográficas, y es miembro de la Junta Directiva de la Academia. Recientemente completó su mandato como presidenta de la Asociación de Productores de Norteamérica, que le concedió su mayor distinción, el premio Charles Fitzsimons Service, en 2006. En 2008, ella y Marshall recibieron el premio David O. Selznick de la Asociación de Productores de Norteamérica por el conjunto de su carrera.
Criada en las pequeñas localidades del Norte de California de Weaverville y Redding, Kennedy se licenció en la San Diego State University con un título en telecomunicaciones y cine. Siendo todavía una estudiante, empezó a trabajar en una emisora local de televisión de San Diego. A continuación trabajó de operadora de cámara, montadora de video, directora de piso y coordinadora de producción de noticias. Kennedy produjo el programa de entrevistas de la emisora, “You’re on”. Luego se trasladó a Los Ángeles y trabajó con el director John Milius antes de comenzar su asociación con Spielberg.

El productor independiente SCOTT AVERSANO (Productor Ejecutivo) últimamente ha producido la comedia “Killers”, protagonizada por Ashton Kutcher y Katherine Heigl, para Lionsgate. Su talento como productor le ha ofrecido la oportunidad de trabajar en una amplia gama de películas, desde dramas a gran escala hasta comedias poco convencionales. Aversano produjo “Novia por contrato”, protagonizada por Sarah Jessica Parker y Matthew McConaughey, y la comedia de Jack Black “Orange County”. Como productor ejecutivo, hizo “Mi gato Angus, mi primer morreo y el plasta de mi padre”, “Team América, la policía del mundo”, “El mensajero del miedo” y “Escuela de rock”.
Aversano fue también productor ejecutivo de “Una serie de catastróficas desdichas de Lemony Snicket” y “Al límite de la verdad”. También fue productor ejecutivo del telefilm de 2010 ““Ghosts/Aliens”, que significó su primera incursión en la producción para TV. Con su propia productora, Aversano Films, entre sus proyectos en desarrollo se encuentran “Big Hole” (con Gore Verbinski como director y productor) y “Untitled Kidrobot Project”, en asociación con Nickelodeon Movies.

ANDREW LESNIE, ACS, ASC (Director de Fotografía) ganó un Óscar a la mejor fotografía en 2002 por “El señor de los Anillos: La Comunidad del Anillo”, y un premio BAFTA en 2004 por “El señor de los Anillos: El regreso del rey”. Así como numerosos premios de la crítica. Junto con la trilogía de “El señor de los Anillos”, Lesnie colaboró también con Peter Jackson en “King Kong” y “The Lovely Bones”.
Ha recibido tres nominaciones al BAFTA, tres nominaciones de la Asociación de Directores de Fotografía de EEUU, y ha recibido dos veces el premio MILLI de la Asociación de Directores de Fotografía de Australia, convirtiéndose en el director de fotografía del año en Australia durante dos años seguidos.
“Doing Time for Patsy Cline” recibió el premio del Australian Film Institute a la mejor fotografía, el premio del Film Critics Circle de Australia y un premio A.C.S. Gold.
Lesnie obtuvo también los premios A.C.S. Golden Tripod por “Babe”, “Spider and Rise” y “Temptation of a Monk”, una película de Polygram rodada en China y protagonizada por Joan Chen. Sus otros títulos de crédito incluyen “Babe, el cerdito en la ciudad”, “The Sugar Factory”, “Corazones robados”, “Dark Age”, “The Delinquents”, “Boys in the Island”, “Cazadores de sueños”, “Deseo compartido” y “Unfinished Business”, así como las secuencias de acción real de “Rompiendo el hielo”. Además de “The Lovely Bones”, sus títulos de crédito más recientes son la película protagonizada por Will Smith “Soy leyenda” y la película independiente australiana “Bran Nue Dae,” protagonizada por Geoffrey Rush.
Sus títulos de crédito en televisión incluyen las tres miniseries “The Rainbow Warrior Conspiracy”, “Melba” (premio A.C.S. Merit) y “Cyclone Tracy” (premio A.C.S. Golden Tripod a la miniserie mejor fotografiada).
Con una variopinta formación en noticias, documentales, temas cotidianos y varios cientos de anuncios y videos musicales, Lesnie ha fotografiado proyectos tan diversos como “The Making of ‘The Road Warrior’”, “The Comeback” (protagonizada por Arnold Schwarzenegger), “Stages” (Peter Brook y la Paris Theater Company) y “Inside Pine Gap” (sobre las relaciones Australia/U.S.A.).

PHILIP MESSINA (Director Artístico) ha sido director artístico de una serie de películas con el oscarizado director Steven Soderbergh, entre ellas “Che: Parte Dos”, “Ocean’s Thirteen”, “El buen alemán,” “Ocean’s Twelve”, “Eros”, “Solaris”, “Ocean’s Eleven”, “Traffic” y “Erin Brockovich”. Trabajó por primera vez con Soderbergh en “Un romance muy peligroso”. El trabajo de Messina en “Ocean’s Eleven” recibió una nominación de las Asociación de Directores Artísticos en la categoría de película contemporánea.
Messina también diseñó el debut como director de Gregory Jacob “Criminal”, así como “8 millas” para el director Curtis Hanson.
Nacido y criado en Lawrence, Massachusetts, Messina se graduó en la Universidad de Cornell con un título en arquitectura. Sus primeras incursiones en el mundo del espectáculo fueron como decorador de platós en las películas “Sirenas”, “Codigo de honor” y “Esposa por sorpresa”, que fueron filmadas en la zona de Boston.
Tras mudarse a Los Ángeles, Messina fue director artístico de películas como “Blanco humano”, “La Biblia de neón”, “Reckless”, “Cómo triunfar en Wall Street”, “Trial & Error” y “El sexto sentido”.
Messina diseñó los platós de la popular serie de televisión de DreamWorks “Freaks and Geeks,” en la que volvió a formar equipo con el director Jake Kasdan, para quien había trabajado como director artístico en “Zero Effect”, el debut como director de Kasdan.
Actualmente está diseñando la película de Marc Forster “Machine Gun Preacher”, protagonizada por Gerard Butler para Lionsgate.
Messina está casado con la decoradora de platós Kristen Toscano Messina, con quien trabaja frecuentemente, y tienen un hijo, Luca.

CONRAD BUFF, A.C.E. (Montaje) ganó un Óscar, un premio ACE Eddie y fue nominado a un BAFTA por su talento como montador (junto con sus colaboradores James Cameron y Richard A. Harris) en el taquillazo “Titanic”. Sus otros títulos de crédito incluyen la película de M. Night Shyamalan “El incidente”, así como “Shooter: el tirador”, “Antwone Fisher”, “Día de entrenamiento”, “Arlington Road”, “Mentiras arriesgadas”, “Terminator 2: El día del Juicio”, “El abismo”, “Al filo de la sospecha” y, últimamente, “Terminator: Salvación”.
Antes del montaje, Conrad trabajó en el campo de la edición de efectos especiales en películas como “2010”, “Ghostbusters”, “Poltergeist”, “E.T.: El extraterrestre”, “En busca del arca perdida” y “La Guerra de las Galaxias Episodio V: El imperio contraataca”. Unos de sus primeros títulos de crédito como montador fue en “La Guerra de las Galaxias Episodio VI: El regreso del Jedi” (ayudante de montaje).
Buff es hijo del arquitecto Conrad Buff III, y nieto del pintor Conrad Buff II. Conrad asistió al Pasadena City Collage durante dos años antes de enrolarse en la marina de EEUU. Empezó a aprender montaje cinematográfico mientras trabajaba para el Departamento Cinematográfico de la Armada estadounidense en Hollywood.

Durante los más de 20 años de experiencia en el sector, JUDIANNA MAKOVSKY (Diseño de Vestuario) ha obtenido tres nominaciones al Óscar por su trabajo en “Seabiscuit: Más allá de la leyenda”, “Harry Potter y la piedra filosofal” y “Pleasantville”.
Makovsky fue premiada por sus compañeros de la Asociación de Diseñadores de Vestuario de EEUU por las dos últimas, y también fue nominada por “Seabiscuit: Más allá de la leyenda” y “X-Men: La decisión final”. También recibió una nominación al BAFTA por “Harry Potter y la piedra filosofal”.
Los títulos de crédito adicionales de Makovsky como diseñadora de vestuario incluyen “La búsqueda”, “La búsqueda: El diario secreto”, “Mr. Brooks”, “La leyenda de Bagger Vance”, “For the Love of the Game”, “Gloria”, “Prácticamente magia”, “Grandes esperanzas”, “Pactar con el diablo”, “Lolita”, “Tormenta blanca”, “La princesita”, “Rápida y mortal”, “The Reef”, “El especialista”, “Seis grados de separación”, “El misterio Von Bulow”, “Big” y “Jardines de piedra”.
Sus diseños más recientes se pueden ver en la llamativa película de Paul Weitz “El aprendiz de vampiro”, protagonizada por Salma Hayek, John C. Reilly y Willem Dafoe.
Sus títulos de crédito en televisión incluyen “Wild Palms,” “Miss Rose White”, “Margaret Bourke-White” y el episodio piloto de la serie de Robert De Niro, “Tribeca”.

JOSE L. RODRIGUEZ (Coproductor) ha colaborado con M. Night Shyamalan desde los comienzos de Blinding Edge Pictures hace más de una década. Blinding Edge Pictures comenzó a hacer películas con el thriller “El sexto sentido”, y desde entonces ha producido “El protegido”, “Señales”, “El bosque”, “La joven del agua” y “El incidente”.
Nacido en Alemania, Rodríguez proviene de una familia de militares, y vivió por todo el mundo durante su infancia. Después de asistir a la Catholic University de Washington para estudiar arte dramático, Rodríguez actuó en teatro, anuncios y películas en Washington y Nueva York. Decidió reducir sus viajes entre ambas ciudades y los dividió por la mitad, yéndose a vivir a Filadelfia.
Mientras asistían a una clase de kárate, Rodriguez y M. Night Shyamalan se encontraron por primera vez. En las pausas para comer, compartían su pasión por el cine y el arte, y finalmente empezaron a trabajar juntos en Blinding Edge Pictures.
Rodríguez tiene un cinturón negro de Kenpo Karate otorgado por Dennis Nackord, discípulo del Gran Maestro Ed Parker, y ha obtenido el título de cinturón negro por parte de la American Karate Association. Además, Rodríguez consiguió un cinturón negro con el campeón mundial y miembro del Paseo de la Fama de los Cinturones Negros, Joe Lewis, en su sistema American Karate.
Además de su pasión por las artes marciales, Rodríguez ha sido entrenador de fútbol durante los últimos quince años con los Paralímpicos, llevando a su equipo a los Juegos Mundiales de 1999 y consiguiendo una medalla de bronce para EEUU.
Feliz con su esposa y sus dos niños, Rodríguez pasa el tiempo libre que tenga haciendo lo que más le enorgullece: ser un marido y un padre.

JAMES NEWTON HOWARD (Compositor) vuelve a formar equipo con el escritor, director y productor M. Night Shyamalan en “Airbender: El último guerrero” tras haber compuesto la banda sonora de “El incidente”, “La joven del agua”, “El sexto sentido”, “El protegido”, “Señales” y “El bosque”, que obtuvo una nominación al Óscar.
James Newton Howard es uno de los compositores más versátiles y solicitados que trabajan actualmente en el cine. Hasta la fecha, Howard ha recibido ocho nominaciones al Óscar, seis de ellas a la mejor banda sonora por “Resistencia”, “Michael Clayton”, la película de M. Night Shyamalan “El bosque”, “El fugitivo”, “El príncipe de las mareas” y “La boda de mi mejor amigo”, y dos a la mejor canción original por “Look What Love Has Done” de “Junior” y “For the First Time” de la película “Un día inolvidable”.
Howard, junto con Hans Zimmer, ganó el Grammy por la banda sonora de “El caballero oscuro”. También recibió nominaciones al Grammy por la película de Shyamalan “Señales”, la música de la película de animación de Disney “Dinosaurio” y la canción de “Un día inolvidable”. Su tema para “Elegir un amor” también le valió un Grammy al intérprete Kenny G. Además, ganó un Emmy por el tema para la serie de Andre Braugher “Gideon’s Crossing”, y sendas nominaciones más al Emmy por los temas para las longevas series “Urgencias”, de Warner Brothers, y “Men”, de Ving Rhames.
Howard ha sido también nominado cuatro veces a los Globos de Oro: por su impresionante banda sonora orquestal para el gran éxito de “King Kong”, por las canciones de “Junior” y “Un día inolvidable”, y más recientemente, por su provocativa música sinfónica para “Resistencia”.
Howard, que ha recibido el prestigioso premio Henry Manzini de la ASCAP por el conjunto de su carrera, cuenta ya con más de 100 películas en su haber. Además de todas las películas de Shyamalan, entre ellas están cinco películas del director Lawrence Kasdan (“Grand Canyon”, “Wyatt Earp”, “French Kiss”, “Mumford” y “El cazador de sueños”), cuatro comedias de Julia Roberts (“Pretty Woman”, “Novia a la fuga”, “La boda de mi mejor amigo” y “La pareja del año”) y tres películas de animación para Walt Disney Animation Studios: “Dinosaurio”, “El planeta del tesoro” y “Atlántida: El imperio perdido”.
Sus otros títulos de crédito incluyen “Soy leyenda”, “Diamantes de sangre”, “Collateral”, “Estallido”, “Batman begins”, “Mientras nieva sobre los cedros”, “Hidalgo”, “Peter Pan”, “Un día de furia”, “Las dos caras de la verdad”, “Glengarry Glen Ross”, “Waterworld”, “Pactar con el diablo”, “Dave” y “Línea mortal”, entre otras.
El éxito de Howard refleja las experiencias de un rico pasado musical. Inspirado por su abuela, una violinista clásica que tocaba en la Sinfónica de Pittsburg en los años 30 y 40, comenzó sus estudios de piano con cuatro años de edad. Tras estudiar piano en la Musical Academy of the West de Santa Bárbara y en la USC School of Music, completó su formación con estudios de orquestación con el legendario arreglista Marty Paich.
Aunque su formación era clásica, le siguió interesando el pop y el rock, y al principio fue en el mundo del pop donde pudo demostrar su talento como músico, arreglista, compositor y productor. Pasó dos años haciendo trabajo de estudio para artistas como Carly Simon, Diana Ross, Ringo Starr, Leo Sayer, Harry Nilsson y Melissa Manchester. Howard grabó también dos álbumes como solista. En 1975, se unió a la banda de la superestrella del pop Elton John en las giras y en el estudio.
     Howard dejó la banda en 1976 para dedicarse más a la producción. Volvería a unirse a la banda en 1980 para otra gira, y de nuevo en 1986 para dirigir a la Melbourne Symphony Orchestra en la gira de Elton “Live in Australia”, que llegaría a convertirse en disco de platino.
     Habiéndose convertido en uno de los músicos más solicitados de la industria, realizó una serie de colaboraciones en estudio con algunas de las mayores estrellas del pop, entre ellas Barbra Streisand, Earth Wind and Fire, Bob Seger, Rod Stewart, Toto, Glen Frey, Olivia Newton-John, Randy Newman, Rickie Lee Jones, Cher y Chaka Khan.
     Cuando le ofrecieron su primera película en 1985, nunca miró hacia atrás. Para cambiar de aires, Howard volvió a reunirse con Elton John para una gira por muchas ciudades en el verano de 2004, que incluyó sendos conciertos con las localidades agotadas en el Royal Albert Hall de Londres y el Radio City Music Hall de Nueva York.
     Entre las películas más recientes de Howard se encuentran “Confesiones de una compradora compulsiva”, de P.J. Hogan, y “Duplicity”, de Tony Gilroy. Sus composiciones podrán escucharse próximamente en el thriller de acción “Salt”. En febrero de 2009, Howard compuso su primera obra conceptual, titulada “I Would Plant a Tree”, e interpretada por la orquesta Pacific Symphony como parte del American Composers Festival.