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Notas de esta gran película de Pixar.
Altamente recomendable, no os la perdais.
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INFORMACIÓN SOBRE LA PRODUCCIÓN
¿Qué ocurriría si los hombres tuviesen que salir pitando de la Tierra y alguien se dejara un robot encendido?
Esa es la intrigante y atractiva premisa que plantea "WALL•E", la nueva y extraordinaria comedia de animación generada por ordenador de Disney•Pixar y que se desarrolla en el espacio. Repleta de humor, amor, fantasía y emociones, “WALL•E” lleva a los espectadores a emprender un increíble viaje por la galaxia, y una vez más demuestra la habilidad de Pixar para crear nuevos mundos y establecer nuevos modelos de narración, personajes innovadores, impresionantes composiciones musicales y animación de vanguardia generada por ordenador.
Ambientada en una galaxia no muy lejana, “WALL•E” es una original y divertida comedia que trata sobre un robot en particular. Tras cientos de años dedicado a hacer las tareas para las que fue construido, WALL•E (abreviatura de Waste Allocation Load Lifter Earth-Class) descubre un nuevo objetivo en su vida (además de recoger cachivaches) cuando conoce a una estilosa robot de búsqueda llamada EVE (Extra-terrestrial Vegetation Evaluator). EVE se da cuenta de que WALL•E ha dado por casualidad con la clave del futuro del planeta, y regresa inmediatamente al espacio para informar sobre sus descubrimientos a los humanos, que llevan mucho tiempo esperando con impaciencia la noticia de que pueden volver a casa con garantías de seguridad. Mientras tanto, WALL•E persigue a EVE por la galaxia y pone en marcha una de las comedias de aventura más emocionantes e imaginativas que se ha llevado nunca a la gran pantalla.
Acompañando a WALL•E en su fantástico viaje por un universo que discurren dentro de 800 años, nos topamos con un divertido reparto de personajes entre los que están una cucaracha y un heroico equipo de robots inadaptados que no funcionan bien.
A la novena película de Disney y Pixar Animation Studios, “WALL•E”, le precede el triunfo más reciente de los estudios, “Ratatouille”, que ganó un Oscar® a la Mejor Película de Animación, y que obtuvo las mejores críticas de entre todos los estrenos de 2007, además de constituir un enorme éxito de taquilla en todo el mundo. La recaudación bruta internacional combinada de los ocho primeros estrenos de Pixar asciende a la vertiginosa cifra de 4.300 millones de dólares.
“WALL•E” es la última película del oscarizado director/guionista Andrew Stanton, que se incorporó a Pixar en 1990 como segundo de abordo del departamento de animación y noveno empleado del estudio. Fue uno de los cuatro guionistas en recibir una nominación a los Oscar en 1996 por su aportación a “Toy Story”, y también fue guionista en los siguientes largometrajes de Pixar, incluido “A Bug’s Life” (Bichos. Una aventura en miniatura), “Toy Story 2”, “Monsters, Inc.” (Monstruos S.A.) y “Finding Nemo” (Buscando a Nemo), por la que recibió una nominación a los Oscar como coguionista. Además, dirigió “A Bug’s Life” (Bichos. Una aventura en miniatura), se encargó de la producción ejecutiva de "Monsters, Inc.” (Monstruos S.A.) y de la oscarizada película de 2007 “Ratatouille”, y también ganó un Premio de la Academia a la Mejor Película de Animación por “Finding Nemo” (Buscando a Nemo).
El largometraje de Disney•Pixar, “WALL•E”, está dirigido por Andrew Stanton, con una historia original de Stanton y de Pete Docter, y un guión de Stanton y Jim Reardon. John Lasseter se ha encargado de la producción ejecutiva y la producción ha corrido a cargo de Jim Morris (“Star Wars, Episodes I and II” [La Guerra de las Galaxias, Episodios I y II], “Pearl Harbor”, “The Abyss” [Abyss] y tres de las entregas de “Harry Potter”), que contribuyó a crear algunos de los mejores efectos visuales de la industria durante sus 18 años en ILM como presidente de Lucas Digital. Lindsey Collins, que lleva once años trabajando en Pixar, es la coproductora; Tom Porter es el productor asociado. El oscarizado director de fotografía, Roger Deakins, es el asesor visual de la película.
The voice cast includes funny man Jeff Garlin (“Curb Your Enthusiasm”), Pixar veteran John Ratzenberger (“Cheers,” “Ratatouille,” “Toy Story”), award-winning actress Kathy Najimy (“Sister Act,” “King of the Hill”), stage and film star Sigourney Weaver (“Alien,” “Gorillas In The Mist,” “Baby Mama”), and acclaimed four-time Oscar®-winning sound designer Ben Burtt (“E.T. the Extra-Terrestrial,” “Indiana Jones and the Last Crusade”). Comedian Fred Willard (“Best In Show,” “Back to You”) also appears in the film.
El expresivo grupo de voces robóticas de WALL•E fue creada por Burtt, cuyo memorable trabajo incluye la creación de las “voces” de robots tan legendarios como R2-D2 (de las películas de “Star Wars” [La Guerra de las Galaxias]). Tras 30 años de experiencia como uno de los mayores especialistas de sonido de la industria del cine, Burtt se implicó desde las primeras fases de la película para crear todo un mundo de sonido para todos los personajes robóticos y las naves especiales, así como el de todos los ambientes.
La banda sonora original de “WALL•E” ha sido compuesta por el ocho veces nominados a los Oscar® Thomas Newman, que ya había trabajado con Stanton en “Finding Nemo” (Buscando a Nemo). La leyenda del rock Peter Gabriel colaboró con Newman en una canción original llamada “Down to Earth”. Gabriel escribió la letra de este cautivador e ingenioso epílogo musical, y también interpreta la canción.
HORA DE COMER:
LOS PIONEROS DE PIXAR SE ROMPEN LA CABEZA PARA CREAR NUEVOS CONCEPTOS CINEMATOGRÁFICOS:
UN ROMÁNTICO ROBOT COMIENZA A TOMAR FORMA
La idea de “WALL•E” surgió en 1994 en la que se han convertido en una famosa comida a la que asistieron los pioneros de Pixar Stanton, John Lasseter, Pete Docter, y el difunto genio de la narración Joe Ranft. Con su primera película, “Toy Story” (Toy Story. Juguetes), en fase de producción, el grupo se dio cuenta de que había una oportunidad de hacer otra película. En esa reunión se habló por primera vez de las diferentes ideas para “A Bug’s Life” (Bichos. Una aventura en miniatura), “Monsters, Inc.” (Monstruos S.A) y “Finding Nemo” (Buscando a Nemo). “Una de las ideas que barajamos en esa comida fue un pequeño robot al que hubiesen abandonado en la Tierra”, comenta Stanton.. “No teníamos la historia. Era como un pequeño personaje de Robinson Crusoe. Pensamos en un robot abandonado en la tierra y que nadie se acordó de apagar. Por esa razón no sabe que lo que está haciendo no sirve de nada”.
Años después, la idea comenzó a tomar forma. “Empecé a pensar en cómo haría su trabajo todos los días, cómo compactaría la basura que inundaba la Tierra”, recuerda Stanton. “Eso me hizo pensar en qué pasaría si lo más parecido a lo humano que se quedase en la Tierra fuese una máquina. Fue una idea fantástica, pero había que desarrollarla”.
Stanton afirma que le han influido las películas de ciencia-ficción de los años 70. “Películas como ‘2001’ (2001. Una odisea del espacio), ‘Star Wars’ (La Guerra de las Galaxias), ‘Alien’, ‘Blade Runner’ y ‘Close Encounters’ (Encuentros en la tercera fase) me transportaban a otros lugares y llegaba a creer que esos mundos existían ahí fuera", explica. “Desde entonces, no he visto ninguna película que me haya hecho sentir que estaba en el espacio, y quería recuperar esa sensación”.
Para preparación su trabajo en “WALL•E”, el equipo de animación de Pixar visitó plantas de reciclado para observar los gigantescos trituradores de basura y otros tipos de máquinas. También estudiaron robots de verdad en los Estudios, y vieron una gran número de películas clásicas (desde cine mudo hasta películas de ciencia-ficción) para captar el lenguaje cinematográfico. Ciñéndose al lema de Pixar de ser "fieles a los materiales", los robots que diseñaron los animadores estaban dotados de una función específica. Intentaron adaptarse a las limitaciones físicas de cada diseño a la vez que creaban distintas personalidades.
Alan Barillaro y Steve Hunter fueron los supervisores de animación de la película, y Angus MacLane se encargó de la dirección de animación.
Para el aspecto de "WALL-E", el diseñador de producción, Ralph Eggleston (“The Incredibles” [Los Increíbles], “Finding Nemo” [Buscando a Nemo], “Toy Story” [Toy Story. Juguetes]), se inspiró en los dibujos de la NASA de los años cincuenta y sesenta, y en dibujos de conceptos originales para Tommorowland de Disneyland creados por Disney Imagineers. Ralph Eggleston recuerda: “Para perfilar el aspecto de esta película no pensamos en cómo iban a ser las cosas en el futuro. Era sobre cómo podría ser el futuro, una noción mucho más interesante. Esa fue la idea fundamental a la hora de diseñar la película. Para diseñar el aspecto de los personajes y del mundo en el que viven, queríamos que el público creyese realmente en el mundo que estaba viendo en la pantalla. Queremos que los personajes y su mundo sean reales, no que tengan un aspecto real, sino que sean reales en lo que se refiere a credibilidad”.
La fotografía de la película también le añade credibilidad. Jeremy Lasky, director de fotografía, explica: “El aspecto de ‘WALL•E’ es diferente a cualquier cosa que se haya hecho en el campo de la animación. Reunimos muchas influencias de las películas clave de ciencia-ficción de los años sesenta y setenta para crear el aspecto de la película. ”
Stanton añade: “Realizamos muchos ajustes y mejoras de cámara en nuestro software para que las cámaras se pareciesen más a las Panavision de 70 mm que se utilizaban en gran parte de esas películas de los 70”.
UN MUNDO DE ROBOTS Y MÁQUINAS
QUIÉN ES QUIÉN EN “WALL•E”
• WALL•E (abreviatura de Waste Allocation Load Lifter Earth-Class) es un robot que los humanos han dejado en la Tierra y que está programado para limpiar el planeta, llenando cubos y cubos de basura. Sin embargo, tras 700 años de soledad el robot sufre una pequeña avería en su sistema: ha desarrollado su propia personalidad. Es muy curioso, extremadamente perspicaz y se siente bastante solo. WALL•E era uno de los cientos de robots enviados por Buy n Large Corporation para limpiar el planeta mientras los humanos disfrutaban de un lujoso crucero por el espacio. Está solo con la única compañía de su cucaracha, conocida cariñosamente en Pixar como Hal (nombre del famoso productor de los años 20, Hal Roach, y en homenaje a HAL, de “2001: A Space Odyssy” [2001: Una Odisea del Espacio]). WALL•E llena todos los días cubos y cubos de basura, desactivando artefactos durante su trabajo. De hecho, WALL•E ha reunido un ingente tesoro de chismes (un cubo de Rubik®, una bombilla, una cuchara dentada) que almacena en un camión de transporte al que él llama hogar. WALL•E, que tiene mucho de romántico, sueña con descubrir algo que le saque de su monótono trabajo diario. Este sueño le transporta por toda la galaxia y le hará vivir una aventura que supera todas sus expectativas.
• EVE (abreviatura de Extra-terrestrial Vegetation Evaluator) es una estilosa y avanzadísima andro-sonda. Es rápida, puede volar, y está equipada de una pistola láser. EVE, a la que el Capitán del Axioma (el enorme y lujoso capitán de la nave que acoge a miles de humanos desplazados) también llama Sonda Uno, forma parte de un ejército de robots enviados a la Tierra en una misión secreta de exploración. EVE tiene una misión secreta y está decidida a realizarla con éxito. Apenas se fija en WALL•E, su nuevo admirador. Pero un día, harta de no encontrar lo que busca, se toma un descanso y se hace amiga de este singular robot. Juntos emprenderán un increíble viaje por el espacio.
• M-O (Microbe Obliterator) es un robot de limpieza programado para limpiar cualquier cosa que entre en la nave Axioma que se considere un "elemento extraño". M-O se mueve con rapidez por toda la nave Axioma sobre su cinta transportadora, limpiando toda la basura que encuentra a su paso. Pero la llegada de WALL•E a la nave rompe los esquemas. M-O se queda alucinado con este mugriento robot. No tardan en llevarse como el perro y el gato, ya que M-O intenta limpiar los años de residuos incrustados en WALL•E. WALL•E intenta escabullirse, pero al final ambos se hacen amigos y M-O se convierte en el fiel compinche de WALL•E.
• AXIOMA es la nave espacial en la que se alojan los humanos. Serving as the voice of the ship’s computer is Sigourney Weaver, who coincidentally made her motion picture debut in “Alien,” one of Stanton’s inspirations for the film. And since her character in “Alien” battled Mother, the ship’s computer, casting Weaver in the role was ultimately a nod to sci-fi for the filmmakers.
• El Capitán es el actual comandante de la nave Axioma. Al igual que WALL•E, el Capitán está aburrido con su vida rutinaria y anhela un cambio. Su tarea consiste en comprobar una y otra vez el estado de la nave con Auto, el piloto automático. Cuando le informan que uno de los andro-sondas ha realizado un esperadísimo hallazgo, descubre que es un líder nato y traza un nuevo plan para la humanidad. Jeff Garlin, part of the hilarious ensemble cast on the popular HBO series “Curb Your Enthusiasm,” lends his voice to this likeable character.
• AUTO es el piloto automático de la nave Axioma, y ha pilotado la nave durante 700 años. Auto, que es un robot perfectamente programado con la forma del volante de la nave, tiene una personalidad fría, mecánica y aparentemente obedece al Capitán. Sin embargo, Auto está programado para realizar una misión secreta que desconoce la tripulación de la nave Axioma. Está decidido a ejecutar estas órdenes secretas a cualquier precio, sin importarle las consecuencias que puedan tener para los habitantes de la nave Axioma.
• Los ROBOTS DEFECTUOSOS son el grupo de robots de la nave Axioma que realizan todas las funciones imaginables para servir a los pasajeros de la nave que llevan una vida de lujo. Sin embargo, aunque la historia transcurre dentro de cientos de años, las máquinas siguen sin ser infalibles. Los robots defectuosos se envían al taller de reparación y se marcan con un punto rojo. WALL•E se hace amigo de este grupo renegado de robots defectuosos, entre los que se encuentran una robot esteticista que no logra poner guapas a sus clientas, un robot aspiradora que escupe basura, y un robot paraguas que se abre y se cierra inoportunamente, entre otros muchos. Junto con WALL•E, los robots inadaptados se unen para cambiar el destino de la nave Axioma.
• GO-4 es el primer oficial de la nave Axioma y comparte un secreto con el autopiloto. Es una cápsula neumática ambulante con una sirena luminosa a modo de cabeza, y es extremadamente obediente.
• JOHN y MARY son dos de los humanos que viven en la nave Axioma, donde se han acostumbrado a una vida de gran lujo. La llegada de WALL•E altera su rutina diaria y les obliga a darse cuenta de la existencia del otro, y de que tal vez la vida sea algo más que desplazarse flotando en sus modernos sillones de diseño. Pixar veteran/good luck charm John Ratzenberger lends his voice to the character of John, while actress/comedienne Kathy Najimy (“Sister Act,” “King of the Hill”) speaks for Mary.
• SHELBY FORTHRIGHT es el agradable y encantador Consejero Delegado de la compañía Buy n Large, la gigantesca multinacional que se ha hecho con el control del universo gracias a producir líneas de robots (incluida la línea WALL•E) y a sus cruceros de lujo por el espacio (como en la nave Axioma). Las promesas de la compañía de un maravilloso futuro resuenan a través de los mensajes digitales de Forthright, aunque las cosas no han salido según lo planeado. Fred Willard (“Best in Show” [Very important perros], “Fernwood 2 Night”) aparece en la película como el portavoz de la compañía.
LA IDEA SE CONVIERTE EN REALIDAD
LA HISTORIA FUTURISTA DEL DIRECTOR/COGUIONISTA ANDREW STANTON SOBRE ROBOTS, AMOR, Y AVENTURAS GALÁCTICAS
“Queríamos que el público se creyese que estaba viendo una máquina que había adquirido vida propia. Cuando más crea la gente que es una máquina, más les interesará la historia”.
~ Andrew Stanton, Director/Coguionista
La imagen de un pequeño robot solitario (el último del planeta) que realiza metódicamente su trabajo recogiendo basura interesó mucho al director/coguionista Andrew Stanton desde la primera vez que salió el tema en una comida con sus colegas en 1994. Pero tuvieron que pasar muchos años hasta que dio con una historia única que pudiera desarrollar todo el potencial del personaje.
Stanton explica: “Me fascinó la soledad que evocaba esta situación, y la inmediata empatía que provoca el personaje. Pasamos mucho tiempo intentando conseguir que los personajes de nuestras películas sean atractivos y logren despertar el interés del público. Me dije: ‘¿qué hago con un personaje como este?’. Y no tardé mucho en darme cuenta de que lo contrario a la soledad es el amor, o la compañía. Me sentí irremediablemente atraído por la idea de una máquina enamorada de otra máquina. Sobre todo con el telón de fondo del universo que ya no comprende el sentido de la vida. Me pareció muy poético. Me encantó la idea de que la humanidad tuviese una segunda oportunidad gracias a este personajillo que se enamora. En realidad soy un romántico empedernido disfrazado de cínico. Esta película me dio la oportunidad de satisfacer mi lado romántico, más de lo que suelo mostrar en público”.
Jim Reardon, veterano director y supervisor de historia en “The Simpsons” (Los Simpson) que dirigió 35 episodios de la serie y supervisó las historias de casi 150, se incorporó al proyecto como director de historia en “WALL•E”. Acabó escribiendo el guión de la película junto con Stanton..
Según Reardon: “Empezamos con la idea de que ‘WALL•E’ fuese una comedia, pero a mitad de camino nos dimos cuenta de que la película también era una historia de amor. WALL•E es un personaje inocente y aniñado que acaba provocando un enorme impacto en el mundo. En realidad, la línea argumental de la película trata sobre EVE. Su personaje es el que sufre más cambios, y la película es sobre ella y sobre él. Tiene mucho estilo, es muy tecno-sexy y tiene un aspecto muy futurista. Él ha sido diseñado para hacer su trabajo, y está oxidado, sucio y feo. Pero estábamos convencidos de que podía ser una gran historia de amor”.
El productor Jim Morris lo resume muy bien. “Esta película es una mezcla de géneros. Es una historia de amor, una película de ciencia-ficción, una comedia, una comedia romántica”.
Uno de los puntos clave para Stanton a la hora de crear la historia de “WALL•E” fue la idea de utilizar las imágenes musicales y las canciones de la versión cinematográfica de 1969 de “Hello Dolly” para ayudarle a perfilar la personalidad de WALL•E. De hecho, que WALL•E vea una y otra vez una vieja cinta de esa película (la única que tiene) es lo que le ha llevado a abrigar esos sentimientos románticos.
Stanton explica: “He buscado los elementos musicales adecuados para la película, y dar con ’Hello Dolly’ fue lo mejor que me pudo pasar. La canción ’Put on Your Sunday Clothes’ con su prólogo ’Out There’, parecía encajar perfectamente con los temas que aborda la película, y al mismo tiempo, no era el tipo de música que esperas encontrar en una película como la nuestra. En realidad es una canción muy sencilla, y en ‘Hello Dolly’ la cantan dos tipos que no saben de qué va la vida. Quieren ir a la gran ciudad y ´no volverán a casa hasta que hayan besado a una chica’. Es una canción muy sencilla y alegre y encajaba a la perfección con la película. Cuando encontré la canción ‘It Only Takes a Moment’ estoy seguro de que fue obra de Dios. La canción se convirtió en una gran herramienta para mostrar que WALL•E quiere saber lo que es el amor”.
Sólo hace falta un momento
Para que las miradas se encuentren
Tu corazón sabe en un momento
Que ya nunca estarás solo
La abracé sólo un instante
Pero mis brazos no temblaron
Sólo hace falta un momento
Para ser amado el resto de tu vida...
~ Extracto: “It Only Takes A Moment”, Hello Dolly
El productor Morris comenta: “Lo único que quiere WALL•E durante toda la película es coger la mano a alguien, porque es lo que ha aprendido viendo ‘Hello Dolly’. En la película, es la forma de mostrar afecto hacia los demás”.
Stanton añade: “Me di cuenta de que era genial. En ese momento musical de la película aparecían dos personas cogidas de la mano y supe que teníamos que hacer lo mismo”, afirma. “Siempre he creído fervientemente que la animación nos puede contar tantas historias de formas tan diferentes como cualquier otro género, pero pocas veces se ha intentado dar un sesgo más atrevido a la animación”, concluye Stanton.. “Me sentí muy orgulloso de participar en el origen y la creación de ‘Toy Story’, porque me parecía que el tono de la película, y la forma en que estaba contada rompía con muchas prejuicios. Y creo que podemos seguir superando esos límites. Incluso antes de saber que esta película se iba a llamar ‘WALL•E’, sabía que podíamos seguir rebasando esos límites. Estoy muy orgulloso de la oportunidad que he tenido. La película ha cumplido todas mis expectativas".
“En realidad, este pequeño robot enseña a la humanidad cómo volver a ser humana”.
~ Lindsey Collins, Coproductora
La coproductora Lindsey Collins observa: “Las películas de Andrew tienen una increíble carga emocional que son los cimientos sobre los que se basan los momentos de acción de las aventuras. Escribe historias muy sencillas y con las que es fácil identificarse. Aunque la película tiene gran envergadura en cuanto al concepto y la escala, como escritor, es algo muy personal. Le gusta escribir sobre pequeños personajes cuya trayectoria o cuyas luchas tienen un gran impacto. En ‘Finding Nemo’ (Buscando a Nemo), Marlin emprendía un viaje, y por azar, Dory tuvo un enorme impacto en él. Y eso fue lo que le hizo cambiar.
“De forma similar, WALL•E acaba siendo un héroe por azar. Tiene la habilidad de impactar a la humanidad, y lo más paradójico es que es lo más parecido a un ser humano que queda sobre la Tierra. En realidad, este pequeño robot enseña a la humanidad cómo volver a ser humana. Creo que esa paradoja junto con la sinceridad de los sentimientos van a calar muy hondo en el público”.
SUPERANDO LOS LÍMITES DE LA ANIMACIÓN:
LOS ANIMADORES DE PIXAR INCORPORAN ROBOTS A SU REPERTORIO.
El equipo de animación de Pixar, repleto de talento, ha superado problemas aparentemente irresolubles en las películas que ha creado y de esta forma ha puesto el listón cada vez más alto. Desde juguetes hasta hormigas, de superhéroes a ratas que son chefs de cocina... han creado personajes inolvidables que se han quedado grabados en la mente y el corazón de mucha gente en todo el mundo. En su última película, “WALL•E”, tuvieron que enfrentarse a nuevos retos, ya que debían crear un fabuloso elenco de robots y humanos. Gracias a la dirección de los supervisores de animación Alan Barillaro y Steve Hunter (50 animadores en los momentos más álgidos de la producción), y a la experiencia y el talento del director de animación Angus MacLan, esta película representa otro gran triunfo para el arte de la animación.
Jim Reardon, director de la historia en “WALL•E”, observa: “Lo que no queríamos hacer en esta película era dibujar robots que pareciesen humanos, con brazos, piernas, cabezas y ojos, y que además hablasen. Queríamos utilizar objetos que normalmente no relacionamos con características humanas y ver qué podíamos hacer con sirviéndonos del dibujo y la animación”.
Stanton explica: “Queríamos que el público creyese que estaba viendo cómo una máquina adquiría vida propia. Cuanto más crean que es una máquina, más les atraerá la historia”.
“En ‘WALL•E’, los animadores trabajan al límite para poder transmitir emociones y pensamientos complejos con tan pocas palabras. Se trata de llegar a la gente a través de la animación”.
~ Ed Catmull, Presidente de Walt Disney y Pixar Animation Studios
Uno de los máximos desafíos a los que se enfrentaron los animadores fue la necesidad de comunicar con claridad sentimientos y acciones sin recurrir al diálogo tradicional.
“Creíamos que podíamos lograrlo sin necesidad de un diálogo tradicional, manteniendo la coherencia del personaje”, comenta Stanton.. “En el mundo real, cuando los personajes no pueden hablar (un bebé, un animal), la gente tiende a traspasarles sus propios sentimientos: ‘Creo que ha dicho’, ‘le gusto’... eso atrae mucho al público”.
Según Ed Catmull, Presidente de Walt Disney y Pixar Animation Studios: “En ‘WALL•E’ los animadores han trabajado al límite para poder transmitir sentimientos y pensamientos complejos con tan pocas palabras. Se trata de llegar a la gente a través de la animación”.
Stanton señala: “En el mundo de la animación, la comedia es lo que más les gusta a los animadores. Con la comedia se sienten en su salsa, para ellos es algo instintivo. John Lasseter se dio cuenta cuando realizó la animación y dirigió su primer corto para Pixar, ‘Luxo Jr’, protagonizado por dos lámparas que se expresan sin ningún tipo de diálogo. El deseo de dar vida a un objeto inanimado es innato en los animadores. Para los animadores de ‘WALL•E’, fue como quitarles las esposas y dejarles libres. Pudieron dejar que los efectos visuales contasen la mayoría de la historia. También descubrieron que es una tarea increíblemente difícil.
“Intentaba que los animadores se pusiesen límites a sí mismos, porque quería que la construcción de las máquinas y la forma en la que fueron diseñadas fuesen evidentes”, añade. “Los personajes parecen robots porque no se encogen ni se estiran. Para los animadores fue un verdadero rompecabezas idear una forma de narración que se pareciera a la tradicional pero que se adaptase a una máquina con las limitaciones que entraña su diseño y su construcción. Fue una gran desafío, pero fue muy satisfactorio encontrar el enfoque y la solución adecuados”.
Para ayudarles en su tarea, los realizadores y el equipo de animación se reunió con técnicos que diseñaban robots de verdad, visitaron a científicos de la NASA en el Laboratorio Jet Propulsion, asistieron a conferencias sobre robots, e incluso se llevaron algunos robots para estudiarlos, incluido un detector de bombas del departamento de la policía local. Para comprender qué aspecto podrían tener los humanos tras cientos de años de vivir a todo lujo en el espacio, el experto de la NASA Jim Hicks nos ayudó hablándonos sobre la atrofia y los efectos de la gravedad cero en el cuerpo.
Jason Deamer, el director artístico de los personajes de la película, recuerda que uno de los puntos de partida a la hora de diseñar a WALL•E fueron sus ojos. “Un buen día, Andrew llegó muy inspirado para crear los ojos de WALL•E. Había estado en un partido de béisbol y utilizó unos prismáticos. De repente se dio cuenta de que si los inclinaba ligeramente hacia los lados, la visión que obtienes es muy diferente. Ese fue uno de los elementos clave para el diseño del protagonista”.
El resto del diseño de WALL•E se basó en su funcionalidad. “¿Cómo introduce la basura dentro de sí mismo y cómo la compacta?” pregunta Deamer. Se realizaron diferentes visitas a plantas de reciclaje para ver el funcionamiento las máquinas que compactan basura. “Sabíamos que necesitaba escalar por montañas y montañas de basura”, nos cuenta. “También tenía que compactar cubos de basura, y tener algún tipo de manos para poder gesticular”.
¿LOS ROBOTS TIENEN CODOS?
Uno de los principales puntos de discusión a la hora de crear el personaje de WALL•E fue si debía tener codos o no.
“Al principio habíamos diseñado a WALL•E con codos”, explica el supervisor de animación Steve Hunter. “Eso le permitía doblar los brazos. Como animadores, intentábamos que fuese capaz de tocarse la cara, pudiese colgarse de una nave espacial, tuviese mucho movimiento. Pero cuando lo mirábamos, no nos gustaba demasiado. Está diseñado para hacer una tarea, que es meterse basura en la barriga. ¿Por qué iba a tener codos? No tenía ningún sentido. Con la ayuda de Andrew y una inspirada idea del director de animación Angus MacLane, hicimos una ranura por el costado que le permite colocar sus brazos en diferentes posiciones y que le da bastante movimiento. Nos ayudó a darle mucha más vida al personaje. Tener o no tener codos puede parecer trivial, pero la forma en que resolvimos el problema te hace creer más en WALL•E, porque no elegimos el camino más fácil”.
A pesar de la relativa sencillez de sus movimientos, animar a WALL•E fue una de las tareas más complicadas para el equipo de animación. Según el supervisor de animación Barillaro, "“WALL•E tiene muchos controles, incluyendo unos 50 sólo para la cabeza. No es orgánico como un ser humano. Tuvimos que reducir sus movimientos a la más mínima expresión para que fuesen efectivos. Lo primero que hicieron los animadores cuando les tocó hacer una escena con él fue poner a prueba todos los movimientos, como mover la cabeza hacia los lados. Intentaban que tuviese mucha movilidad, como un ser humano. Tuvimos que recordarles continuamente que queríamos una animación lo más sencilla posible. En este caso, no hay duda de que cuando más sencilla, mejor”.
Ya que la voz de WALL•E era una parte tan importante de su personalidad, los animadores trabajaron estrechamente con el diseñador de sonido Ben Burtt para inspirarse mutuamente. Normalmente, los animadores trabajan con los esbozos para elaborar pruebas de animación. Después Burtt añadió la voz a WALL•E y se lo volvió a enviar a los animadores para otro pase. La voz y la animación se montaron juntas y de ese montaje surgió el resultado final.
“Tiene unos movimientos muy elegantes, una característica que se espera de un robot técnicamente muy avanzado”.
~ Angus MacLane, Director de Animación
El grupo también se enfrentó a diversos desafíos a la hora de realizar la animación de EVE. Aunque sólo tenía dos ojos parpadeantes y cuatro partes móviles, era necesario analizar cada movimiento, por muy sutil que fuese. EVE, que fue diseñada con el aspecto de un robot futurista, es la personificación de la elegancia y la sencillez.
“Queríamos que fuese elegante”, comenta Stanton.. “En este mundo hay diferentes formas de transmitir lo masculino y lo femenino, y queríamos que sus movimientos fuesen fluidos, y que estuviese dotada de los encantos de la feminidad”.
MacLane explica: “Mientras que los movimientos de WALL•E son más tradicionales con motores, ruedas y dientes, EVE es un elegante robot de forma ovalada que se mueve por imanes. Todas las estructuras y composiciones están muy cuidadas para que el resultado sea atractivo. Sus movimientos son muy gráciles, lo que se espera de un robot técnicamente muy avanzado”.
Hunter añade: “Cada cambio de plano, cada ángulo, e incluso la forma en que se curva su cabeza cuando rota tuvo que hacerse de determinada manera para que quedase bien. Todo lo que tiene que ver con su cabeza tenía que ser muy sutil. Básicamente está formada por cuatro piezas y dos ojos que parpadean. Discutimos mucho sobre cómo debería mover los brazos. Trabajamos sobre dibujos hasta que dimos con las posiciones adecuadas para expresar diferentes emociones. Es impresionante todo lo que transmite”.
Además de algunos robots protagonistas (Auto, M-O y los robots defectuosos entre otros), el equipo de diseño de personajes creó un catálogo de robots y 10.000 humanos para poblar la nave Axioma. Se diseñó un sistema de robot modular utilizando una serie de cabezas de robots que podían combinarse con una variedad de brazos y cuerpos. Se crearon innumerables robots de distintos colores y bien diferenciados.
El coproductor Collins señala: “Creamos toda una biblioteca de personajes con partes intercambiables para poder crear un programa para construir robots. Podíamos escoger entre diferentes tipos de cuerpos y brazos. Podíamos cambiarlos para crear siluetas y personajes diferentes. Teníamos casi cien variaciones y alrededor de 25 siluetas básicas diferentes que podíamos mezclar y adaptar para que pareciese que había más personajes en la película”.
Para MacLane, fue Stanton quien inspiró a los animadores para que diesen lo mejor de sí mismos. “Lo que hace de Andrew un director de tanto éxito”, comenta MacLane, “es su capacidad para imaginarse siempre la totalidad de las películas. Es capaz de fijarse en lo que estás haciendo y sugerirte cómo puedes hacerlo mejor para la secuencia. Tiene muy desarrollado el sentido de la narración e historia y sabe cómo transmitírselo a los animadores. Compara las buenas historias con los chistes. En realidad, lo que hace es contar un buen chiste que dura alrededor de 90 minutos. Tenemos diferentes bloques que evocan distintos sentimientos, y él intenta imaginarse la mejor manera de unirlos para contar una buena historia. En animación, nuestra tarea principal consiste en comunicar las cosas con claridad y servir de plataforma para transmitir su historia”.
Stanton también alaba el trabajo de los animadores en la película. “Han sido los grandes campeones de esta película. Les gustaba mucho el concepto, y en especial los desafíos y limitaciones a los que tuvieron que enfrentarse para diseñar todos los personajes como lo han hecho. Lo hicieron muy bien desde el principio”.
¿Y ESE SONIDO?:
EL LEGENDARIO DISEÑADOR DE SONIDO BEN BURTT CREA VOCES DE ROBOT ÚNICAS ADEMÁS DE TODO UN UNIVERSO DE SONIDOS PARA “WALL•E”.
El reparto de personajes de “WALL•E” incluye una gran variedad de robots, incluyendo algunos que hablan o se comunican en su propio lenguaje. Para el productor de la película, Jim Morris, y el director/coguionista, Andrew Stanton, sólo había una forma clara de crear las voces especiales para los robots y diseñar los sonidos de la película. Y esa forma era contando con el oscarizado diseñador de sonido Ben Burtt, el legendario talento que creó la voz de R2-D2, el sonido del látigo de Indiana Jones, el siseo de “Alien”, y muchos otros sonidos conocidos por los espectadores de todo el mundo.
“Ben es único”, afirma Stanton.. “Es un maestro del diseño de sonido, y se ha hecho un nombre en esta industria gracias a todos los niños que han visto ‘Star Wars’ (La Guerra de las Galaxias), y todas las películas que le siguieron.
“Cuando me di cuenta de que iba a tener la oportunidad de hacer ‘WALL•E’, supe que la película iba a necesitar el sonido para contar su historia”, continúa Stanton. “Quería que nuestros robots se comunicasen más al nivel de R2-D2 que al de C-3PO – con su propio lenguaje de máquinas. Me pareció que su lenguaje tenía que ser más inteligente, más interesante. Cuando Jim me dijo que había trabajado con Ben en ILM durante varios años y me sugirió que le invitásemos a participar en la película, me pareció una gran idea. Le enseñé la película a Ben y le dije que le necesitaba para que trabajase en el reparto de la película. Menos mal que dijo que sí, porque pronto nos dimos cuenta de que no habríamos podido hacerlo sin él. Es el mejor”.
Jim Morris añade: “La habilidad de Ben para crear voces mundanas y voces especiales con emoción y sentimiento le convirtieron en la opción perfecta para WALL•E, y estamos encantados de que haya trabajado en esta película. Algunas de las voces de los personajes son completamente sintéticas, otras están hechas a partir de un conglomerado de varios tipos de sonidos que Ben ha encontrado o creado, y otras están basadas en voces humanas manipuladas. Ben también fue fundamental a la hora de crear el resto de los sonidos de la película”.
“Ha habido un gran equilibrio en el sonido, como si hubiese sido generado por una máquina pero dotado de calidez e inteligencia, como un ser humano. Yo lo llamo alma”.
~ Ben Burtt, Diseñador de Sonido
Burtt explica: “Mi trabajo en ‘Star Wars’ (La Guerra de las Galaxias) me dio una gran experiencia en lo que se refiere a voces de robots y alienígenas, pero ‘WALL•E’ necesitaba más sonidos para los personajes robots que ninguna otra película en la que hubiese trabajado. El desafío de esta película estaba en crear voces que el público crea que no son humanas. Pero aún así, que puedan sentir afecto e identificarse con ellas del mismo modo que harían con los humanos. Las voces no podían sonar sólo como una máquina sin personalidad, o como un actor imitando a un robot detrás de una cortina. Teníamos que crear un equilibrio en el sonido, como si hubiese sido generado por una máquina pero aún así, estuviese dotado de calidez e inteligencia, como un ser humano. Yo lo llamo alma”.
A Burtt le llamaron para trabajar en “WALL•E” sólo unos meses después de finalizar su trabajo en la última entrega de “Star Wars” (La Guerra de las Galaxias). Le había dicho a su mujer que no volvería a trabajar con robots, pero la tentación de trabajar para Pixar en una película de robots completamente diferente fue demasiado fuerte.
“Afortunadamente, era una idea nueva y emocionante, y el desafío que presentaba crear el sonido de la pelícla me pareció irresistible”, comenta Burtt. “El sonido y las voces de los robots jugaban un papel muy poco común, y no pude evitar sentirme inspirado. Por supuesto, acepté la oferta de trabajar con Jim y Andrew, y realizar el trabajo de sonido para la película”.
Con referencia a la voz del personaje de WALL•E, Burtt explica: “Surgió en mi pequeño estudio de grabación de nuestro departamento de sonido. Cogí las grabaciones originales y las metí en el ordenador, donde se analiza el sonido y se divide en partes diferentes. Es como si le dieses luz a través de un prisma para dividirla en un espectro de colores. Se puede hacer lo mismo con un archivo de audio. Una vez que se ha dividido el sonido en todos sus componentes, se puede empezar a recomponer de nuevo. Pero esta vez, sí se pueden controlar la cantidad de cada componente. Se puede inyectar una calidad de máquina en el sonido, y hacer cosas que las cuerdas vocales humanas nunca podrían hacer. Se puede alargar y acortar una determinada vocal. Se puede subir o bajar el tono de algo. Se pueden acercar mucho dos sonidos. Al recomponer el sonido con un programa que he desarrollado, pude conservar la mayoría de los componentes originales como yo quería, pero les añadí algo de forma sintética.
“Si el sonido fuese plastilina”, añade Burtt, “podríamos encogerlo y alargarlo. Y trabajando con la voz de WALL•E, descubrí una forma de hacerlo. Le gustó mucho a Andrew, y nos permitió seguir desarrollando su personalidad”.
Además del personaje de WALL•E, Burtt también fue el responsable de las voces de M-O, Auto y EVE, cuyos tonos creó manipulando la voz de la empleada de Pixar Elissa Knight.
Para el resto de los sonidos de la película, Burtt creó una biblioteca de 2.400 archivos – el mayor número de archivos que ha acumulado nunca para una película. “WALL•E” es la primera película de animación de Burtt. “La animación es muy densa y los sonidos son muy rápidos", observa. “Cuando empecé a hacer los sonidos de WALL•E, me di cuenta de que eran demasiado lentos, así que tuve que acelerarlo todo para que fuesen más rápidos”.
Burtt necesitó muchos recursos para crear los sonidos de la película. Para hacer el sonido del movimiento de una cucaracha, consiguió unas esposas de la policía y grabó el sonido que hacían cuando las separaba y las unía. Para obtener el sonido del vuelo de EVE, encontró a una persona que había construido un avión teledirigido de 3 metros de longitud, y grabó su sonido cuando pasaba justo por encima de él. Creó el efecto de sonido del viento perfecto para una tormenta de viento en la Tierra corriendo por un pasillo con alfombras y con una pesada bolsa de lona. Y un motor de arranque de manivela de un biplano de los años 30 fue el que le dio el sonido del movimiento a WALL•E.
“La mejor parte del trabajo de un diseñador de sonido es cuando estás solo en tu sala de montaje y cuentas con algún material completo”, afirma Burtt. “Cuando insertas el sonido por primera vez, sientes una gran emoción. Eres el primero en verlo y es un gran momento. Pasear por los pasillos de Pixar me inspiró mucho, porque hay mucha gente con mucho talento haciendo cosas increíbles. Luego volvía a mi estudio y pensaba: ‘¿Mi sonido llegará a ser tan bueno como lo que estoy viendo?’”.
AHÍ FUERA:
LAS FANTÁSTICAS VISIONES DE LA TIERRA Y EL ESPACIO DEL DISEÑADOR DE PRODUCCIÓN RALPH EGGLESTON
El diseñador de producción de “WALL•E” necesitó una visión cinemática única del futuro que lo abarcaba todo, desde una Tierra abandonada cubierta de basura hasta una enorme nave de crucero que flota por el espacio y que alberga a miles de humanos. El supervisor del diseño de producción de la película fue Ralph Eggleston (“Finding Nemo” [Buscando a Nemo]), un veterano de Pixar que había sido director artístico en las películas “Toy Story” y “The Incredibles" [Los Increíbles], y que había dirigido el oscarizado corto “For the Birds”. Para ayudarle a conseguir sus objetivos artísticos, trabajó en estrecha colaboración con tres grandes directores artísticos: Anthony Christov (director artístico de plató), Bert Berry (director artístico de iluminación), y Jason Deamer (director artístico de los personajes).
“Descubrimos nuestro particular sentido del mundo y partimos de cero".
~ Ralph Eggleston, Diseñador de Producción
Según el productor Morris: “Desde mi punto de vista, el mayor desafío de la película fue el diseño de producción y la coherencia del aspecto de nuestros platós y ambientaciones. Sabíamos que íbamos a necesitar una imagen futura de la Tierra en estado de abandono, pero era muy complicado imaginarse detalladamente todos los recovecos. El diseño de la nave Axioma y el entorno del espacio también eran difíciles de imaginar, pero contamos con más material para estos elementos. Ralph y su equipo realizaron un gran trabajo creando, construyendo e investigando mundos que se convertían en personajes por derecho propio y que ayudaron a Andrew a contar la historia que quería contar”.
“Una de las mejores cosas de Pixar”, explica Eggleston, “es que podemos crear películas de animación que también tengan elementos de películas de efectos especiales y de películas de acción real. Descubrimos nuestro propio sentido del mundo y partimos de cero. En ‘WALL•E’, es fundamental que el público crea en este mundo, porque de lo contrario, pasarán un mal rato pensando que nuestro protagonista es realmente el último robot de la Tierra. Así que decidimos hacer una Tierra muy realista y muy detallada. Creamos cerca de 9,5 kilómetros de paisaje urbano para saber exactamente dónde esta WALL•E cada vez que se movía y que el mundo existiese realmente. Acabamos estilizándolo un poco para la animación, pero estos son los platós más reales que hemos creado nunca en Pixar. También fue la tarea más difícil que nos ha tocado hacer desde un punto de vista artístico.
“Otro de nuestro objetivos era utilizar el color y la iluminación para realzar los sentimientos de WALL•E y ayudar al público a conectar con él”, añade. “El primer acto tiene una iluminación muy romántica y emotiva, y en el segundo, la iluminación es mucho más estéril, ordenada y limpia. El segundo acto es la antítesis del primero. A medida que la película avanza, vamos introduciendo poco a poco una iluminación más romántica. Una parte importante de mi trabajo es discutir todas estas ideas disparatadas en el departamento de arte para ir avanzando a medida que se va desarrollando la producción de la película”.
Para crear el aspecto del espacio exterior en “WALL•E´, Eggleston y su equipo idealizaron visiones del futuro de científicos de la NASA de los años 50 y 60, así como el concepto artístico de Tomorrowland, de Disneyland.
“Una de las mayores influencias para mí y para todo el mundo que trabajó creando nuestra visión del futuro fue el trabajo de arte creado para Tomorrowland”, explica Eggleston. “No se trataba de cosas específicas, sino más bien del concepto ’¿Dónde está mi kit de futuro?’. Si te fijas, en muchos de los dibujos de los programas espaciales de los 40, 50 y 60, se pueden observar imágenes fantásticas de construcciones en Marte. Alrededor de 1978, dejaron de hacerlo porque no querían gastar dinero en algo que sabían que no podían hacer. Estábamos interesados en mostrar cómo podría ser el futuro y lo genial que sería llegar allí. Eso es lo que queríamos reflejar con el diseño de esta película”.
La inspiración para el diseño de la nave Axioma surgió de buscar barcos para cruceros de lujo, incluidos los que gestiona Disney. Algunos viajes a las Vegas también sugirieron la forma de utilizar una iluminación práctica para un entorno de lujo artificial.
“El concepto original de la nave Axioma surgió de un barco de cruceros”, comenta Eggleston. “Diseñamos una enorme nave espacial del tamaño de una ciudad. Mide varios kilómetros de largo y tiene capacidad para cientos de miles de residentes. Sabíamos que el público iba a necesitar algún tipo de soporte visual, así que la colocamos cerca de una nebulosa planetaria. La primera vez que vemos la nebulosa, nos recuerda a una montaña con algo en la cima, y luego se ve que es la nave Axioma”.
ADELANTOS DE LA ANIMACIÓN POR ODENADOR:
EL ACLAMADO DIRECTOR DE FOTOGRAFÍA ROGER DEAKINS Y EL PIONERO EN EFECTOS VISUALES DENNIS MUREN NOS HABLAN DE “WALL•E”
“Una de las cosas que Andrew quería hacer con ‘WALL•E’ era crear un aspecto diferente al que solemos ver en las películas de animación”, recuerda el productor Morris. “Muy a menudo, parece que las películas de animación están grabadas en una especie de espacio informático. Queríamos que pareciese que directores de fotografía con cámaras reales habían ido a estos lugares y habían grabado lo que estamos viendo. Queríamos que tuviese artefactos de fotografía y que todo pareciese mucho más real de lo que suelen ser las películas de animación. Durante mi larga estancia en ILM, conocí a mucha gente que iba a sernos útil”.
Morris invitó a dos de los mejores directores de fotografía en sus respectivos campos a visitar Pixar para que le asesorasen. El director de fotografía Roger Deakins (“No Country for Old Men” [No es país para viejos], “The Assassination of Jesse James by the Outlaw Robert Ford” [El asesinato de Jesse James por el cobarde Robert Ford], “Fargo”, “O Brother Where Art Thou?” [O Brother!]), seis veces nominado a los Oscar y más conocido por su habitual colaboración con los aclamados Hermanos Coen, contribuyó prestando su experiencia en aspectos de iluminación y de cámara. El célebre mago de los efectos visuales y seis veces ganador de un Oscar Dennis Muren (“Star Wars” [La Guerra de las Galaxias], “Indiana Jones”, “Terminator 2”, “Jurassic Park” [Parque Jurásico], “The Abyss” [Abyss], “Twister”) ofreció su experiencia para crear los efectos visuales y las imágenes de ambientación atmosférica.
“Hay algunas imperfecciones en el aspecto final de la película que añaden credibilidad”.
~ Jim Morris, Productor
“Tanto Roger como Dennis pasaron aportaron sus puntos de vista y nos dieron muchas ideas sobre cómo quedarían las cosas”, comenta Morris. “Nos hicimos con algunas cámaras Panavision antiguas de los 70, parecidas a las que se utilizaron para grabar la película original de ‘Star Wars’ (La Guerra de las Galaxias) y grabamos imágenes para conseguir el tipo de artefactos que creaban esas lentes. Nos fijamos en elementos técnicas como la aberración cromática, distorsiones de barril y otras imperfecciones, y cogimos lo que habíamos aprendido y lo aplicamos a la fotografía de nuestros gráficos de ordenador. La aportación de Dennis y Roger fue fundamental a la hora de crear esos aspectos de la película. Por ejemplo, sus consejos sobre fotografía, iluminación y composición, nos ayudaron a crear el paisaje austero y seco de la Tierra en el primer acto”.
La experiencia de Morris en películas de acción real y en efectos visuales también ayudaron a los realizadores a cumplir su deseo de que pareciese que la película había sido rodada y no grabada. “Le expliqué al equipo técnico que en el mundo real, cuando estás rodando, normalmente la lente está a casi un metro del plano de la película, y puedes cambiar de perspectiva al inclinar la cámara. Tomaron esta información y volvieron con imágenes que se parecían el doble a imágenes fotografiadas. El resultado es que parece que hay un cámara rodando, en oposición a estar en una especie de espacio virtual en el que todo es prístino. Hay algunas imperfecciones en el aspecto final de la película que le dan mayor credibilidad.
Como director de fotografía para cámara, Jeremy Lasky ayudó a perfeccionar aún más el aspecto de la película. “Desarrollamos nuestra tecnología de cámara e iluminación para que pareciese que la película había sido rodada con una cámara. Utilizamos un ratio muy amplio y muy profundo para que la fotografía fuese muy rica. Se pueden ver algunos planos desenfocados como en diferentes capas para crear composiciones que parecen estar pintadas con acuarela. También utilizamos muchos planos de cámaras de mano y cámaras fijas, sobre todo en el espacio, para que el público se creyese mejor lo que estaba viendo en la pantalla, se creyese que lo que estaba viendo era un robot real en un mundo real. Sientes que estás viendo una escena completamente real. Una de las grandes innovaciones que realizamos para esta película y para Pixar, fue previsualizar las iluminaciones clave antes de rodar para tener una idea más exacta del fotograma final de la película. Antes no teníamos ninguna información sobre la iluminación en esta fase de la producción".
Danielle Feinberg fue la directora de fotografía para iluminación. El aclamado director de fotografía Roger Deakins (“No Country for Old Men”[No es país para viejos], “The Assassination of Jesse James by the Coward Robert Ford”[El asesinato de Jesse James por el cobarde Robert Ford]) y la oscarizada leyenda de los efectos visuales Dennis Muren fueron los asesores.
“Cuando vi la película terminada, lo primero que pensé fue: ‘¡Nunca había visto una película como esta!’”, concluye Morris. “Me dio la sensación de que la estaba viendo con ojos totalmente nuevos”.
MÚSICA TERRESTRE:
THOMAS NEWMAN & PETER GABRIEL CREAN COMPOSICIONES CÓSMICAS
Andrew Stanton y el compositor Thomas Newman se llevaron a las mil maravillas en su primera colaboración, “Finding Nemo” (Buscando a Nemo), por lo que les pareció natural volver a colaborar en “WALL•E”. Ya que la película hace más hincapié en la narración visual y menos en el diálogo, la música juega un papel aún más importante de lo habitual, ya que ayuda a los realizadores a transmitir sensaciones y a comunicar la historia. Newman colaboró con la leyenda del rock Peter Gabriel en una canción llamada “Down to Earth”, creando un divertido epílogo musical para la película.
Stanton observa: “Trabajar con Tom siempre ha sido un sueño para mí. He sido fan de su música porque es muy original. Recuerdo que la primera vez que le hablé de este proyecto fue la noche de los Premios de la Academia® de 2004, donde habíamos acudido con ‘Nemo’. Le dije que tenía una idea para una película, y que tenía que ver con ‘Hello Dolly’ y con la ciencia-ficción. Me preguntaba si volvería a hablarme después de lo que acababa de decirle. Pero dio la casualidad de que la banda sonora de ‘Hello Dolly’ fue compuesta por el legendario tío de Tom, Lionel Newman, así que en cierto modo, todo quedaba en familia".
“Lo único que está garantizado cuando trabajas con Tom es que obtendrás algo poco convencional”, añade Stanton.. “Cuando quieres algo que pertenece a un género convencional, como la ciencia-ficción, sabes que vas a obtener algo con un toque distinto. Su banda sonora aporta a la película su propia identidad y no se parece a nada que hayamos escuchado antes. En ‘WALL•E’, alcanzó un nuevo nivel de belleza y majestuosidad, algo que superaba cualquier cosa que hubiese podido imaginar”.
“En la animación, el estado de ánimo se refleja en pequeños periodos de tiempo, algunas veces en segundos”.
~ Thomas Newman, Compositor
Una de las cosas que más admiraba Stanton del trabajo de Newman en “WALL•E”, era su habilidad para captar temas del espacio exterior, así como todos los detalles de la relación entre los dos robots protagonistas.
“Tom fue capaz de comunicar una sensación del mundo que estábamos creando con su banda sonora”, señala Stanton.. "En el primer acto hay una escena en la que vemos a WALL•E en su rutina diaria, algo bastante mecánico. La banda sonora tiene un ritmo ’industrial’ con un silbido muy débil, casi como si alguien estuviese silbando mientras trabaja. Tom siempre consigue el tono exacto para esos momentos. Y con su estilo único de mezclas una vez que ha grabado el tema con la orquesta, nos ofrece un tema con toda una nueva paleta de sonidos. Tiene una habilidad innata para comprender los sentimientos más íntimos que esconde una escena. Creo que por eso nos entendimos tan bien, porque siempre hago hincapié en los aspectos emotivos de las historias”.
Newman añade: “Escribir música para una película de animación es muy diferente a componer para una cinta de acción real. En la animación, todo se expresa en muy poco tiempo, a veces en segundos. Cuando se transmite algo, inmediatamente comienza la acción. En ‘Nemo’ aprendí que no se puede transmitir algo durante mucho tiempo. Para trabajar en la animación es necesario hacer transiciones, y para ello, la música debe ayudarte a pasar de un sentimiento a otro.
“Mi música tiende a seguir una pauta, suele ser repetitiva. Me gusta trabajar con un percusionista o con un guitarrista que pueda añadir a estas pautas algo que sea interesante a nivel sonoro”, comenta Newman. “Si repites algunas frases, el oído puede llegar a escuchar tonos que aumentan la percepción del sonido y de la música. Lo que me interesa de la música es su profundidad”.
“Tom fue a Londres a ver a Peter, y a partir de entonces fue una verdadera historia de amor”.
~ Andrew Stanton, Director/Coguionista
Para la canción “Down to Earth”, que se escucha al final de la película, Stanton tuvo la oportunidad de colaborar con otro de los gigantes de la música, Peter Gabriel. Stanton, que ha sido un gran fan de la leyenda del rock desde que tenía 12 años, se puso en contacto con Gabriel para escribir una canción que formara parte del final de la historia.
Stanton recuerda: “Trabajar con Peter ha sido uno de los mejores momentos de mi carrera profesional. Cuando llegamos al final de la película, supe que necesitábamos añadir algunos puntos argumentales adicionales y crear algo que transmitiese el mensaje general del film. Y de repente me acordé de que Peter es el padre de la música internacional para la mayoría del mundo occidental. La idea de que él y Tom trabajasen juntos me pareció fantástica, porque estaba convencido que el resultado sería maravilloso. Tom viajó a Londres para ver a Peter, y a partir de entonces surgió una historia de amor. De repente, Thomas Newman y Peter Gabriel dieron con esta increíble canción llamada ‘Down to Earth´, que supera con mucho mis mayores expectativas. Las letras de Peter son muy sencillas, pero ha dado totalmente en el clavo. Me emocioné mucho cuando escuché la letra, porque es muy inteligente y encaja a la perfección. Reflejaba a la perfección el estilo de Peter Gabriel, y además estaba basada en la historia que yo había escrito. Me cautivó desde el primer momento”.
“Se nota mucho que es una canción de Peter Gabriel, pero también tiene la capacidad de conexión y la sensibilidad de Tom”, añade Stanton.. “Tom se sintió tan inspirado por la canción, que volvió a la película y creó otra música para algunos momentos clave con los mismos temas. Queda muy bien en la película”.
SOBRE LOS REALIZADORES:
ANDREW STANTON (Director/Guionista/Vicepresidente creativo de Pixar Animation Studios) ha sido una de las grandes fuerzas creadoras de Pixar Animation Studios desde 1990, cuando se convirtió en el segundo animador (y noveno empleado) en incorporarse al grupo de pioneros de la animación por ordenador del Estudio. Como Vicepresidente y creativo, actualmente dirige y supervisa todos los largometrajes y cortometrajes que se realizan en los Estudios.
Stanton debutó como director con un largometraje que batió récords, “Finding Nemo” (Buscando a Nemo), una película original suya de la que también fue coguionista. Gracias a esta película, Stanton consiguió dos nominaciones a los Premios de la Academia (al Mejor Guión Original y a la Mejor Película de Animación). “Finding Nemo” (Buscando a Nemo) fue galardonada con un Oscar en la categoría de Mejor Largometraje de Animación en 2003, siendo este el primer Premio de la Academia que Pixar Animation Studios recibía por un largometraje.
Stanton fue uno de los cuatro guionistas que recibió una nominación a los Oscar en 1996 por su aportación a “Toy Story”, tras lo cual participó como guionista en todas las siguientes películas de Pixar: – “A Bug’s Life” (Bichos. Una aventura en miniatura), “Toy Story 2”, “Monsters, Inc.” (Monstruos S.A.) y “Finding Nemo” (Buscando a Nemo). Además, fue codirector en “A Bug’s Life” (Bichos. Una aventura en miniatura) y productor ejecutivo en “Monsters, Inc.” (Monstruos S.A.), así como en la oscarizada “Ratatouille” en 2006.
Stanton nació en Rockport, , Massachusetts, , y se licenció en animación de personajes en el California Institute of the Arts (CalArts), donde realizó dos películas como estudiante. Comenzó su carrera profesional en los años ochenta en Los Ángeles, como animador en el estudio Kroyer Films de Bill Kroyer y como guionista en "Mighty Mouse, The New Adventures" (1987) de Ralph Bakshi.
JIM MORRIS (Productor/Vicepresidente Ejecutivo, Producción de Pixar Animation Studios) se incorporó a Pixar Animation Studios en 2005. Morris es el responsable de dirigir la producción de los largometrajes, cortometrajes, contenidos de DVD y actividades del parque temático de los Estudios. También supervisa varios departamentos de producción en Pixar, incluido el de Historia, Arte, Montaje, Animación, Sombreado, Iluminación y Dirección Técnica.
Antes de unirse a Pixar, Morris tuvo varios cargos importantes en diferentes divisiones de Lucasfilm Ltd. Fue Presidente de Lucas Digital Ltd., y dirigió sus dos divisiones, Industrial Light & Magic (ILM) y Skywalker Sound. Como Director General de ILM, puesto que ocupó durante más de diez años, supervisó una plantilla de más de 1.400 artistas y técnicos, y dirigió las mayores instalaciones de efectos visuales de la industria del ocio y el entretenimiento.
Bajo la dirección de Morris, ILM creó métodos completamente innovadores, ganando Oscar® a los mejores efectos visuales por “Jurassic Park” (Parque Jurásico), “Death Becomes Her” (La muerte os sienta tan bien), y “Forrest Gump”. Otros proyectos importantes realizados durante su época como director fueron: “Mission: Impossible” (Misión Imposible), “Twister”, “Saving Private Ryan” (Salvar al soldado Ryan), “Star Wars: Episode I and II” (La Guerra de las Galaxias: Episodios I y II), “The Perfect Storm” (La tormenta perfecta) “Pearl Harbor”, “Minority Report”, “Pirates of the Caribbean” (Piratas del Caribe), “Master and Commander” (Master and Commander. Al otro lado del mundo), y las tres primeras entregas de "Harry Potter".
Morris se incorporó a ILM en 1987 como productor de efectos visuales para películas y anuncios publicitarios. A continuación ascendió a productor ejecutivo de ILM, donde supervisó toda la producción de la compañía. “The Abyss” (Abyss), que ganó un Oscar® en la categoría de Mejores Efectos Visuales, y “Always ” son dos de sus títulos de producción.
Antes de entrar en ILM, Morris fue productor ejecutivo de Arnold & Associates, donde supervisó las tres oficinas de la compañía y produjo anuncios publicitarios nacionales para clientes como Atari y Chevron. Antes de eso, Morris fue productor ejecutivo de One Pass, donde dirigió el departamento de producción publicitaria. También trabajó en los departamentos de producción de J. Walter Thompson y de Foote, Cone & Belding, en San Francisco.. Morris trabajó como productor y director de la filial de PBS, WCNY-TV, y comenzó su carrera como cámara montador de la filial de NBC, WSYR-TV.
Morris ha recibido el Premio del Gremio de Productores de América Digital 50, y el Premio de la Sociedad de Directores de Efectos Visuales. Actualmente es presidente de la Comisión Cinematográfica de San Francisco. Morris se licenció en Ciencias de la Información en radio y televisión en la Newhouse School, de la Syracuse University..
LINDSEY COLLINS (Coproductora) se incorporó a Pixar Animation Studios en 1997, y ha trabajado en una gran variedad de producciones, como “A Bug’s Life” (Bichos. Una aventura en miniatura), “Toy Story 2” (Toy Story 2. Los juguetes vuelven a la carga), “Finding Nemo” (Buscando a Nemo) y “Ratatouille”. También ha prestado su voz al personaje de Mia en el estreno de Pixar en 2006“Cars”.
Antes de unirse a Pixar, Collins trabajó tres años en Disney Feature Animation, dirigiendo los equipos creativos de las películas “Pocahontas”, “The Hunchback of Notre Dame” (El jorobado de Notrre Dame) y “Hercules”.
Collins hizo la carrera de Diplomático y Relaciones Internacionales en el Occidental College de Los Ángeles.. Actualemente vive en Oakland, , California, con su marido y sus dos hijos.
THOMAS NEWMAN (compositor), que pasa con facilidad del drama a la sátira, los clásicos de época o la animación, forma parte de una de las grandes familias de creadores de Hollywood. Ha realizado una gran variedad de trabajos que le han valido el respeto de directores tan reconocidos como Robert Altman o Gillian Armstrong. Hasta la fecha, Newman ha recibido ocho nominaciones a los Premios de la Academia por su trabajo en el cine: fue el único nominado dos veces en los Oscar de 1994,por “Little Women” (Mujercitas) y “The Shawshank Redemption” (Cadena perpetua), y desde entonces ha recibido nominaciones por sus bandas sonoras de las películas “Unstrung Heroes” (Héroes a la fuerza), “American Beauty”, “Road to Perdition” (Camino a la Perdición), “Finding Nemo” (Buscando a Nemo), “Lemony Snicket’s A Series of Unfortunate Events” (Una serie de catastróficas desdichas de Lemony Snicket), y más recientemente,“The Good German” (El buen alemán). Newman también fue galardonado con un Emmy® al “Mejor Tema Musical” por su tema de la serie dramática de HBO "Six Feet Under" (A dos metros bajo tierra).
Desde el comienzo del cine sonoro, el nombre de Newman ha sido clave en la evolución de las bandas sonoras para el cine. Newman es el hijo más pequeño del legendario Alfred Newman, ganador de nueve Oscar y 45 nominaciones, que como director de música de la 20th Century Fox desde mediados de los años 30 hasta principios de los 60 fue responsable de la supervisión o la composición de toda la música creada para más de 200 películas. Su tío Lionel era compositor y director musical y cuenta en su haber con más de cincuenta bandas sonoras, y su tío Emil era director de orquesta y compuso más de cuarenta y ocho bandas sonoras. Su hermana Maria es una aclamada violinista, su hermano David ha realizado la banda sonora de más de 60 películas. Asimismo su primo Randy es un famoso compositor de pop y de bandas sonoras que ha escrito la música de los cuatro primeros largometrajes de Pixar.
Newman estudió y composición y orquesta en la Universidad del Sur de California, finalizando sus estudios académicos en Yale. Su mentor, Stephen Sondheim, que quedó impresionado con la originalidad de Newman, produjo uno de los primeros trabajos del joven compositor, la pieza musical de teatro "Three Mean Fairy Tales", en la que destacó por su gran talento y por la que recibió un galardón de la Stuart Ostrow Foundation.
Newman también despertó el interés de Scott Rudin, un joven agente de reparto de Nueva York que introdujo a Newman en la película del director James Foley de 1984 "Reckless" (Rebeldes temerarios) como ayudante musical. La iniciativa de Newman en el proyecto le llevó a convertirse en el compositor, y a la edad de 29 años, ya había compuesto su primera banda sonora para una película.
No tardó en hacerse famoso por la originalidad y la intensidad de sus composiciones en películas como “Desperately Seeking Susan” (Buscando a Susan, desesperadamente), “The Lost Boys” (Jóvenes ocultos), “Scent of a Woman” (Esencia de mujer), “Citizen Cohn” (Ciudadano Cohn) y más de 40 títulos más, incluido “Meet Joe Black” (¿Conoces a Joe Black?), “The Horse Whisperer” (El hombre que susurraba a los caballos), “Up Close and Personal” (Íntimo y personal), “Phenomenon”, “The People vs. Larry Flynt” (El escándalo de Larry Flynt), “In the Bedroom” (En la habitación), “Pay It Forward” (Cadena de favores), “Erin Brockovich”, “Red Corner” (El laberinto rojo), “How to Make an American Quilt” (Donde reside el amor), “The Green Mile” (La milla verde), “Jarhead”, “Cinderella Man” (El hombre que no se dejó tumbar), “Fried Green Tomatoes” (Tomates verdes fritos) y más recientemente,“Little Children” (Juegos secretos) y “Towelhead”. Newman también compuso la música para la aclamada miniserie de seis horas de HBO “Angels in America”,dirigida por Mike Nichols. Le encargaron la realización de una sinfonía única de siete minutos, “Reach Forth Our Hands”, con la que la ciudad de Cleveland celebró su bicentenario en 1996.
El músico ganador de varios Grammy, PETER GABRIEL, fue cofundador del grupo Genesis en 1966. Juntos realizaron siete álbumes antes de que Gabriel abandonase la banda en 1975. Un año después volvió a la música y desde entonces ha compuesto 11 álbumes en solitario, incluyendo varios singles de éxito como “Shock the Monkey”, “Sledgehammer”, “Big Time” y “In Your Eyes”. Gabriel también ha realizado bandas sonoras para películas, incluidas “Birdy”, “The Last Temptation of Christ” (La última tentación de Cristo) y “Rabbit Proof Fence” (Generación robada). Su vídeo “Sledgehammer” ha sido votado mejor vídeo de la historia, y su obra interactiva “Eve” ganó el Milia D’Or de Multimedia.
El músico, empresario y activista ha recibido un Premio Man of Peace, el Nobel de la Paz Laureates, y ha sido investido Caballero de la Orden de las Artes y las Letras en Francia. Ha recibido varios premios a toda su carrera, así como el Premio ’Digital Music Pioneer’ de BT.
Gabriel fundó WOMAD (World of Music Arts and Dance) en 1980, organizando más de 150 festivales en más de 40 países. Además, la Fundación WOMAD ha proporcionado educación y talleres de trabajo a muchos colegios. El trabajo de Gabriel en el campo de los derechos humanos incluye la coordinación y participación en el Human Rights Now Tour de 1988 con Amnistía Internacional. Fue cofundador de Witness.org en 1989 que proporciona cámaras y ordenadores a activistas de derechos humanos. Fue pionero en la adopción del vídeo y las tecnologías online en las campañas de defensa de los derechos humanos. Acaba de lanzarse el Hub que proporciona una plataforma internacional para la defensa de los derechos humanos (un YouTube por los Derechos Humanos). En el año 2000, Gabriel cofundó Elders.org junto con Richard Branson, que Nelson Mandela inauguró en 2007. Sus negocios giran en torno a la música, los medios de comunicación y la tecnología. En 1987, fundó el grupo de compañías Real World: Real World Studios, Real World Records, y más adelante, Real World Multi Media y Real World Films. Gabriel cofundó OD2 (On Demand Distribution) en 1999, que se convirtió en la primera plataforma europea proveedora de música online. En 2005, Gabriel compró Solid State Logic junto con David Engelke, el principal fabricante internacional de consolas mixtas para la grabación, retransmisión y postproducción de música. También fue cofundador de thefilter.com y We7.com.
BEN BURTT (Diseñador de sonido y de voz de los personajes de WALL•E y M-O) ha ganado varios Oscar y se incorporó a Pixar Animation Studios en mayo de 2005. Burtt, un veterano realizador que atesora una experiencia de 30 años, ha escrito, dirigido y montado un amplísimo número de proyectos.
Burtt comenzó a trabajar con el director George Lucas en 1977 como diseñador de sonido del “Star Wars” (La Guerra de las Galaxias) original, ganando su primer Premio de la Academia® en la categoría de Mayor Logro. Volvió a trabajar con Lucas 20 años después en la supervisión de sonido en “Star Wars Trilogy” (Trilogía de la Guerra de las Galaxias), edición especial.
Además de su trabajo en las entregas de “Star Wars” (La Guerra de las Galaxias), Burtt ha trabajado en muchos otros proyectos de cine y televisión. Ha ganado Oscar® en la categoría de Mejor Montaje de Sonido por “Raiders of the Lost Ark” (En busca del arca perdida) y en la categoría de Mejor Montaje de Efectos de Sonido por “E.T. the Extra-Terrestrial” (E.T. El Extraterrestre) y por “Indiana Jones and the Last Crusade” (Indiana Jones y la última cruzada). Burtt también ha sido reconocido por su trabajo con varias nominaciones a los Premios de la Academia, incluida la nominación al Mejor Sonido por “Star Wars: Episode VI - Return of the Jedi” (La Guerra de las Galaxias: Episodio VI - El retorno del Jedi), al Mejor Sonido y al Mejor Montaje de Efectos de Sonido por “Willow”, al Mejor Montaje de Efectos de Sonido por “Stars Wars: Episode I - The Phantom Menace” (La Guerra de las Galaxias: Episodio I - La amenaza fantasma) y como director de “Special Effects: Anything Can Happen”, fue nominado al Mejor Cortometraje Documental.
Además de sus victorias y nominaciones a los Premios de la Academia®, Burtt también ha sido galardonado con un Premio de la Academia Británica en la categoría de Mejor Sonido por “Star Wars: Episode V - The Empire Strikes Back” (La Guerra de las Galaxias: Episodio V - El Imperio contraataca), con un Premio Golden Reel al Mejor Montaje de Efectos de Sonido por “Raiders of the Lost Ark” (En busca del arca perdida) y una nominación a los Premios de la Academia Británica en la categoría de Mejor Sonido por “Star Wars: Episode I – The Phantom Menace” (La Guerra de las Galaxias: Episodio I- La amenaza fantasma).
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