BREAKING & ENTERING

MIRAMAX FILMS y THE WEINSTEIN COMPANY
Presentan
Una producción de MIRAGE ENTERPRISES
Un film de ANTHONY MINGHELLA

JUDE LAW
JULIETTE BINOCHE
ROBIN WRIGHT PENN
MARTIN FREEMAN
RAY WINSTONE
VERA FARMIGA
RAFI GAVRON
POPPY ROGERS


“BREAKING AND ENTERING”

Duración: 119 minutos



“Breaking and Entering” narra la historia de una serie de robos, tanto delictivos como emocionales, con el telón de fondo de la cultura y la geografía cambiantes de Londres. Will (Jude Law) y su amigo Sandy (Martin Freeman) administran una floreciente empresa de paisajismo que recientemente se ha mudado a King’s Cross, el centro de la más ambiciosa regeneración urbana de Europa. Este estudio de última generación llama repetidamente la atención de una banda de ladrones local. Will, harto ya de una nueva violación de la propiedad privada, persigue a uno de los jóvenes integrantes de la banda, Miro (Rafi Gavron), y así llega al apartamento que éste comparte con su madre Amira (Juliette Boinoche), una refugiada de Bosnia. Por su parte, Will vive con su bella novia Liv (Robin Wright Penn), quien está permanentemente preocupada por su problemática hija de 13 años, Bea (Poppy Rogers).

Will se hace amigo de Amira para continuar investigando el delito, pero la amistad entre ellos toma un giro inesperado. Amira no tarda en descubrir que Miro fue quien robó la oficina de Will y sospecha de las verdaderas intenciones de éste en su relación. Ganada por el miedo, comienza a chantajearlo para proteger a su hijo. Con su vida en crisis, Will se embarca en un apasionado viaje hacia el lado más oscuro de la ciudad y de sí mismo.



INTRODUCCIóN
Filmado en locación en Londres y en los Estudios Elstree durante el verano de 2005, “Breaking and Entering” es el primer guión original producido del director laureado con el Premio de la Academia Anthony Minghella, desde su debut en el cine en 1991 con Truly Madly Deeply. Producido por Minghella, Sydney Pollack y Timothy Bricknell para Mirage Enterprises (la compañía productora de Minghella y Pollack), el film es una co-producción entre MIramax Films y la Weinstein Company.
“Breaking and Entering” está protagonizada por Jude Law, quien previamente trabajó con Anthony Minghella en Cold Mountain y en The Talented Mr. Ripley y que recibió nominaciones al Premio de la Academia por ambas interpretaciones. Lo acompañan Juliette Binoche, quien obtuvo el Oscar a la Mejor Actriz de Reparto por su papel en The English Patient, de Minghella, y la actriz estadounidense Robin Wright Penn, quien se forjó un nombre con su papel protagónico en Forrest Gump y recientemente actuó en A Home at the End of the World. El reparto incluye también a Vera Farmiga, Ray Winstone, Martin Freeman, Rafi Gavron, Poppy Rogers y Juliet Stevenson.
Detrás de las cámaras están en diseñador de producción Alex McDowell (Fight Club, Minority Report) y el fotógrafo Benoit Delhomme (The Scent of Green Papaya, Merchant of Venice, Cyclo). La música original fue compuesta por Gabriel Yared (The English Patient, The Talented Mr Ripley, Cold Mountain), y Rick Smith y Karl Hyde, del grupo Underworld.



LA PRODUCIóN
¿Quién limpia mi casa? ¿Quién cocina mi comida? ¿Quién lava mi automóvil?
Para su primer guión producido desde Truly, Madly, Deeply en 1991, Anthony Minghella eligió un drama, tanto íntimo como social, al involucrar las vidas dispares de los habitantes contemporáneos de Londres. Sus personajes representan una porción mixta de residentes, desde jóvenes profesionales establecidos hasta los recién llegados a la ciudad, los inmigrantes con un pasado de guerra y penurias económicas. A medida que los barrios pobres vuelven a ser desarrollados y los ‘que tienen’ avanzan sobre los terrenos de los que ‘no tienen’, los límites de clase, cultura y privilegios se tornan difusos. Los sujetos son reunidos por una serie de robos reales y metafóricos que los obligan a conectarse, a separarse y a volver a reunirse de maneras diferentes y mejores.

“Hace mucho tiempo, intenté escribir una pieza teatral llamada Breaking and Entering”, cuenta Minghella. “La idea era que una pareja llegara a casa de una fiesta y descubriera que habían entrado en la casa. Al hacer un inventario de lo robado, descubren que algunas cosas habían sido agregadas, y que indicaban que había problemas en el matrimonio. Me gustaba la idea pero nunca llegué a escribirla”.

“Luego, hace dos años, compramos una vieja capilla al norte de Londres para convertirla en nuestro estudio. Recuerdo que mi hijo Max, cuya escuela estaba cerca, dijo en ese momento –y lo incluí en el film- : ‘Mal lugar para una oficina’. Pero a mí me encantaba el lugar, su emplazamiento. Durante la reforma, que fue importante, yo estuve en Rumania realizando las búsquedas para Cold Mountain y recibía llamadas desde la oficina que me decían: ‘Hola, nos han entrado. Hola, de nuevo entraron ladrones…’. Supongo que la oficina se había convertido en una especie de foco para las propiedades de su alrededor y era divertido causarnos problemas. En un lapso de ocho semanas, nos entraron 13 veces”.

“Esta especie de ‘bautismo de robos’ me recordó la idea que había tenido hacía 15 años y empecé a pensar que había una manera diferente de decir lo mismo: un delito puede significar una reparación; una intromisión en tu casa puede arreglar algo. Yo pienso que una vez que el daño está hecho, su reparación nos hace más fuertes. También está la idea de que hay diferentes formas de ‘robar’, toda clase de hurtos. En parte, el film se trata de eso”.

Jude Law, quien interpreta el papel crucial de Will Frances, dice: “Es una historia acerca de los mundos que vivimos aquí en Londres, que colisionan o no, que se entrecruzan. Mundos a los que a veces no les prestamos atención porque los damos por sentados o –peor aún– los respetamos pero de una manera paternalista. Pensamos: ‘Yo dono dinero para caridad, dono mi ropa vieja a Humana, hago lo que me corresponde’, cuando en realidad, no hacemos nada para ayudar a nadie. Casi nunca nos preguntamos quién limpia nuestra casa, quién lava nuestro automóvil, quién cocina nuestra comida o si ellos están mejor educados que nosotros”.

“De todas maneras, este no es un tema vendible, el de los inmigrantes”, afirma Juliette Binoche, quien interpreta a Amira, refugiada de Bosnia y madre de Miro, el chico cuya entrada para robar la casa dispara una serie de singulares encuentros. “Es como que los ponemos en un rincón y no deseamos pensar ni hablar de ellos. Me encantó que Anthony deseara referirse a lo que significa ser inmigrante, cómo una vida puede cambiar absolutamente a causa de una guerra, una decisión que toman otras personas. ¿Cómo sobrevivir como inmigrante si en tu país eras pianista, científico, profesor, y de pronto en otro país te conviertes en sastre o en mucama?”

“Es fácil juzgar cuando no se conoce a la gente ni sus situaciones, ¿verdad?”, dice Martin Freeman, quien interpreta al socio de Will, Sandy Hoffman. “Todos lo hacemos; yo, todo el tiempo. A veces nos olvidamos de que todos tienen una historia, una vida. Es difícil ver todo blanco o negro cuando sabes las cosas complicadas que se ponen en riesgo en las vidas de otras personas”.

“Yo quería hacer un film en mi lugar, en Londres, y acerca de Londres”, expresa Anthony Minghella. “Y una de las cosas que amo de Londres, lo que todos los que aquí vivimos celebramos, es que está llena de gente de diferentes nacionalidades. Culturalmente es diversa, un verdadero crisol. Pero diría que este es el análisis positivo. El análisis no tan positivo es que, dado que las marcas distintivas de clase se alteraron o difuminaron, todos han migrado hacia una clase media que en cierta forma ha desplazado a los trabajadores ‘de cuello azul’. Ha emergido una clase invisible de trabajadores que no son ingleses sino que provienen de distintos países. Aunque somos extremadamente quisquillosos con la inmigración y utilizamos estos temas como gestos políticos en las elecciones, lo cierto es que estamos apoyados en los inmigrantes”.

“Mi abuela era inmigrante polaca, hablaba francés con acento polaco y era sastre. Cuando leí el guión me sorprendió, porque no esperaba que me resultara tan cercano”, cuenta Binoche, “tan lejos y tan cerca al mismo tiempo. Una de las razones por las que deseaba hacer el film era que se lo quería dedicar a ella, a mis raíces. Me pareció una gran oportunidad para agradecerle porque todavía es verdad que hay generaciones que deben atravesar tiempos difíciles para que sus descendientes tengan una vida mejor, con mejores opciones. Ha sido maravilloso hablar de esas personas”.

“Hoy en Londes, nosotros nos sostenemos en un grupo invisible de kosovos, eslovenos, bosnios, brasileños, mejicanos, nigerianos, ghanatas: gente que viene para hacer los trabajos que odiamos hacer”, dice Minghella. “Son invisibles para el estado de bienestar y también culturalmente, pero conforman un alto porcentaje de esta gran ciudad. Y pensé que si uno hace una película sobre Londres, será mejor que esa película contemple este tema, los grados de privilegio o no que pueden obtenerse en Londres. Quería hacer un film que de alguna manera se ocupara de esto sin hacer que nadie se sintiera reconvenido”.



Bienvenidos a King’s Cross en Londres
La cambiante demografía de Londres halla eco en su geografía también cambiante. Significativamente, el personaje central de “Breaking and Entering” es un arquitecto paisajista con un hogar confortable en el arbolado norte de Londres y un estudio de última generación en King’s Cross. Esta área había sido previamente presentada en la clásica comedia de Ealing The Ladykillers, y los fanáticos de Harry Potter la conocen como la locación de la plataforma desde la que parte el Expreso de Hogwarts. Como vasto reducto de conocimiento y cultura, la British Library se encuentra al final de la calle. Sin embargo, al igual que la mayoría de los barrios que circundan las importantes estaciones de trenes del mundo, King’s Cross tiene su lado oscuro y sórdido.

Durante el siglo XIX, King’s Cross era el distrito más pobre de Londres y fue una zona peligrosa durante décadas. Recientemente, además de las conexiones hacia Euston, de las líneas ferroviarias y las estaciones de metro de King’s Cross y St. Pancras, el área ha sido un sitio de tránsito. En los últimos cinco años,también se ha convertido en la locación de uno de los sitios de construcción más grandes de Europa, el proyecto de revitalización y desarrollo urbano más ambicioso de Gran Bretaña desde la época victoriana.

“El film está ubicado en el norte de Londres, donde Anthony, Jude y yo vivimos”, dice el productor Tim Bricknell. “Tratamos de mostrar la Londres de nuestra vida diaria, que fluctúa entre viviendas económicas –usualmente proyectos mal diseñados donde es muy desagradable vivir– y áreas muy lujosas, victorianas y georgianas. Tuvimos mucha suerte al poder acceder al sitio de la construcción de King’s Cross porque, de muchas maneras, es una metáfora de todo el film. Se trata del cambio de Londres hacia una nueva ciudad: una vida antigua y acartonada transformada por nuevas influencias, más allá del sedimento británico”.

King’s Cross está actualmente al borde de lo que Minghella describe como “una convulsión arquitectónica”. Además de la espectacular obra de ingeniería que culmina en la nueva terminal de Londres de la conexión del Tren del Túnel del Canal [Channel Tunnel Rail Link (CTRL)], que se proyecta inaugurar en 2007, el proyecto de revitalización de King’s Cross continuará durante los próximos cinco a siete años. Será acompañado de nuevas viviendas, negocios, oficinas y carreteras en un área de cerca de 60 acres. No todos reconocen los beneficios o comparten el entusiasmo del gobierno y de los hombres de negocios por este magnífico ejemplo de renovación urbana.

“Hay una cierta ironía en la manera en que vivimos”, reflexiona Minghella. “La ironía de que venga un tipo y compre una elegante oficina, y que después se moleste porque la gente se siente resentida. Pero por supuesto que se siente así si es un lugar donde las oportunidades son escasas”.

Ray Winstone, quien interpreta al detective Bruno Fella, es nativo de Hackney, en el rudo East End de Londres, y posee experiencia directa en el desplazamiento de familias de bajos recursos a causa de la ‘regeneración’. También reconoce que el aparente progreso genera resentimientos: “Te encuentras con muchas personas que siempre han vivido allí y que se molestan porque se están construyendo cosas hermosas que no son para ellos. Son trasladados hacia otra parte y aquí se muda la gente que sí puede pagarlo. Creo que quienes planifican tienen las mejores intenciones del mundo, pero no piensan demasiado en aquellos que tienen una historia de vida en este lugar. Como le dice mi personaje a Jude: ‘Allí hay una biblioteca británica, allí está King’s Cross, aquí estás tú y en el medio, esta nueva área. ¿Y te preguntas por qué te violaron tu oficina?’. Nadie piensa nunca en eso cuando se muda a un lugar. La gente trae un montón de dinero a una zona donde hay gente pobre y se pregunta por qué le roban el automóvil. No digo que esté bien, pero la razón existe”.

“El desarrollo de King’s Cross se trata de lo que ocurre en las grandes ciudades; pero hasta cierto punto, lo que está ocurriendo en Londres, con una historia tan increíblemente rica, no es bueno”, observa el diseñador de producción Alex McDowell. “El hecho de que King’s Cross esté siendo limpiado y atemperado con el espíritu de regenerarlo y mejorarlo no es necesariamente una mejora social. De eso, en gran parte, se ocupa nuestra película”.
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“Londres es una ciudad complicada”, describe Minghella. “Yo no quería hacer una Londres bonita, pero sí una Londres llena de color, saturación y complejidad y por eso lo convoqué a Benoit Delhomme. Es brillante. Fotografío Cyclo, de Tran Anh Hung en Vietnam. Saigón no siempre es bonita y él logró darle verdadera profundidad y textura”.

Aunque la producción filmó varias escenas en King’s Cross, la renovación de la zona ha avanzado tan deprisa que se necesitó encontrar otra locación para el estudio Green Effect de Will y Sandy. Ya no se encontraban los fondos de calles pobres y edificios abandonados en el entorno.



Green Effect
“Uno de los verdaderos problemas fue encontrar un sitio para las oficinas de Green Effect”, cuenta McDowell. “Narrativamente, debían estar en King’s Cross, pero existían restricciones para filmar en una parte deteriorada y pobre de King’s Cross que ya no existe. Esa realidad existía hace cinco o diez años, así que el desafío fue encontrar una locación que se asociara geográficamente con King’s Cross pero aún en estado previo a la reconstrucción”.

McDowell y el gerente de locaciones Jonah Coombes siguieron el recorrido del sistema de canales de Londres, poco conocido y utilizado, con la teoría de que el curso del agua brindaría un vínculo y un aspecto en común con King’s Cross. “La mayor parte del tiempo en pantalla es en la oficina Green Effect, pero debido a la gran cantidad de requerimientos narrativos –debía ser atacada desde arriba, los ladrones debían entrar por el tejado, debía albergar ciertas medidas de prácticas arquitectónicas– nos pareció que tendríamos suerte si encontrábamos aunque fuera el esqueleto de un edificio”.

Luego de ver 30 ó 40 edificios a lo largo del canal en dirección Este, el equipo encontró el edificio abandonado de una fundición de hierro en Bow, en el East End de Londres. Estaba en tal estado de decadencia que hubo que reconstruirlo de arriba abajo, utilizando técnicas verdaderas de reconstrucción, más que la cosmética usual para los foros de filmación. Para delicias del dueño, las paredes se lavaron con arena, se colocaron pisos y se reemplazaron ventanas. Para los puentes interiores se utilizó acero.

“Realmente no había otra alternativa”, cuenta McDowell. “Con las restricciones del presupuesto y los requerimientos geográficos de la locación, tuvimos que encontrar un lugar y hacerlo nuestro. En casi todos los casos, eso es lo que hicimos: fuimos a las locaciones y las modificamos lo suficiente como para permitir que el arco de la historia se moviera suavemente entre ellas; sin embargo, dejamos que la locación influyera en lo que nosotros hacíamos, más que imponer nuestra propia visión”.

“Me emociona lo que puede hacer el departamento de arte”, expresa MInghella. “Alex podría haber sido un gran diseñador para Kubrick o para alguien que pudiera preocuparse por los detalles más mínimos. El nivel de experiencia del diseño de producción en el mundo del cine es extraordinario. Si los directores fueran la mitad de talentosos y rigurosos de lo que son los diseñadores de producción, habría muchísimos filmes grandiosos”.

En “Breaking and Entering”, la firma de Will Francis, Green Effect, fue contratada para planificar y diseñar los espacios abiertos públicos en el marco del nuevo desarrollo de King’s Cross. El nombre de la firma quizás sea engañoso: “Will es arquitecto paisajista pero odia las flores y las plantas”, dice Jude Law. “Se rehúsa a utilizar césped o verde. En verdad, lo que le gusta es el cemento”.

“El manifiesto que Anthony escribió para el personaje de Jude parece ajustarse a la idea de lo que es el diseño de paisajes: no tiene nada que ver con la naturaleza, sino con el control que la arquitectura ejerce sobre el medio ambiente. “Es una idea muy fuerte”, describe Alex McDowell.

Los arquitectos paisajistas no deben confundirse con los jardineros paisajistas, quienes en realidad son bastante quisquillosos en cuanto a la distinción y no consideran que su profesión sea una rama de la arquitectura. La vegetación es, por supuesto, uno de los elementos de la arquitectura paisajista; el resto son la tierra, el agua, los edificios, el pavimento, las paredes, las calles y el clima, todo lo cual es explotado e integrado para reconciliar lo que es hecho por el hombre con el entorno natural, a fin de optimizar los espacios exteriores.

Aunque está basado en una amalgama de elementos reales, el esquema que propone la compañía de Will para el desarrollo de King’s Cross es completamente ficticio. Tanto el esquema como el modelo en escala que domina la oficina Green Effect, fueron diseñados sin embargo con exactitud por McDowell y su equipo. “Dado que es la pieza central del foro de la oficina y se refiere a la interacción entre Will y Miro, vemos lo suficiente del modelo como para que sea creíble para la comunidad de arquitectos y diseñadores de paisajes”, dice. “Tomamos el marco del entorno real del proyecto de King’s Cross e imaginamos que la compañía de Will tendría a cargo la porción de paisaje del esquema. Para que funcionara, debimos tomar lo básico –el verdadero King’s Cross, el verdadero St. Pancras, la verdadera vía ferroviaria– pero el centro es un motivo gigante y circular redirigido respecto del canal, una idea de Anthony. Es un esquema imponente, de tipo veneciano. Arquitectónicamente, es creíble y podría funcionar, pero creo que podría llegar a inundar a toda el sistema ferroviario de Londres si de verdad se hiciera…”

“La arquitectura y las políticas de paisajismo realmente me interesan desde siempre: lo que es el espacio, cómo se organiza, quién vive en qué porciones”, dice Minghella.

Dondequiera que estés, es una dinámica extraña”, dice Vera Farmiga, quien interpreta a Oana, la prostituta rumana que se hace amiga de Will. “Se puede seguir adelante y limpiar por completo un área, pero ¿qué ocurre con la suciedad? Debe ir a alguna parte, debajo de alguna alfombra, barrida hacia algún rincón. Simplemente cambia de lugar y luego es abandonada.



“Breaking and Entering”
“La cuestión es: ¿es peor robarle a alguien la computadora o robarle el corazón?”, se pregunta Jude Law.

Cuando los responsables del robo verdadero a las oficinas del norte de Londres fueron atrapados, Anthony Minghella no se sorprendió al enterarse de que los delincuentes eran jóvenes carenciados y que sus vidas eran considerablemente más complejas que la suya. Al incluir estos elementos de la vida real en una historia, Minghella expandió la idea de realzar estos factores atenuantes: “Me gustó la idea de un delito en el cual, en cierta manera, el menos culpable es el que lo perpetró y el más culpable es la ‘víctima’. Me interesaban las implicancias del delito: por qué la gente necesita robar, qué se roba. Cuando éramos niños había un lema marxista muy popular; recuerdo pancartas en la universidad que decían: ‘Toda Propiedad es Robada’. Existía la noción de que ser dueño de algo era malo en sí mismo. Yo me aparté de esta noción, pero sin embargo puedo ver que es una ecología compleja: propiedad, robo, clamar por cosas, por el mundo, por el aire, por el espacio...”

“La reacción de Sandy a los robos es bastante conservadora”, dice Martin Freeman, “o quizás sea la normal. Está enojado porque le robaron y quiere que alguien pague por ello. No es tan abiertamente comprensivo como el personaje de Jude, pero Will solo tiene que perdonar una vez; luego tendrá otros motivos para perdonar”.

Creo que Will es más el soñador, el poeta, y Sandy el más pragmático. Eso aparece en sus reacciones, al extremo de ver que su espacio es invadido”.

Ray Winstone admite que en principio le resultó difícil imaginar que un policía podría ser tan comprensivo y sanguíneo como su personaje de Bruno Fella: “Era diferente de mis perspectivas sobre esas cosas: alguien entra en tu casa y es natural que quieras matarlo. Pero entonces conocí a un policía real que se encontraba en esa situación, que estuvo trabajando en la zona con estos chicos, tratando de acercarse a ellos. Sospecho que en cierta manera me educó y yo comencé a comprender un poco más el guión”.

“Yo sé cómo es. Tengo tres hijas y puedes hablar con ellas acerca de la razón por la que no debería ir a alguna parte o hacer ciertas cosas. Ellas dicen: ‘Sí, papá, tienes razón’, pero van y lo hacen. Los chicos no te tienen en cuenta para nada. Es la naturaleza humana”.



Madres
“Comencé a examinar la noción de dos madres con niños difíciles, desafiantes y más bien maravillosos y a encontrar la manera –con un sistema que contenía a un niño problemático y otro que lo descuidaba– de equilibrar la historia”, cuenta Minghella. “Y fue así que creé dos familias, ambas extranjeras. Una, con una madre sueca que llega a Londres con una criatura autista y con agudas dificultades de conducta. La niña está obsesionada con la gimnasia, solo come comidas de un color, no duerme y experimenta durante la pubertad la exacerbación particular de algunas dificultades de conducta. Por otra parte hay un niño de una edad similar, un poco mayor, también gimnasta, pero utiliza sus habilidades en la gimnasia para entrar en los edificios de maneras interesantes. Su madre es una refugiada bosnia de edad parecida a la de la madre de la niña. Ambas se asemejan en lo extraordinario”.


El inusual encuentro entre las dos familias es acompañado por una invasión de ambas partes. Will Francis, el hombre que vive en un hogar materialmente privilegiado, muda su oficina al barrio de la familia marginal. Miro, el chico de la familia cadenciada, entra en esa oficina para robar la computadora. Will soluciona el problema investigando ostensiblemente el robo pero en realidad ‘robándole’ el corazón a Amira, la madre del chico, y en este proceso, pone en peligro el frágil equilibrio de su propia vida. Lo que pasa por alto es la feroz decisión de ambas madres de proteger a sus hijos.

“En cierta forma, Will es un hombre entre dos madres, no solo entre dos mujeres”, afirma Juliette Binoche. “En un momento, cuando Amira se siente traicionada, es cuando aparece el cuchillo. Como ella dice, ‘Debes saber que las mujeres harán cualquier cosa para proteger a sus niños’. Amira está en un punto en el que no le importa nada más que su hijo. En el film hay muchos temas fuertes, pero este es uno que particularmente me encanta, la relación entre madre e hija, entre madre e hijo, qué es ser madre y su complejidad. Creo que es un tema verdaderamente conmovedor, supongo que porque yo soy madre. Después de la guerra, los soldados, los hombres, están muertos. Las que quedan son las madres con los niños. Deben tratar de sobrevivir, de acomodar sus vidas, de inventar otra vida posible sin dinero… Todas las consecuencias de la guerra son abrumadoras cuando las vemos en los noticieros. Sentí que este tema era aludido sutilmente, pero que tenía presencia”.
Con el desmoronamiento de la Unión Soviética, se creó un número de estados balcánicos, entre ellos Bosnia, Croacia y Macedonia. Las fronteras y las poblaciones cambiantes generaron conflictos entre grupos étnicos y religiosos, en particular entre Serbia (ex – Yugoslavia) y Bosnia (ex – parte de Yugoslavia). La capital de Bosnia, Sarajevo, en una época fue considerada un modelo de tolerancia étnica y religiosa, pero en 1992, Bosnia se declaró independiente de Yugoslavia. Como está bien documentado, el conflicto incluyó campos de concentración, asesinatos masivos de musulmanes en Bosnia por parte de militares y policía serbios y violación sistemática de las mujeres musulmanas. De las 250.000 muertes, la mayoría fueron de civiles. Aproximadamente 800.000 refugiados bosnios huyeron hacia otros países.
A fin de prepararse para su papel, Juliette Binoche pasó un tiempo en Sarajevo, captando el lenguaje y la cultura, absorbiendo la atmósfera de la ciudad y, lo más importante, conociendo a mujeres bosnias cuya experiencia durante la guerra la ayudaría a comprender su personaje. La medida de su éxito la dio el hecho de que los bosnios del elenco y del equipo de filmación expresaron su asombro ante la maestría de la actriz en su acento. Los extras del Bosnian Community Center la aceptaron públicamente como una integrante de la comunidad.

“Pasamos mucho tiempo buscando primeramente a actrices bosnias y luego de Europa del Este para interpretar el papel, pero al final nos pareció que nadie lo haría mejor que Juliette”, cuenta el productor Tim Bricknell. “Tiene una historia en la interpretación de mujeres europeas del Este; el mundo la vio por primera vez en The Unbearable Lightness of Being y trabajó además con Kieslowski. Sin embargo, y al igual que todos nosotros, a Juliette le preocupaba mucho no ser bosnia, así que trabajó extremadamente para aprender el idioma y para desarrollar su personaje. Es una actriz tremenda, probablemente la mejor actriz de cine del mundo”.

“Definitivamente, Juliette es una de las personas más inspiradoras que alguna vez haya observado”, afirma Jude Law. “Posee una especie de libertad y de temeridad y a la vez está enraizada en lo verdadero, real y preciso. La actuación es parecida al deporte en el hecho de que cuando juegas con alguien bueno, mejora tu calidad. Al actuar con Juliette eres consciente de que estás mejorando tu juego”.

“Es extraño, pero cuando escribo no pienso en los actores”, dice Anthony Minghella. “La verdad es que, en el sentido más banal, la escritura es la investigación de uno mismo. Cuando escribo el personaje de Amira la refugiada bosnia, soy Amira. No es un proceso mecánico de imaginar personas, sino que es mucho más peculiar e interesante y difícil de articular. Como escritor, aspiro a llegar lo más profundo posible a mis propios conflictos internos, a sufrir y a gozar y a tratar de animarlos. Cuando sales de esto y te das cuenta de que has creado a estas dos mujeres que pueden ser interesantes, entonces se convierte en algo bastante mecánico porque sabes que vas a tener a dos mujeres en el centro del film, que necesitan tener un aspecto diferenciado, de modo que cuando se realice un corte rápido se sepa que se pasa a otro mundo con diferentes características y temperatura emocional. Cuando estaba seleccionando a las actrices que harían de Liv y de Amira –una, complicada y en contradicción consigo misma; la otra, apasionada y comprometida– aparecieron muy pocos nombres. Para muchas actrices hubiera sido imposible, creo, interpretar uno u otro papel”.

“Robin es una de las pocas actrices estadounidenses que se ha mantenido enigmática, interesante y privada, siempre un poco al margen”, dice Jude de su co-estrella femenina. “Realmente pienso que este es su momento: es muy bella pero siempre tuvo mucho más que belleza. Ahora creo que ha llegado a una edad en la que se revelará con un brillante trabajo”.

A Robin Wright Penn, el guión y el personaje de Liv en particular la intrigaban porque los encontraba “más matizados que lineales, y eso brinda algo para explorar. Liv tiene una incapacidad para conectarse. Se siente culpable de eso pero no puede dejar de cuestionarse, de analizar, y cuando vives en esta zona de búsqueda permanente no vives en realidad. Estás muy ocupada en pensar y planear. Se trata de tácticas y piensas: ‘¿Y si hacemos esto?, ¿Y si probáramos aquello?’ Puede estar con su hija porque es el espacio de las explicaciones: constantemente le está explicando a Bea lo que hacen y por qué lo hacen. Pero en su relación, cuando más la necesita, no tiene comunicación. Está aislada y amargada porque la otra persona no entra en la burbuja que ella misma ha creado”.

“En cierta forma, Liv y Will tienen una relación verdaderamente buena”, describe Law. “Todavía están pendientes el uno del otro, pero están en el punto en el que no pueden hablar y, cada vez que lo hacen, se provoca un movimiento de ataque o de defensa. Y Bea, la hija de Liv, no ayuda: es demandante, no duerme, colecciona cosas en forma obsesiva, no come algunas comidas y a los 12 años, vivir con ella es como vivir con una criatura de 4. Eso ejerce mucha presión en Liv y una presión enorme en Will, quien realmente es un buen padre. Es el padrastro, pero muy comprometido, cariñoso, y sin embargo se siente excluido del círculo, aun cuando forma parte de la familia”.

“Probablemente Robin es una de las actrices que puede sostener el personaje de Liv, opuesto al de Amira de Juliette Bnoche”, dice el productor Tim Bricknell. “Will Francis está realmente atrapado entre estos dos personajes. Necesitábamos a una actriz de estatura, habilidad y belleza similares a las de Juliette para interpetar a Liv. Robin desempaña ampliamente este rol”.

“Amira está tan cerca de Juliette en cuanto a sensibilidad y espíritu que pensé: ‘No puedo elegirla, sería ridículo’. No le dije nada del film y al final fue ella quien me llamó y me preguntó: ‘¿Por qué no me hablas de esa película?’, recuerda Minghella. “Si escribes a un personaje de Bosnia, creo que tu obligación es encontrar a un actor bosnio. Sentí que no estaría bien hacer un film acerca de la diversidad de los habitantes de Londres y luego seleccionar a actores familiares para esos papeles. Me impuse hallar a una actriz bosnia, a una actriz sueca, y disfruté del desafío. Me reuní con varias actrices fantásticas de Dinamarca, Suecia, Noruega, Finlandia, y luego con muchas de Eslovenia, Eslovaquia, República Checa, Rusia, Bosnia y Serbia. Al final la elegí a Juliette y logré hacerlo sin sentir que podría haber sido otra persona”.

Para el personaje de Liv, Minghella decidió que el personaje sería sueco-estadounidense, a fin de justificar la elección de Robin Wright Penn, la actriz con la que había estado deseando trabajar desde que le vio en The Pledge, de Sean Penn. “Fue un momento liberador. De pronto pensé: ‘¿Adivina qué? Si yo lo escribí, puedo cambiarlo’”, recuerda el director.

“Para mí era suficiente con ser estadounidense; somos una raza muy diferente”, dice Robin Wright Penn de su personaje. “Los ingleses son muy comunicativos de lo que sienten y, al mismo tiempo son muy reservados. En cierta manera, los estereotipos se invierten: Liv se hace inglesa, cortada, mientras que Hill es el más comunicativo. Pero ambos son culpables de decir la antítesis de lo que hacen…”.

“Robin es una actriz que he tratado de incluir en mis películas desde hace diez años. Equilibra fantásticamente a Juliette: frágil, pálida e introspectiva como un fantasma.

Siento que si le pidieras que gritara, no sabría qué es eso. No necesita en absoluto del volumen. Va siempre hacia atrás y Juliettte arremete con su fuerza vital. La una es el espejo perfecto de la otra, el ying y el yang.



Will
Al igual que con la selección de las protagonistas femeninas, Minghella se debatió acerca de la selección de Jude Law para el papel de Will Francis. Amos son amigos desde hace muchos años y las actuaciones de Law en The Talented Mr Ripley y en Cold Mountain le valieron numerosas distinciones, entre ellas nominaciones al Premio de la Academia por ambos filmes. Sin embargo, Law recuerda que no fue tan simple como un llamado telefónico del director para ofrecerle el papel: “Anthony tiene un proceso muy complicado. Había concluido su primer borrador del guión cuando me llamó y me pidió que lo leyera. Tuvimos una muy buena conversación acerca del guión en la cual le dije que me había gustado mucho. Le encantó y me dijo que se volvería a poner en contacto conmigo, pero lo estuvo pensando durante cuatro meses. Creo que estaba reflexionando, debido a nuestra relación pasada y a nuestro respeto mutuo. Pero también creo que él aborda cada proyecto teniendo en cuenta lo que es mejor para el film. Tuvo que asegurarse de que yo sería el mejor para ese papel”.

“Anthony no había escrito el papel teniendo en mente a Jude, quien es un actor complejo, con una vulnerabilidad que muchos actores masculinos no quieren mostrar. Jude es un muy buen vehículo para la escritura de Anthony, que siempre bucea en lo emocional”, afirma Tim Bricknell.

“En Will había muchos elementos que yo nunca había actuado, cercanos a experiencias que viví”, confiesa Law. “También tuve la verdadera sensación de cuán íntimo es este papel para Anthony y eso me intrigaba: incursionar en el alma de alguien tan cercano a quien lo escribió planteaba una excitante perspectiva. Y en el guión había muchos fantasmas que en cierta forma reflejaban mi vida. Sentí que a través de ello quizás podría ahuyentarlos”.

“Básicamente, lo he visto evolucionar a Jude desde el muchacho de quien casi no se hablaba hasta este espléndido talento. No hay duda de ello: ha crecido hasta ser el actor que es hoy”, señala Ray Winstone. “No es sólo una cara bonita; es un excelente actor y me siento muy cómodo compartiendo la habitación con él”.

Cuando llegó el momento de seleccionar a Will, pocas personas habrían tenido la inteligencia, la curiosidad y el carisma de Jude”, dice Minghella. “Honestamente, puedo decir que en las tres películas y en la obra de teatro que hemos hecho juntos, nunca sentí ni un segundo de desconexión entre nosotros y él nunca estuvo mal. Nunca para de trabajar, siempre está dispuesto s seguir. Es vulnerable y veraz. Y creo que como actor está devaluado: a veces se lo castiga por su aspecto. Las cosas serán más fáciles cuando envejezca y salga a relucir su brillo. Mi socio Sydney Pollack trabajó con Robert Redford ocho o nueve veces. Me encantaría que Jude fuera mi Redford. Es bueno, complicado y especial como lo es un actor”.

Para Law, trabajar con Anthony Minghella se ha convertido en una cuestión de absoluta confianza en lo que respecta a lo que el director pretende de él y lo que él realiza como resultado final. “Literalmente hago lo que él me dice y me voy a casa. Nunca pienso en mirar la proyección, sino que le dejo eso a él y me voy porque sé que utilizará el material de la manera más adecuada en la película. Es enormemente comprometedor porque a nivel emocional y cerebral, no puedes dejar de comprometerte con Anthony. Al mismo tiempo, es algo descomprometido… supongo que cabría una comparación con otro film que realicé recientemente. Allí sí veía las proyecciones diarias porque no tenía idea de lo que se haría con mi trabajo; tenía que ver cómo mejorar lo que estaba haciendo. Con Anthony dejo que las cosas fluyan, sabiendo que hará lo mejor”.



Miro
El que perpetra las violaciones a los domicilios en el guión y quien cataliza todo lo que sucederá en consecuencia es Miro, un chico de 15 años que vive con su madre sola en una vivienda económica y que está dominado por un tío que lidera una banda de ladrones. “Miro o es la clase de persona que desee estar robando, pero tienen un tío que lo apremia y del cual no puede escapar, y su primo Zoran es realmente su único amigo”, dice Rafi Gavron, quien debuta en el cine como Miro, el hijo de Amira. “El padre de Zoran maneja este ‘negocio’ donde les informan sobre elementos que luego roban. Dadas la sorprendente agilidad y la habilidad de Miro para introducirse en lugares pequeños, él es quien entra en las propiedades. En cierta manera, esto le agrada porque puede hacer free running [deporte en el que hay que salvar obstáculos a la carrera, cuyos movimientos se destacan por su agilidad y su gracia] y pasa toda la noche fuera de casa, algo que le encanta. Pero en realidad no considero que él tenga un costado de delincuente. Simplemente, está atrapado en este círculo que lo convierte en un chico problemático”.

“Miro fue el personaje más difícil de seleccionar”, recuerda el productor Bricknell. “Buscamos por todas partes: escuelas, escuelas de circo, escuelas de teatro, clubes de gimnasia, clubes de freerunning… Rafi apareció en una de las audiciones y se notaba que practicaba freerunning, este hobby o deporte de constante movimiento, de saltar por sobre los edificios. Rafi posee una increíble confianza, una sorprendente focalización, ligeramente aterrorizadoras las dos primeras veces que lo ves. Aunque nunca antes había actuado, parecía que actuaba desde hacía 50 años y que ya estaba aburrido. Es un chico de 15 años y eso es bastante normal. Pero como actor, llegó hasta ciertos lugares emocionales a los que muy pocos chicos pueden llegar”.

“Pasamos meses y meses en la selección de Miro porque necesitábamos a un chico extraordinario, que se moviera con verdadera gracia y pudiera actuar, con una vida emocional levemente frágil”, dice Minghella. “Los chicos odian revelar su interioridad. Si yo me hubiese presentado a una audición a los 15 años, habría durado allí sólo unos segundos. Me reuní diez veces con Rafi, quizás más. Y cada vez nos llevábamos mal y yo pensaba: ‘¡Es él! Sé que es la persona adecuada, ¡pero me está volviendo loco!’. Era complicado, extraño, luchaba consigo mismo. Las cosas que lo hacen bello en el film son las cosas que me impedían elegirlo porque pensaba que me daría mucho trabajo. Ahora esto suena ridículo porque resultó ser un placer, un acierto maravilloso para mí y para el film”.

Cuando lo conoció a Rafi Gavron, a Juliette Binoche la divirtió ver a un chico que físicamente se le pareciera tanto: “Realmente me sorprendió y pensé: ‘¡Vaya, podría ser mi hijo!’ Y me sentí responsable de él, probablemente como madre, pero también como actriz, ya que era su primera película y quería que se sintiera cómodo y que al mismo tiempo asumiera riesgos. Fue un gran desafío. Actuar es como desnudarse; se trata de dejar que las cosas fluyan. Cualquier cosa que pueda sentir, pensar o vivir un ser humano –que hay que dejar que te pase en tu interior– debe traslucirse en el actor, que es como una herramienta. A veces yo tuve que acentuar este proceso con Rafi, de modo que él sintiera que estaba bien hacerlo. Creo que compartimos una maravillosa complicidad y realmente me sentí como su madre durante el rodaje”.

“Son gente muy amable y alentadora”; así elogia Rafi Gavron a su director y a sus co-estrellas. “Me hacían sentir como si estuviese al mismo nivel que ellos en la actuación, como si fuera un actor consumado. Obviamente, es una experiencia increíble cuando pienso que no solo son grandes actores sino también celebridades muy conocidas. Es para pensar ‘¡Vaya, esto es tan extraño!’ Pero cuanto más trabajas con ellos, más sientes que es como una gran familia”.

Además de su parecido con Juliette Binoche y de su natural habilidad como actor, Rafi Gavron aportó al papel su agilidad natural. “Hay un momento en el film cuando los muchachos del lavadero de automóviles están jugando al fútbol en su pequeño patio de King’s Cross y la pelota se les va por sobre la empalizada. Rafi salta para recuperarla y esto es algo inusual en el cine, donde estamos acostumbrados a que un doble lo haga. Rafi salta la empalizada y se desliza por un caño. Y no está mal, sabes, que en este film contemos con un chico de alma oscura y toda la habilidad física. Es como que cuando se mueve, pudiéramos ver quién quiere ser él”.

Naturalmente, y aun cuando Rafi deseaba –y probablemente habría podido– hacer sus escenas de riesgo, cuestiones relativas a la seguridad y a la salud infantil impidieron que Rafi Gavron hiciera todas las escenas de riesgo que se ven en el film. Los integrantes del UK Urban Freeflow interpretaron la escena del parkouR[deporte urbano donde hay que sortear todo tipo de obstáculos]. ‘Kirby’ (en el lugar de Miro) y ‘Bam’ (en el de Zoran) fueron reclutados como dobles de frrerunning, y ‘E-Z’ fue el asesor de freerunning de la producción.




Bea / Oana / Sandy
Minghella describe cómo, luego de la interminable búsqueda de Miro, se dio lo contrario para hallar a Bea, la hija de Liv. El director sabía que necesitaría seleccionar a una niña ganadora de 13 años que pudiera leer sus líneas como la hija de Robin Wright Penn y que también tuviese la gracia natural para hacer de gimnasta. “Luego del trabajo de seleccionar a Miro, comenzamos a buscar a Bea. No sé cuántos cientos de niños vimos para el papel de Miro, pero en la primera sesión para el papel de la niña, Poppy Rogers entró y le dijo al director de reparto: ‘Elijamos a esta niña, la adoro’. Entrevistamos a un par de niñas más como un trámite, pero me parecía que Poppy era fantástica, un regalo. Creo que uno de los trabajos del director es el compromiso. Compromiso con esta gente, permitirles ser las personas adecuadas y seguir comprometiéndose”.

El talentoso y popular actor británico Martin Freeman fue seleccionado para el papel del amigo y socio de Will Francis, Sandy Hoffman. “Martin fue otro regalo para el film, por lo menos porque es muy diferente de los actores con los que normalmente yo trabajo. él es un poquito más ácido. Tengo la sensación de que en mis filmes hay mucha alcalinidad y Martín tienen un costado así, el que yo necesitaba, el que se resiste al sentimiento. ‘Ooh, espera un minuto, no estoy hacienda eso…’ Martin llegó en lucha con el material y conmigo, pero de una manera grandiosa. Es fantástico trabajar con alguien que no necesariamente hace lo que uno espera, pero que siempre será fascinante”.

Habiendo elegido a un actor de la estatura de Ray Winstone para un pequeño papel, Minghella se permitió la presencia de otro peso pesado para hacer un cameo: Juliette Stevenson, la estrella de su film Truly, Madly, Deeply, esta vez para interpretar a la psiquiatra. “En cierta forma, utilizar a una de nuestras actrices más brillantes para este papel es como una broma acerca de Truly, Madly, Deeply,porque lo que más se recuerda de su interpretación en ese film es la escena en la que ella está llorando en el consultorio de su psiquiatra”, explica el director. “Así que en este film, el personaje de Robin va al terapeuta con el personaje de Jude, y la terapeuta es Juliette Stevenson. Ella deseaba hacerlo y yo también quería que lo hiciera. Era como volver a la otra película y recordar lo grandiosa que había estado allí”.

Para el papel de Oana, la prostituta rumana, Minghella eligió a la actriz ucraniana-estadounidense Vera Farmiga, a quien había visto una vez en una reposición a altas horas de la noche de una serie estadounidense y había tomado nota mental para averiguar quién era. Coincidentemente, un agente de reparto sugirió a Farmiga para el papel y le dio a Minghella una copia del film Down to the Bone. El director lo vio y así lo recuerda: “Pensé que no podía ser la misma actriz… ¡Sí, lo era! Entonces nos reunimos y me enteré de que, luego de estar sin trabajar durante no sé cuánto tiempo, ahora Martin Scorsese quería que hiciera un film para él. Terminamos en la situación ridícula de que Martin y yo tuvimos que encontrar la forma de conciliar las fechas para que Vera estuviera en nuestros filmes. Ella me parece tremenda: tiene algo de Meryl Streep en cuanto a que no sabemos con precisión cómo es, ya que parece que siempre cambiara de apariencia. Es sorprendente”.

Farmiga logró dotar a su personaje de pathos y humor genuinos, y representar otro de los problemas reales de Londres, el de las mujeres de Europa del Este forzadas a prostituirse. “Esta especie de tráfico sexual es también invisible”, dice Anthony Minghella. “Pienso que muchas chicas son traídas y no tienen posibilidad de elección”.

“Me parece que lo trágico de Oana es que ella es alguien que podría ser cualquier otra cosa”, dice Vera Farmiga. “Posee sentido del humor y capacidad de introspección. Es bastante filosófica y realista. Pero esto es lo que le ha tocado en suerte. Dice unas cuantas cosas y nunca sabemos si son verdad porque básicamente, como ella misma dice, ‘No te anticipes respecto de mí. ¿Esto es lo que escuchas?, ¿esto es lo que sabes? Sí, por cierto’. Comienza a enumerar todas esas enfermedades de su familia, pero ¿cuánto de ello es cierto? En ese discurso ella en verdad le dice a Will y al público: ‘Ustedes creen que conocen mi historia, pero no se adelanten’. Está desesperada, es un animal salvaje, el zorro en el jardín”.

“Cuando comenzamos con la búsqueda en los alrededores de King’s Cross, parecía tierra yerma: millas y millas de paisaje lunar, mientras tratan de fijar un trocito de Londres – quienquiera que lo haga y cualquiera sea el significado de ‘fijar’”, dice Minghella. “Y mientras lo hacen, sale a relucir lo complicado de la ciudad, la complejidad de su vida nocturna. Estamos limpiando a Londres y en este proceso estamos ahuyentando cosas, escondiéndolas y dejando a un lado los problemas. En verdad, no estamos resolviendo nada; simplemente estamos decorando. Creo que la domesticación de las ciudades, de la Naturaleza, es realmente interesante porque colisiona con la supresión de lo que es natural en las personas. En Londres, ahora, lo único salvaje que podemos ver es el zorro. Por todos lados hay zorros urbanos. Y para mí son el recordatorio de que no podemos controlarlo todo…”





El Manifiesto de Green Effect *
Edificios: los arquitectos los diseñan, con sus formas pujantes, sus dramas visuales, sus interiores hechos a escala humana, sus puertas con picaportes que podemos abrir, ventanas a través de las que podemos ver, escaleras que podemos subir…
Entre los edificios hay espacios, formas femeninas profundas e importantes, pero a menudo dejadas de lado. Hay mucho más de estos espacios que lo que nosotros podemos apreciar o reconocer, aun en las ciudades; en los suburbios, en los terrenos que rodean las ciudades, este espacio domina y sin embargo raramente es coherente, planificado, comprendido, sino que es pensado como un espacio negativo, en contraste con la certeza absoluta de la función que posee un edificio. Un edificio nos alberga para trabajar, para reunirnos socialmente, pero afuera, en el entorno de los edificios –de esto se tratan los espacios exteriores– nuestra vida se aglutina y la gente continúa trabajando y reuniéndose en los espacios abiertos. Una mirada a cualquier parque un fin de semana, a la atracción que generan los espacios abiertos, nos brinda una rotunda evidencia de la importancia del paisaje urbano. Sin embargo, este entorno continúa abarcando pasillos miserables entre edificios, a los lados de los caminos, sofocados y definidos por falsas economías y mala voluntad.
Por cierto, Green Effect no está en contra de la Naturaleza, aunque nos acusan de ello. Más bien estamos en contra de la defensa fraudulenta de la Naturaleza, de la falsedad de llamar natural al espacio mediatizado, de confundir césped o verde con Naturaleza. Estamos en contra de la decoración –el cantero, la planta, el césped– , esas miniaturas de gestos de pacificación que la Naturaleza no reconocería. Por definición, la Naturaleza no se domina y no hay espacio en Gran Bretaña o en Europa que pueda ser descrito como natural sin ser irónicos. Que un sitio sea designado como espacio verde es ya un gesto de control. Puede ser llamado parque nacional o santuario de la vida silvestre, con su límites marcados y su vida animal monitoreada… ¡Vaya Naturaleza!

Lo que Green Effect defiende no es muy moderno. Ya en el siglo XIX, Nash diseñaba espacios interiores y exteriores. El Regent’s Canal, Regent Street y Regent’s Park ilustran un arreglo coherente de entornos públicos y privados: elegantes terrazas agrupadas en torno al parque, con sus círculos interiores y exteriores. Regent’s Park está hecho, por supuesto, como una construcción ni más ni menos natural que las hileras curvas de los edificios de estuco. La armonía confiada que se desarrolló a partir de esta unión entre casa y entorno tiene un impacto directo y positivo en aquellos que la habitan. Es grandioso caminar por el parque y ver las fachadas; es grandioso ver el parque desde el interior de los edificios. Estos valores son evidentes por sí mismos. Lo mismo se aplica a la Piazza italiana: sus grandiosas expresiones – SanMarco en Venecia, Piazza NAvona en Roma – sin un trozo de césped, son tan arquitectónicas, tan placenteras, tan definidas como cualquier edificio, y tan públicos como cualquier parque. Nos dicen algo sobre una cultura, de la misma forma que nuestros interminables y barrosos contornos, nuestros bosquecillos de bambúes, nuestros tristes árboles y canteros de flores de cemento: todo ello nos habla de nuestra sociedad actual y de su falta de respeto por lo que les ocurre a nuestros ciudadanos cuando parten de sus casas hacia las jaulas de vidrio de sus oficinas. Una mirada a los presupuestos otorgados a los espacios interiores y a los espacios exteriores indica la verdadera valoración de la sociedad del medio ambiente construido.

Green Effect considera que el paisaje construido es un arte, el cual requiere tanto cuidado como cualquier estructura, e igual reconocimiento del diseño. Creemos que debería haber más que un simbólico reconocimiento de los arquitectos en tanto ellos contribuyen con una gestalt del entorno, que la coreografía de espacio limitado e ilimitado debería estar determinada como un todo, no simplemente que uno dependiera de la otra (estoy aquí y llenen el espacio a mi alrededor). Cada gran escala de Proyecto Urbano debería dar empleo a arquitectos paisajistas y de la construcción simultáneamente, y Green Effect solamente se comprometerá con proyectos donde esta dinámica exista, así como la posibilidad de que las demandas de paisaje brinden un efecto genuino para la posición y las características externas de cualquier estructura. Cuando sea posible, Green Effect diseñará ambos. Favorecerá al medio ambiente, insistirá en que la armonía entre los llamados espacios masculinos y femeninos tiene impacto político, no en el delito sino, mayormente, en el respeto y la percepción del espacio exterior, el cual mejora la calidad de vida de todos los ciudadanos.




Notas sobre la música de Breaking And Entering
Anthony Minghella, julio de 2006

Siempre me ha resultado muy difícil escribir el guión de un film que voy a dirigir hasta que no escucho cómo sonaría ese film. A pesar de ser un medio visual, el cine está profundamente localizado en nuestros oídos. Escucho y escucho música antes de saber cómo empezar. Para The English Patient, me sumergí en canciones árabes y húngaras, hasta que un día, vagamente consciente de lo que sonaba, me atraparon los sonidos plañideros de una mujer que se lamentaba en un idioma que para mis oídos no acostumbrados parecía ser árabe. Fui entonces a ver mi aparato de CD y descubrí que era una cantante húngara, Marta Sebestyen, y que la canción provenía de Transilvania. La voz inolvidable de Martha, conjugada con la música de la frontera entre el Medio Oriente y los Balcanes, jugó un papel significativo y narrativo e la creación de la alquimia de la brillante música de Gabriel Yared para la película. The Talented Mr. Ripley, por su parte, nos llevó al mundo del Jazz, y así pasé felices momentos inmerso en la música de los Estados Unidos que se había abierto camino en Europa a fines de los 50, una aventura que nos llevó a Gabriel y a mí hacia una rica y formativa colaboración con el virtuoso trompetista y compositor de jazz Guy Barker. La música de Ripley se convirtió en parte crucial de la historia, ya que el enfrentamiento entre las improvisaciones de Bach y sus compañeros y las de los grandes intérpretes de Jazz definían la lucha de Tom Ripley entre lo formal y lo extemporáneo. En el caso de Cold Mountain, un libro escrito por Charles Frazier en forma privada con músicas de películas de canciones de los Estados Unidos nos llevó a Gabriel y a mí en un viaje musical a los Montes Apalaches. Esta vez fuimos guiados por el legendario productor y escritor T Bone Burnett, por el musicólogo John Cohen y por la maravillosa colección de Early American Music conservada en el Smithsonian Institute. Durante muchos meses, exploramos la música folk de las montañas, así como la fascinante música religiosa de la región, conocida como Shape Singing.

Luego de Cold Mountain, sentí que era tiempo de volver al mundo contemporáneo, específicamente a una historia que proviniera de mí y no de una novela. Esto generó más de un desafío en lo musical, porque comenzamos sin contar con las útiles claves y los compases de una novela, sin sus temas, locaciones y época. Tenía algunos vagos pensamientos, pero mis selecciones musicales eran particularmente excéntricas, aleatorias, y en esta era del Internet y sus laberintos musicales, completamente esotéricas. Me puse a explorar. Me encontré escuchando a artistas y bandas que no conocía, géneros que no entendía, pero gradualmente fui conformando una lista de temas que parecían pertenecerle al proyecto, o que podrían darle forma. En mi computadora conservo un registro de lo que escuché, y de cuántas veces lo hice. Es un catálogo de mis obsesiones particulares durante el período en que estuve redactando el borrador del guión. Tres de los temas más presentes (un número incómodo de veces) eran de Underworld.

Anteriormente, yo conocía a Underworld solamente como la banda responsable del sonido compulsivo y danzante de Trainspotting. Conocía ‘Born Slippy’ y su himno lager lager y había disfrutado de otros temas del grupo cuando me los había cruzado en el pasado. Lo que no conocía eran la ambición y al alcance de su música. Uno de los temas que me intrigó, del álbum 100 Days Off, era ‘Ess Gee’: tranquilo, meditativo, adictivo y a millones de kilómetros de la música de estadio. Hay mucha inteligencia –musical y conceptual– en el trabajo de Rick Smith y de Karl Hyde. La música es coherentemente meditada, aun en su forma danzante menos diluida. Yo no conocía nada de esto cuando comencé a escribir; mi oído me guió y así empecé a escribir con el sonido de Underworld a mi alrededor, junto con otras dos influencias significativas en el film: las de PJ Harvey y de Sigur Ros. Si bien son aliados inusuales, comparten una genuina musicalidad e inteligencia, así como un sonido absolutamente distintivo. Un tema de PJ Harvey es inconfundible, con su desnuda ferocidad y honestidad, así como los paisajes infantiles y neblinosos, todos himnos distantes y pianos de juguete, de Sigur Ros. Con Underworld, el significante es un denso paisaje musical, lleno de ideas, de experimentos de sonido, y casi siempre pulso, largas líneas de pulsos; ideas dispuestas sin considerar los parámetros de las canciones pop. Una música de interrogantes y respuestas, correspondiente a la naturaleza de su composición, un intercambio continuo entre Rick y Karl, como si fueran compositores separados en diálogo. En Underworld hay mucho cerebro y podemos reconocerlo en la música, y, crucialmente, en la producción de la música, que es siempre imaginativa, texturada, consciente de que esta es una época en la que la manera de producir un sonido no es más la provincia de los instrumentos occidentales o, en verdad, los instrumentos musicales. A ellos les hace feliz presentar y tocar con cuatro sonidos: de la calle, de la cocina, del accidente. Nos contactamos con ellos a través de su espléndido agente Mike Gillespie (quien ha sido parte esencial de la música del film) y comenzamos un delicado cortejo que llevó al matrimonio entre ellos y Gabriel.

Gabriel Yared es un notable compositor. En los últimos doce años, hemos emprendido muchas aventuras juntos y Gabriel ha creado tres memorables y bellas músicas para mí antes de “Breaking and Entering”, las cuales le valieron enorme reconocimiento, nada menos que de la Academy of Motion Pictures y de la British Academy, que le han otorgado sucesivas nominaciones. Uno de los grandes placeres de mi trabajo ha sido participar en la creación de su música y haber aprendido tanto de él. Su formación –con un pie en el Líbano y otro en Europa, un entrenamiento amplio e intenso– significa que su música proviene de un profundo conocimiento del repertorio clásico, así como un amplio amor y apreciación de la música contemporánea de todo el mundo. Una de las características de nuestro trabajo juntos es que Gabriel siempre ha logrado adoptar los desafíos que le impuse, las colaboraciones singulares, y creó músicas únicas y reconocibles. Ninguno de estos proyectos estuvo exento de dificultades y el hecho de que Gabriel haya perseverado en nuestra relación (¡y yo también!) es el testimonio del profundo respeto que ha nacido a lo largo del trabajo. En mi opinión, Gabriel es el mejor compositor de cine de hoy.

Verlos juntos a Gabriel, a Karl y a Rick fue una revelación. Los músicos se entienden en forma instintiva a través de sus instrumentos y luego de las primeras sesiones de experimentos e investigación en Abbey Road, se generó un respeto mutuo y un gran caudal de placer. Se estableció un contrato de generosidad. Underworld encontró a un nuevo integrante temporario y Gabriel descubrió a dos compositores que ofrecían una perspectiva completamente moderna a su proceso. A pesar de todas sus aparentes diferencias, estaban completamente relajados en el estudio. Al igual que Underworld, Gabriel disfruta de descubrir nuevos mundos de sonidos y cómo podrían funcionar en la extraña disciplina de la música de películas. Por su parte, Rick y Karl no tardaron en admirar las habilidades de Gabriel como arreglador, su tremendo don para la melodía y, críticamente su experiencia de cómo brindar música para el cine. La música trabaja con el ritmo, el silencio y la melodía, que funcionan como frases, a veces como poemas. Entretanto, el cine existe como montaje, y es en el fluir del proceso de post-producción que sus propias frases se flexionan y cambian. Cambian. Manejar la música en ese contexto es un verdadero dilema. ¿El compositor espera hasta que la película está hecha, en cuyo caso la presión de componer puede derivar en soluciones inorgánicas e impuestas, que no han crecido junto a la película? ¿El compositor comienza a hacer la música lo más tempranamente posible y continuamente actualiza y vuelve a pensar claves a medida que evoluciona la película? Gabriel y yo hemos desarrollado un método de trabajo que se inclina más hacia la segunda opción, orgánico pero que requiere mucha paciencia. él compone poco después de que yo he empezado a escribir, por cierto en el momento del guión en borrador. Para Cold Mountain, se sentaba frente a mí en el piano mientras yo escribía en el escritorio. Los beneficios de este método son aparentes; la fortaleza y la buena voluntad necesarias para tolerar y responder al constante trabajo de pre-producción, a los estiramientos y torsiones, al rechazo de lo que parecía perfecto, es un desafío que Gabriel casi siempre aceptó con buena disposición. Para Underworld fue un salto difícil a veces; otras, una exasperante curva de aprendizaje. Pero sin embargo, los compositores de “Breaking and Entering” han transitado esta maratón con gran corazón y no poco humor.

Para lo que podría parecer lo más crudo de los filmes que he realizado, fue creada la música más contenida, la que soportaba la interacción de emociones con temas sutilmente manchados. Como una especie de impresionismo musical, es lo opuesto a la musicalización convencional. Aun las acciones de la historia como robos o persecuciones, se reconocen sólo por inflexiones de pulso, como si los sonidos de los instrumentos de viento o los constantes tics musicales señalaran el mal gusto de los músicos. La música es apropiadamente diferente de todo lo que he escuchado de Gabriel, y ciertamente lo que no esperaríamos de Underworld. En verdad es como el juego que hicimos: música de Undergab, música de YaredWorld. Rick y Karl introdujeron algunos instrumentos maravillosamente esotéricos como el HANG (un instrumento de percusión suizo contemporáneo, con láminas de acero que se ejecutan en la falda y que parece un cinturón con una pandereta). Lo alentamos a Karl a tocar la guitarra utilizando el EBow, lo cual produce un sonido melancólico como si la nota fuera invertida. Y luego las voces, la mayoría de Karl, a veces nuestras, que emergían y desaparecían en el mundo de sonidos de Rick, como el de Prospero (una característica del abordaje de Underworld de la música es su generosa invitación a los que hacen música a tocar con ellos; a mí me emocionó tocar y cantar un poco en las sesiones en Abbey Road y dejando una pequeña huella en el film). El efecto de estas combinaciones - al menos me parece a mí – está perfectamente justificado para el film. Si como yo creo, la música es otro personaje del film, esta modesta y persistente composición realizada por tres maravillosos músicos es un gran aporte al reparto de “Breaking and Entering”.

No puedo dejar de decir que la música para el cine es creada por muchas personas, no solo por los compositores. Me gustaría en esta oportunidad agradecer a todos por su contribución: a Tim Bricknell, cuyas tranquilas habilidades de navegante han resultado esenciales; a las maravillosas Lisa Gunning y Katie Weiland en la sala de edición (la sala de la verdad); al conjunto de talentosos músicos que tocaron en las sesiones de Abbey Road; a la ingeniería y mezcla de Peter Cobbin. Espero que todos ellos me perdonen por mencionar solo a tres personas. Kirsty Whalley y Allan Jenkins estuvieron involucrados como programadores y editores musicales en los últimos tres filmes y su paciencia, su disposición y su criterio han desempeñado un papel absolutamente fundamental. Como siempre, para lograr este producto. John Bell, el amigo y arreglador de Gabriel, falleció antes de que este trabajo estuviera finalizado. Su naturaleza gentil, su amabilidad, su absoluto entendimiento de la música de Gabriel, su habilidad impredecible para arreglar y mejorar las cosas en el estudio, significan que siempre, siempre pensaremos en él y lo extrañaremos, en cualquier lugar y en cualquier momento en que se grabe música.




EL REPARTO
JUDE LAW / WILL FRANCIS
Como uno de los actores más solicitados, el dos veces nominado al Oscar Jude Law actuó recientemente en Closer, el film de Mike Nichols (nominado al Oscar) junto a Julia Roberts, Clive Owen y Natalie Portman.

En 2003, recibió nominaciones al Oscar y al Golden Globe al Mejor Actor por su trabajo en Cold Mountain, de Anthony Minghella; también fue nominado al Oscar y al Goleen Globe y recibió el BAFTA por su interpretación de Dickie Greenleaf en The Talented Mr. Ripley, también dirigido por Minghella.

En 2004 actuó en Sky Captain and the World of Tomorrow junto a Gwyneth Paltrow, y en I Heart Huckabees, dirigido por David O. Russell. Protagonizó Alfie, de Charles Shyer, y prestó su voz en el film Lemony Snicket’s A Series of Unfortunate Events.

En 2002, Law protagonizó Road to Perdition, de Sam Mendes, junto a Tom Hanks y Paul Newman. También fue protagonista de Existenz, de David Cronenberg, junto a Jennifer Jason Leigh y Willem Dafoe. Su papel protagónico en Wilde, junto a Stephen Fry y Vanessa Redgrave, le valió numerosos premios, como el del London Film Critics Circle y el Evening Standard.

Su debut en el cine de los Estados Unidos fue en el film futurista Gattaca, con Uma Thurman e Ethan Hawke. Entre sus restantes filmes se incluyen Midnight in the Garden of Good and Evil, de Clint Eastwood, junto a Kevin Spacey y John Cusack; y la épica de la Segunda Guerra Mundial de Jean-Jacques Annaud, Enemy at the Gates.

Law protagonizó junto a Kathleen Turner y Eileen Atkins la exitosa pieza de Broadway Indiscretions, labor que le valió el premio Theatre World Award y una nominación al Actor de Reparto Sobresaliente. En Londres había interpretado el mismo papel, que lo hizo merecedor del premio Charleston al Debutante Sobresaliente.

Dejoven, Jude trabajó con el National Youth Music Theatre y participó en numerosas producciones en el West End y en el National Theatre.

Próximamente lo veremos en All the King’s Men, del director Steve Zaillian.

JULIETTE BINOCHE / AMIRA
En 1996, Juliette Binoche ganó el Oscar, el premio BAFTA al cine, el premio European Film, el premio del National Board of Review a la Mejor Actriz de Reparto y el Oso de Oro en el Festival de Cine de Berlín por su papel en The English Patient, de Anthony Minghella. Su actuación protagónica en Chocolat (2000) la hizo merecedora de una nominación al Oscar, dos nominaciones al premio Screen Actors Guild y su tercera nominación al premio Golden Globe. En total, fue nominada a ocho premios Cesar y lo ganó una vez por su interpretación Trois Couleurs: Bleu.

Binoche se hizo notar en 1985 en el film de Jean-Luc Godard Je Vous Salue Marie y ese año se convirtió en una estrella de Francia por su interpretación en Rendez-vous de André Téchiné. El reconocimiento internacional le llegó en 1988 con el film de Philip Kaufman The Unbearable Lightness of Being.

Binoche protagonizó Mauvais Sang (Bad Blood), Les Amants du Pont Neuf, de Leos Carax, y Damage, de Louis Malle, junto a Jeremy Irons: para Krzysztof Kieslowski protagonizó Blue, de y actuó en Red y en White. También protagonizó Un Divan a New York, de William Hurt. Volvió a trabajar para Téchiné en lice et Martin, hizo el papel de Georges Sand en el drama Children of the Century y protagonizó junto a Jean Reno la comedia Jet Lag.

Entre sus restantes créditos cinematográficos, podemos mencionar The Horseman on the Roof, La Veuve de Saint Pierre, Code Inconnu y Hidden, de Michael Haneke; Country of My Skull, de John Boorman, Mary, de Abel Ferrara; y el film compuesto por varios cortos, Paris je t’aime.

Recientemente finalizó el rodaje de Quelques Jours En Septembre, de Santiago Amigorena, junto a John Turturro.


ROBIN WRIGHT PENN / LIV
Robin Wright Penn debutó en el cine en el clásico de culto de Rob Reiner The Princess Bride, y luego desempeñó papeles de reparto junto a algunos de los más grandes actores de Hollywood: acompañó a Sean Penn y a Gary Oldman en State Of Grace; a Albert Finney y a Aidan Quinn en The Playboys; y a Robin Williams en Toys. Desde entonces es una de las más aclamadas actrices de cine.

En 1995 recibió nominaciones al Golden Globe y al premio del Screen Actor’s Guild por su papel de reparto junto a Tom Hanks en el film de 1994 ganador de Oscar a la Mejor Película, Forrest Gump. Luego co-protagonizó junto a Jack Nicholson The Crossing Guard; y junto a Morgan Freeman, Moll Flanders. Junto a William Hurt co-protagonizó Loved, una presentación especial en los Festivales de Cine de Seattle y Toronto, y esa interpretación le significó el premio a la Mejor Actriz en Seattle y una nominación al premio Independent Spirit Award. En 1998 ganó su segunda nominación el premio del Screen Actor’s Guild por su papel protagónico en She’s So Lovely, de Nick Cassavetes.

Pronto la veremos en Beowulf, de Robert Zemeckis y para Columbia Pictures, film que protagonizará junto a Anthony Hopkins y Brendan Gleeson., basado en un antiguo poema épico inglés que cuenta la historia de un caballero que mata a un monstruo y se convierte en rey. Recientemente, además, completó la producción del drama Hounddog, junto a Dakota Fanning y David Morse.

La última vez, la vimos a Wright Penn en Sorry, Haters, una realización de IFC InDigEnt para el director Jeff Stanzler, la cual explora las ansiedades y los miedos de los Estados Unidos tras el 11 de Septiembre a través de la historia de un chofer de taxi que recoge en su automóvil a una problemática profesional, hecho que desencadena resultados inesperados. Entre sus restantes créditos recientes podemos mencionar Empire Falls, de Fred Schepisi, labor por la que recibió una nominación al SAG; Nine Lives, de Rodrigo Garcia, con el resultado de otra nominación al Independent Spirit; A Home At The End Of The World, de Michael Mayer, una adaptación de una novela de Michael Cunningham; un cameo en Virgen, de Deborah Kampmeier (donde también realizó la producción ejecutiva); y The Singing Detective, de Keith Gordon, junto a Robert Downey Jr., estrenado en el Festival de Cine de Sundance 2003.

Entre sus restantes créditos en el cine se incluyen el drama de Warner Brothers White Oleander, con Michelle Pfeiffer, Renee Zellweger y Alison Lohman; la adaptación al cine de Hurlyburly; el drama romántico Message In A Bottle, con Kevin Costner y Paul Newman; How To Kill Your Neighbor’s Dog, con Kenneth Branagh; el thriller sobrenatural de M. Night Shyamalan Unbreakable, con Bruce Willis y Samuel L. Jackson; y el aclamado drama de Sean Penn The Pledge, junto a Jack Nicholson.



RAFI GAVRON / MIRO
Consumado atleta de freerunning y esquiador extremo, Rafi Gavron, de 17 años, desarrolló un agudo interés por la actuación cuando cursaba la escuela en el norte de Londres. Su debutr en el cine fue a los 16 años, precisamente en “Breaking and Entering”.

Recientemente, Rafi completó la filmación en locación de Italia del papel de Duro en tres episodios de la serie Rome, de HBO.


POPPY ROGERS / BEA
Poppy Rogers nació en 1992 y debutó en el cine en From Hell, de Albert y Allen Hughes. Desde entonces ha participado en Secret Passage, de Ademir Kenovic; en Nicholas Nickleby, de Doug McGrath; en Five Children and It, de John Stephenson; y más recientemente, en The Thief Lord, de Richard Claus

Entre sus créditos televisivos se incluyen la adaptación de la BBC de Daniel Deronda y Best Friends de Granada, como también la miniserie de Hallmark The Tenth Kingdom. Actualmente, Poppy está filmando la adaptación televisiva de Wide Sargasso Sea, de Jean Rhys, para BBC 4.

MARTIN FREEMAN / SANDY
Martin Freeman es conocido por el público por su papel del personaje protagónico de Arthur Dent en el reciente éxito de Disnay The Hitchhiker’s Guide to the Galaxy; y por el de Tim en la exitosa serie cómica de la BBC, The Office. Sus restantes créditos televisivos incluyen Charles II y The Robinsons para la BBC, y Hardware para ITV.

El año pasado, Freeman filmó The Good Night, de Jake Paltrow, con Gwyneth Paltrow, Penélope Cruz y Simon Pegg, y también un pequeño film independiente en el Reino Unido llamado The All Together. Disfrutó de un brillante y exitoso retorno al teatro en la temporada a sala llena de la nueva pieza de Toby Whithouse, Blue Eyes & Heels, en el Soho Theatre.

Entre sus créditos más recientes pueden incluirse Hot Fuzz, del director de Shaun of the Dead Edgar Wright, y Dedication, un nuevo film independietne de Nueva York para Plum Pictures. En breve comenzará a filmar el papel de Rembrandt en NIghtwatching, del director Peter Greenaway.

VERA FARMIGA / OANA
Tras una sucesión de distinciones por su interpretación en el áspero film independiente Down to the Bone, la vemos a Vera Farmiga en el drama de policías de Martin Scorsese, The Departed. Allí, Vera es una de las protagonistas junto a Matt Damon, Leonardo DiCaprio y Jack Nicholson e interpreta a una psiquiatra de la policía en la disyuntiva entre dos hombres que aparentemente están a ambos lados de la ley. El film fue estrenado por Warner Brothers en octubre de 2006.

Recientemente, Farmiga finalizó el thriller independiente Joshua, protagonizado por Sam Rockwell, para el director George Ratliff y ATO Pictures. Allí interpreta a una madre cuyo hijo destruye a la familia a causa de su conducta descontrolada. Anteriormente, filmó In Transit en San Petersburgo, junto a John Malkovich y Thomas Kretschmann para el director Tom Roberts y para Thema. En las ruinas de Leningrado tras el sitio, Farmiga interpreta a una joven enfermera rusa del ejército, en conflictos entre su deber con su país y su vínculo con otro ser humano.

En este momento está a punto de comenzar a filmar la historia de amor Never Forever para la directora Gina Kim, con producción de Steven Shainberg y Andrew Fierberg. Allí será la protagonista junto a la estrella coreana Jung-woo Ha y a David Lee McInnis, e interpretará a una mujer que inicia una relación con un atractivo trabajador inmigrante, con la esperanza de salvar su matrimonio.

Farmiga también protagonizó Quid Pro Quo, del debutante director Carlos Brooks y de los productores Jason Kliot y Joana Vicente (Coffee and Cigarettes, Chuck and Buck), Midge Sanford y Sarah Pillsbury (How to Make and American Quil”). Allí hace de una mujer que es lazarillo de un periodista NPR en silla de ruedas (interpretado por Nick Stahl ) en un viaje a la extraña subcultura de los “simuladores”, personas sin discapacidades físicas que viven como si fueran discapacitados.

Farmiga ganó el premio a la Mejor Actriz de Los Angeles Film Critics’ Association por su interpretación en el film independiente Down to the Bone, un drama revelador acerca de agotada madre de clase obrera atrapada por su adicción a las drogas. Obtuvo asimismo premios a la Mejor Actriz en los festivales de cine de Sundance y Marrakech, y también una nominación al premio Independent Spirit.

Recientemente la vimos junto a Paul Walker en el thriller Running Scared, de New Line Cinema, dirigido por Wayne Kramer.

Previamente actuó junto a Meryl Streep y a Denzel Washington, interpretando a la ex – novia de Liev Schreiber e hija de Jon Voight en The Manchurian Candidate, de Jonathan Demme. Entre sus créditos adicionales, pueden citarse Dummy, junto a Adrien Brody; Love in the Time of Money, con Michael Imperioli y Adrian Grenier; Fifteen Minutes, co-protagonizado por Robert DeNiro y Edward Burns; Autumn in New York, con Winona Ryder y Richard Gere; y The Opportunists, junto a Christopher Walken.

Nacida en New Jersey, Farmiga actualemnte vive en Nueva York.

RAY WINSTONE / BRUNO FELLA, CID
Ray Winstone nació en Hackney, en el este de Londres. Comenzó a actuar a los doce años, fue tres veces Campeón Estudiantil y dos veces representó a Inglaterra. Estudió actuación en la Corona School antes de ser seleccionado por el director Alan Clarke para el papel de Carlin (“the Daddy”) en Scum. Esta producción de BBC Play hizo famoso su nombre y desde entonces, Winstone ha participado en numerosas series y películas televisivas. Tras interpretar un papel protagónico en Quadrophenia de Franc Roddam’ y ser elegido por Ken Loach para Ladybird, Ladybird, Gary Oldman le dio el papel protagónico en su áspero drama biográfico Nil By Mouth. Winstone estuvo cautivante como Ray, en una interpretación notable que lo llevó a conseguir una serie de desafiantes papeles, entre ellos, el de Dave en la película de gángsters Face y el de Dad en el perturbador drama de Tim Roth The War Zone. También actuó en la comedia dramática The Mammy, en Fanny & Elvis, y brindó una de las mejores interpretaciones de su carrera en Sexy Beast, de Ben Kingsley.

Sus créditos en la televisión comprenden: Our Boy (labor por la que obtuvo un premio TST al Mejor Actor) y Births, Marriages and Deaths, ambos escritos por Tony Grounds. Para Granada/ITV actuó en Tough Love, en su secuela Lenny Blue, interpretó el papel de Enrique VIII en Henry VIII (ganadora del premio Emmy a la Mejor Miniserie/ Película Televisiva) y el film televisivo She’s Gone, el cual fue producido por su compañía Size 9 Productions para ITV. TAmbién interpretó el papel protagónico en Sweeney Todd, una co-producción de Size 9 Productions/Box TV para BBC1, escrita por Joshua St Johnston.

Entre sus créditos cinematográficos se cuentan There’s Only One Jimmy Grimble, Last Orders, Ripley’s Game, Cold Mountain, King Arthur, The Proposition, y más recientemente The Departed, dirigido por Martin Scorsese (protagonizado por Jack Nicholson, Matt Damon y Leonardo de Caprio, a estrenarse este año) y el papel protagónico en Beowulf, de Robert Zemeckis (protagonizado por Angelina Jolie, Robin Wright Penn, John Malkovich y Anthony Hopkins), film que será estrenado este año.

Este año, Ray filmó All In The Game (de Tightrope Productions para Channel 4, escrito por Tony Grounds) y acaba de finalizar al filmación de la Serie 2 de Vincent (4 series de 90 minutos para Granada Television), que será emitida el próximo otoño.

LOS REALIZADORES

ANTHONY MINGHELLA / Director/ Guionista
El film escrito y dirigido por Anthony Minghella The English Patient, obtuvo nueve premios Oscar 1999, entre ellos Mejor Película y Mejor Director. Basado en la novela de Michael Ondaatje y protagonizado por Ralph Fiennes, Juliette Binoche, Kristin Scott Thomas y Willem Dafoe el film fue honrado con más de 30 premios en total, entre los que se incluyen dos Golden Globe, seis BAFTA, el Premio Writer’s Guild al Mejor Guión y el Premio Scripters al Mejor Director.

También en 1999, Minghella recibió el Premio al Mejor Director del National Board of Review por su film The Talented Mr. Ripley, basado en la clásica novela policial de Patricia Highsmith y protagonizado por Matt Damon, Gwyneth Paltrow y Jude Law. En 2000, fue nombrado Director ShoWest del Año por los propietarios del American Theater.

Cold Mountain (2003), protagonizado por Jude Law y Nicole Kidman, adaptación de MInghella de la novela homónima de Charles Frazier, recibió siete nominaciones al Oscar, siete al premio Goleen Globe y once al premio BAFTA. Renée Zellweger obtuvo el Premio de la Academia, el Golden Globe y el BAFTA a la Mejor Actriz de Reparto por su papel de Ruby.

El primer film de Minghella como autor y director, Truly, Madly, Deeply, protagonizado por Juliet Stevenson y Alan Rickman, se ganó al público de Gran Bretaña y los Estados Unidos y cosechó diversos premios, entre ellos el BAFTA y el del Writer’s Guild. Minghella también dirigió Mr. Wonderful, con Matt Dillon, Mary Louise Parker y William Hurt.

Anthony Minghella nació de padres italianos en 1954 en la Isla de Wight. Hasta 1981, dictaba conferencias sobre teatro en la Universidad de Hull y escribió las piezas teatrales Child’s Play, Whale Music, A Little Like Drowning, Two Planks and A Passion, Made in Bangkok y Love Bites. Su trilogía para la televisión What If It’s Raining? fue elogiada en toda Europa. Creó y colaboró con regularidad en la serie Inspector Morse y escribió los nueve cortometrajes televisivos de la serie The Storyteller para Jim Henson yd NBC, la cual obtuvo los premios Emmy y BAFTA y la Medalla de Oro en el Festival Internacional de Cine y Televisión de New York. Para la radiofonía, Minghella escribió las piezas Hang Up y Cigarettes and Chocolate.

Minghella recibió los doctorados honorarios de las Universidades de Hull y de Southampton, Desde el año 2000 es socio de Sydney Pollack en Mirage Enterprises, la compañía productora. Fue productor ejecutivo de los filmes Heaven, Iris y The Quiet American. Recientemente, fue nombrado director del British Film Institute.

TIMOTHY BRICKNELL / Productor
Timothy Bricknell comenzó su carrera en el cine trabajando en empleos varios como encargado, chofer, investigador, asistente de director /productor /actores, y también como editor asistente en filmes como Carrington, Gulliver’s Travels, The Odyssey, The Infiltrator y Nil By Mouth. Comenzó a trabajar como investigador para Anthony Minghella en 1997 y llegó a ser el asistente del director en The Talented Mr. Ripley.

Como investigador de literatura y música, asesor de guión, coordinador de reparto, asistente y productor asociado, Bricknell resultó fundamental en la producción de Cold Mountain, de Minghella. También produjo dos cortometrajes para el director: Drop The Debt para Comic Relief, y Play, parte del prestigioso proyecto ‘Beckett on Film’.

SYDNEY POLLACK / Productor
Sydney Pollack ha dirigido 18 filmes, por los cuales han recibido un total de 46 nominaciones al Premio de la Academia. Como director, Pollack ha sido nominado tres veces y obtuvo el Oscar a la Mejor Dirección por Out Of Africa. La película obtuvo siete premios de la Academia, incluyendo el de Mejor Película. En 1982, Pollack obtuvo el premio del New York Film Critics por su film Tootsie. Dos veces ganó el Golden Globe como Mejor Director, así como también obtuvo el premio de la National Society of Film Critics, el premio NATO al Director del Año y premios en los festivales de Bruselas, Belgrado, San Sebastián, Moscú y Taormina. Más recientemente le fue otorgado el Premio John Huston del Directors Guild of America John Huston Award por la Artists Rights’ Foundation.

Pollack es también un consumado actor que ha participado en Husbands and Wives, de Woody Allen’s, The Player, de Robert Altman, Death Becomes Her, de Robert Zemeckis, Civil Action, de Steven Zaillian, Eyes Wide Shut, de Stanley Kubrick y Changing Lanes, de Roger Michel.

En 1985, Pollack formó Mirage Productions. Bajo este sello se produjeron los filmes Presumed Innocent, The Fabulous Baker Boys, White Palace, Major League, Dead Again, Searching for Bobby Fisher, Sense and Sensibility y The Talented Mr. Ripley. En 2000, Anthony Minghella se asoció formando Mirage Enterprises.

Pollack es miembro fundador del Sundance Institute, Presidente Emérito de la American Cinematheque, fundador continuo del Directorio de los Derechos de Artistas del Director’s Guild y del Comité de Directores del Film Preservation y de la Motion Picture and Television Fund Foundation.


BENOIT DELHOMME / Director de Fotografía
Recientemente pudimos apreciar el trabajo de Benoit Delhomme con la cámara en The Proposition, de John Hillcoat, film protagonizado por Ray Winstone y Guy Pearce. Entre sus créditos en el cine, pueden mencionarse The Merchant of Venice, de Michael Radford, protagonizado por Al Pacino, Joseph Fiennes y Jeremy Irons; Miss Julie, de Mike Figgis; With or Without You, de Michael Winterbottom; The Winslow Boy, de David Mamet; Chacun Cherche son Chat y Un Air de Famille, de Cedric Klapisch; y L’Idole, de Samantha Lang.

En 1998, Delhomme fue nominado al premio Cesar a la Mejor Cinematografía por su trabajo en Artemisia; y en 2001 recibió el premio Especial del Jurado a la Cinematografía en el Festival Internacional de Cine de Chicago por su trabajo en Ni Neibian Jidian (What Time Is It There?). Previamente había obtenido el premio a la Mejor Iluminación en el Festival de Chalon por The Scent of Green Papaya, deTran Anh Hung, para quien también fotografió Cyclo, el film ganador del León de Oro en el Festival de Venecia.


ALEX MCDOWELL / Diseñador de Producción
Alex McDowell, cuya carrera como diseñador de producción abarca más de dos décadas de premiados videos musicales, comerciales televisivos y filmes cinematográficos, continúa ganando respeto y elogios por su sensibilidad para el diseño, específica e innovadora. Defensor del moderno diseño en el cine, McDowell integra la tecnología digital y el diseño tradicional, en un proceso de diseño de producción que brinda un control sin precedentes del aspecto final del film. Estableció una nueva clase de departamento centralizado de diseño, donde se vinculan estrechamente los conceptos de 2D y 3D, las locaciones, los elementos de utilería, la iluminación y la cámara, los efectos visuales y la post-producción.

Con una clásica formación en la pintura, McDowell vivió sus primeros siete años en Indonesia y luego estudió como pupilo en escuelas británicas de Cuáqueros. Comenzó a incorporar el diseño digital en Fight Club. En 1999 sofisticó el procedimiento a través del primer departamento integrado de diseños digitales para el film de Steven Spielberg Minority Report. Allí creó un mundo intensamente investigado, el de 2004, inmerso en la tecnología del futuro. Para el film The Terminal, también de Spielberg, organizó otro departamento de arte para crear una terminal de aeropuerto a gran escala, el más grande foro arquitectónico construido para el cine.

Entre sus restantes créditos recientes, pueden mencionarse el maravilloso mundo del Dr. Seuss, The Cat in the Hat, y dos filmes para Tim Burton: la realización animada stop-motion The Corpse Bride, donde se combinan la ficcional Europa de Esta de la época victoriana con la Tierra de los Muertos; y Charlie and the Chocolate Factory, la clásica historia de Roald Dahl acerca del excéntrico chocolatero Willy Wonka. Para McDowell, este fue el film más exigente de su carrera, al que describe como “la era del Pop del espacio ruso se encuentra con el Expresionismo alemán a través de la lente de una película Futurista italiana clase B de James Bond en un patio trasero británico”.

De regreso en los Estados Unidos luego de “Breaking and Entering”, McDowell comenzó con el diseño de producción de la comedia animada en 3-D de DreamWorks Bee Movie, escrita y protagonizada por Jerry Seinfeld.

McDowell está también involucrado en proyectos bajo el auspicio de Matter Art & Science, un grupo de artistas, diseñadores, científicos e ingenieros que fundó en 2000, que explora la integración del diseño y la ingeniería y hacen converger arte y ciencia. Los proyectos de Key incluyen: una opera robótica, Death and the Powers, para el compositor Tod Machover, con libreto del poeta Robert Pinsky; el mundo completo de un juego infantil on-line; y el desarrollo de un sistema de reconocimiento de gestos para la industria del entretenimiento.

Mc Dowell integra el Directorio de Asesores del University Art Museum, Cal State Long Beach, donde es curador invitado de una nueva serie de exhibiciones que fusionan los medios emergentes, la computación, la ingeniería, la electrónica y la música, la investigación de arte digital y la producción de arte. Recientemente fue nombrado Artsita Visitante del Laboratorio de Medios del MIT y es Diseñador Real para la Industria, la más prestigiosa sociedad de diseño.

Graduado del London’s Central School of Art, McDowell abrió la firma de diseño gráfico Rocking Russian Design en 1980 y diseñó tapas de álbumes y videos musicales para artistas de casi todas las tendencias, incluyendo un video para The Cure que presentaba a la banda dentro de un ropero, uno de los sets más pequeños alguna vez construidos. Su atractivo trabajo reflejó con coherencia su inclinación por la experimentación y su amor a la música. Ya en Los Angeles en 1986 para diseñar comerciales y videos musicales, trabajó con los más modernos directores y, a principios de los años 90, incursionó en el diseño de producción para el cine. Entre sus créditos en esa área se cuentan The Lawnmower Man, The Crow, Fear and Loathing in Las Vegas, Fight Club y The Affair of the Necklace.

McDowell vive en Los Angeles con su esposa, la pintora Kirsten Everberg, y sus dos niños. Participa activamente en conferencias internacionales de diseño y cine, donde es expositor invitado y lleva a cabo clases magistrales y talleres.


NATALIE WARD / Diseñadora de Vestuario
Los créditos de Natalie Ward como diseñadora de vestuario para el cine incluyen Derailed, de Mikael Håfström, protagonizado por Clive Owen y Jennifer Anniston; y Code 46, 24 Hour Party People y Wonderland, de Michael Winterbottom.

Recientemente finalizó un trabajo para Roger Michell en el film Venus, protagonizado por Peter O’Tooley Leslie Phillips, y anteriormente había trabajado para el director en Enduring Love y The Mother. También realizó diseños de vestuario para Patrice Chereau en Intimacy y para Damien O’Donnell en Heartlands. Asimismo, trabajó en los departamentos de guardarropas de Bridget Jones’s Diary, The Beach, Notting Hill, Elizabeth y I Want You.

Actualmente, Natlie Ward está trabajando como diseñadora de vestuario de Death At a Funeral, del director Frank Oz.

LISA GUNNING / Editora
Lisa Gunning colaboró por primera vez con Anthony Minghella en 1998 en un cortometraje de tres minutos de duración para Comic Relief, Drop the Debt. Editó también el comercial de Guinness del director, ‘Mustang’ y su cortometraje Play, para la temporada de Beckett del Channel 4. Entre sus restantes créditos en los cortometrajes se cuentan El Mago, de Stacy Wall, y Spin, de Cath le Couter, Editó asimismo el documental de Carl Hindmarch para Channel 4 Pump Up the Volume, así como varias de las secuencias de sueños de Jack and the Beanstalk, de Jim Henson. Entre sus créditos en los comerciales, podemos mencionar las marcas Nike, Levis, Orange, Nokia, Coca-Cola, Renault, Adidas, Johnnie Walker, British Airways y Sony Playstation.

“Breaking and Entering” señala el debut de Lisa Gunning en el cine.

GABRIEL YARED / Compositor
Gabriel Yared ganó el Premio de la Academia por la música de The English Patient, de Antohony Minghella, y compartió el BAFTA con T-Bone Burnett por Cold Mountain. Recientemente compuso la música del film animado de Michel Ocelot Azur et Asmar y del éxito alemán Das Leben der Anderen.
Yared llamó primeramente la atención internacional con la composición de la música del film Betty Blue, de Jean-Jacques Beineix. Luego, compuso la música de dos filmes de Jean-Jacques Annaud – Wings of Courage y The Lover – y del film Sylvia, de Christina Jeffs. Entre sus restantes créditos se encuentran Camille Claudel, de Bruno Nuytten; Beyond Therapy y Vincent and Theo, de Robert Altman; Dangerous Moves, de Richard Dembo; Hannah K, de Costa-Gavras; The Moon in the Gutter y IP5, de Beineix; y Every Man for Himself, de Jean-Luc Godard. Más recientemente, sus trabajos comprenden The Next Best Thing, Autumn in New York, The One and Only, L’Idole, Chocolat, Possession y Shall We Dance?

Gabriel Yared nació en el Líbano. Como músico autodidacta, en 1971 abandonó sus estudios de Derecho, se mudó a París, donde audicionó para los cursos de composición musical de Henri Dutilleux en la Ecole Normale de Musique. Años después comenzó una carrera de compositor y orquestador para numerosos cantantes prominentes, como Johnny Hallyday, Charles Aznavour, Mireille Mathieu y Francoise Hardy. Además de componer música para filmes, Yared compuso para el ballet y para numerosos jingles y temas para radio y televisión.